Crimes and Misdemeanors

Crimenes y pecados

Origen: EE.UU
Direccion: Woody Allen
Reparto: Woody Allen, Alan Alda, Claire Bloom, entre otro.
Genero: Drama/Comedia
Año: 1989


Sinopsis:
Judah y Clifford son dos hombres enfrentados a ciertos dilemas morales de diferente gravedad. Judah, reputado oftalmólogo, pretende terminar su relación con su amante, Dolores, que amenaza con contarlo todo y destruir su vida si la abandona. Su hermano Jack le ofrece la posibilidad de asesinarla. Por su parte, Clifford es un director de documentales que se ve obligado a rodar una película sobre su cuñado, al que desprecia.

Critica:
“Crímenes y pecados” es uno de esos films que agregaría a la lista de películas que una persona tiene que ver en algún momento de su vida si o si, simplemente por el fiel e interesante contenido que tiene de fondo esta historia y la reflexión en tanto a una discusión a plantear y con la que se puede abordar esta película.
Básicamente son dos personajes centrales equidistantes uno de otro que finalmente se cruzaran sobre el final de la historia. Uno es Judah, un reconocido y exitoso Oftalmólogo que al comenzar, se muestra lo solida que es su profesión y el ejemplar padre de familia que es. Por otro lado, tenemos a Cliff, un hombre que se dedica y gusta de hacer películas documentales sobre personajes intelectuales y poco comerciales. Hasta el momento todo parece normal e imperturbable hasta que el desenlace nos devela que Judah tiene un amante llamada Dolores, la cual está decidida a hablar con su mujer y contarles las irregularidades tanto de la pareja como del manejo de dinero sospechoso que ha tenido Judah, lo que develaría algo turbio y oculto en este personaje exitoso. Y Cliff un hombre disminuido en todo sentido, su mujer lo minimiza, no luce como un triunfador y es tan fiel a sus principios que le terminan jugando en contra de alguna u otra manera en el trascurso de la historia. Pese a esto en un determinado momento conoce a Holly una joven y bella productora que trabaja grabando con disgusto la vida de su cuñado “famoso” , luego será Cliff quien trabajara para ello ante un proyecto poco feliz y en contra de sus preciados principios pero redituable económicamente. Holly es quien dará el halo de luz y felicidad a Cliff ante los vínculos infelices que tiene en su hogar.
La moralidad, el pecado y el superyó son las constantes que forman parte de esta película que al fiel estilo Allen no deja de hacernos pensar y reír. Los dos personajes Judah y Cliff tienen algo que los une en sí, no es por sus historias que son completamente diferentes sino que ponen en relieve la relación entre las personas, los vínculos, la pareja y la familia corrompida, de ahí en más cuanto juega lo moral , el pecado, la culpa y el castigo. Ante cada acción y cada desilusión hay algo que nos juzga, la pregunta es ¿Podremos soportarlo? ¿Podremos seguir viviendo con la desilusión? ¿Soportar la culpa y el castigo? ¿Ser nosotros el propio cielo y el propio infierno?
En conclusión es una película más que interesante, con un tema tratado profundamente de manera muy solida y con un argumento atrapante, que no deja ninguna duda de que somos seres vulnerables hacia afuera y hacia adentro. Demostrando de esta manera que las acciones van mucho más allá de cualquier peso, y que es el peso de uno mismo, de la propia creencia.

Calificacion:
Excelente

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Youth Without Youth

Juventud sin Juventud

Origen: EE.UU
Direccion: Francis Ford Coppola
Reparto: Tim Roth, Alexandra Maria Lara, Bruno Ganz, entre otros.
Genero: Drama/Fantastico
Año: 2007


Sinopsis:
Dominic Matei (Tim Roth) es un anciano profesor cuya vida sufre un cataclismo en los oscuros años previos a la Segunda Guerra Mundial. Tras ser alcanzado por un rayo, Dominic no sólo se mantiene con vida, sino que rejuvenece. Este hecho interesa a los nazis, que pretenden investigar y experimentar con Dominic, así que éste se ve obligado a huir y a falsificar su identidad para no ser descubierto.

Critica:
A veces no basta solo con entender sino de sentir, la razón nos suele crear obstáculos que clausuran el camino de la conciencia y el devenir de las cosas. Sin mas: Inteligencia, libertad, amor, tristeza, fluir, existencia, desesperacion, edad, desaparición, recuerdo, lo onírico y la vida son los elementos de los que se nutre Juventud sin Juventud o por lo menos algunos, película que marca el retorno de Francis Ford Coppola después de casi una década de ausencia cinematográfica como realizador no así como productor, anterior a Tetro Juventud sin Juventud es una película de bajo presupuesto muy personal y experimental. Adelantandonos Juventud sin ... tiene fallas pierde el equilibrio entre la ficción y la realidad que propone, pero es eso y punto, la no normalidad o lo nuevo trae consecuencias a veces malas para todos, lease publico y realizador. La experimentación en el cine es algo que pocos hacen, de forma seria, pensando en vos alta bien podría Coppola quedarse en el lugar que le queda mas cómodo y que ya sabemos cual es, pero no, decide arriesgar, se encarga de todo, produce, escribe y dirige para que tal vez no queden dudas.
La película trata de un tipo (Tim Roth) profesor de lingüística que se quiere suicidar, y en su camino al objetivo le cae un rayo que, alejándolo de la muerte, lo revive y lo hace ser mas joven e inteligente. Entre esto el nazismo anticipa lo que va a ser la segunda guerra mundial y son los que mirar muy de cerca a este individuo que después de un rayo pasa a ser alguien único. Luego una segunda parte en la que conoce a su amor, quien le recuerda a su amada de cuando joven y la que ahora no esta, es también quemada por un rayo y a la que convierte en sentido onírico en una persona espiritual que habla en un idioma muy antiguo y es aquí donde se conectan con Tim Roth.
No hace falta entrar en detalles ni poner en duda la calidad cinematográfica que antepone a Coppola, la maravillosidad de la fotografía (Mihai Malaimare Jr.) es sorprendente y de mucha belleza. La película tiene una poética muy singular, y un sentido o si se quiere un lenguaje muy propio del mentor. Su ultimo cine es muy primitivo, muy jugado, muy inicial y eso es altamente valorado para quienes buscan nuevas fronteras cinéfilas. Y de verdad se lo agradezco.

Clarificación:
Buena

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Predators (2010)

Depredadores

Origen: EE.UU
Direccion: Nimród Antal
Reparto: Adrien Brody, Topher Grace, Danny Trejo, Walton Goggins, entre otros.
Genero: Accion
Año: 2010

Sinopsis:
Un grupo de guerreros de élite que acaban dándose cuenta de que los han llevado juntos a otro planeta… para servir de presa. Con la excepción de un médico desprestigiado, todos ellos son unos desalmados asesinos —mercenarios, yakuzas, presidiarios, miembros de escuadrones de la muerte—, “depredadores” humanos que ahora están siendo cazados y eliminados sistemáticamente por una nueva raza de Depredadores extraterrestres.

Critica:
"Depredador"(1987), la original de los ochenta se trataba de un grupo de militares perdidos en medio de la selva centroamericana tratando de cazar a alguien o algo que resultaba ser un alienigena perdido y bastante malo por cierto. En"Depredadores" (2010) la cosa es parecida pero a la inversa, los bichitos que hacen ese ruido raro están en casa, o sea su planeta y los que están perdidos son un grupo de personas muy peligrosas seleccionadas y enviadas allí.
Hay acción, suspenso y cacería por doquier. Un argumento con pocos giros pero certeros y por momentos predecible, no suelta la idea principal de la que fue su original. "Antal", su director, le da cierta visión existencialista a la película sus personajes parten de la desconfianza y la supervivencia sin importar -que- ni -como-, la cosa es sobrevivir a estos expertos cazadores, los depredadores, acuerdencen que estas personas son lo peor de la humanidad, tal vez eso los haga sentir mejor ante la situaciones de angustia que produce ver a estos tipos envuelto en pura cacería en un lugar que no tiene escapatoria.
Las actuaciones no están mal, personalmente creo que "Adrien Brody" ante su esfuerzo y sus músculos no convence demasiado de ser un asesino sin escrúpulos para sobrevivir en este particular planeta, también a "Laurence Fishburne" (Tal vez lo recuerden como Morfeo en la trilogía Matrix) que aparece a mitad de la película haciendo de loco que tiene un amigo imaginario no llena mas de lo que hay y creo que fue hasta innecesario.
Sin mas, es una opción mas para quienes gusten de entretenerce un poco con estos bichos y gusten de este tipo de película en la cual no existe la lógica.

Recordare por siempre esa escena de Depredador (1987) en la que Schwarzenegger quiere matar al depredador cueste lo que cueste, se llena de barro para anular la visión de este, prende una antorcha que sostiene con una mano, la levanta gloriosamente y pega un grito eterno diciendo... -entre lineas- aquí estoy... ven por Mi.

Calificación:
Regular

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The Last Airbender

El Ultimo Maestro del Aire

Origen: EE.UU
Direccion: M. Night Shyamalan
Reparto: Noah Ringer, Dev Patel, Jackson Rathbone, entre otros.
Genero: Fantastico
Año: 2010


Sinopsis:
Fantasía épica que adapta la serie "Avatar: The Last Airbender". Aire, Agua, Tierra y Fuego son cuatro naciones enlazadas por el destino cuando la Nación del Fuego declara una brutal guerra a las demás Naciones. Tras un siglo de lucha, no parece haber esperanza de que algo pueda cambiar este entorno de destrucción. Aang (Noah Ringer), el más reciente sucesor del ciclo del avatar, deberá viajar por el mundo hasta llegar al polo norte, junto a Katara (Nicola Peltz) y a Sokka (Jackson Rathbone), para aprender a dominar los 4 elementos (principalmente el agua control) y acabar con la guerra.

Critica:
El cine de Shyamalan es muy especial, único y natural. Al pensar en este realizador uno seguro vio o recuerda alguna de sus películas, y en este pensamiento retrospectivo de cinefilia seguramente recordemos grandes momentos. Su película mas famosa posiblemente sea "El sexto sentido", uno de los mejores thriller que recuerdo al pensar en el genero y que recomendaría a cualquiera, sin embargo es una película que ha condenado a Shyamalan de por vida, todas las criticas es en base a esta película, como exigiendole un genero determinado. Es un director que se mueve, no le gusta encasillarse ni en lo mas mínimo, si es poseedor de un estilo propio y esta bien marcado. "El protegido", película que tal vez no tuvo oportunidad y que pocos vieron, luego "Señales" esta da miedo por momentos, "La aldea" (The Village) difícil película que algunos no entendieron y criticaron duramente pero que me parece tiene gran valor y mucha discusion, "La Dama del Agua" (Lady in the Water) impersonal y atrayente que encierra una fantasía sobrenatural, "El fin de los tiempos" (The Happening) impactante y con una fotografía pocas veces vista en el cine pero también no tuvo la valoración que se mereció en su momento, tal vez sea sobrevalorada en un futuro. Y por ultimo "El ultimo maestro del aire", su ultimo trabajo y la que nos trae aquí.
La película es regular y solamente daré los pro y los contra. Basada en un anime que nunca vi y no es necesario ver para visionar "El Ultimo maestro del Aire" que habla de que hace un tiempo atrás cuatro elementos dominaban el planeta: el agua, aire, fuego y tierra. La guerra se desata por quien domine sobre cada uno de los poderes, sin embargo hay alguien unico y quien maneja los cuatro elementos, el Avatar. He aqui el desarrollo del por momentos pesado argumento que trata de explicar todo el tiempo la historia, con planos y contraplanos, pero que se desplaza con excelentes efectos especiales que si se los mira sorprenden, con cámaras que giran velozmente poniendo estilo al asunto. Sin embargo no atrapa, su objetivo de publico es para niños, sin embargo no limita a un adulto.
Shyamalan nos da un cine diferente, y eso es valorado, por lo menos de mi parte, tal vez esta no sea su mejor película pero yo sigo apostando a este excelente realizador que cada vez que propone deslumbra.

Calificación:
Regular

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Funny People

Hazme Reír

Origen: EE.UU
Direccion: Judd Apatow
Reparto: Adam Sandler, Seth Rogen, Leslie Mann, Jonah Hill, entre otros.
Genero: Comedia/Drama
Año: 2009


Sinopsis:
La historia ambientada en el mundo de los comediantes de standup (los monologuistas), y concretamente en George Simmons (Adam Sandler), un famoso cómico que descubre de repente que le queda poco tiempo de vida. George Simmons, que cree tenerlo todo, se da cuenta de lo que es estar cerca de la muerte, y a partir de ese momento pondrá todo su empeño en buscar aquello que realmente aporte significado a su vida.

Critica:
La tragedia y el humor. Apatow, director y guionista de esta SOBREVALORADA película, en la que uno no espera, tal vez algo diferente y opuesto como lo es "Funny People" ante las anteriores películas: "Virgen a los 40" y "Ligeramente embarazada" del director en cuestión.
El foco de la historia es simplemente un comediante que le dan la mala noticia de que padece una enfermedad en la sangre poco usual y que la cura consiste en un tratamiento que pocas veces funciona, Apa! la película de un comediante empieza con una tragedia. -No se si es chocante o dramático pero hace que te acomodes en el sillón- empezar así de alguna manera le da seriedad a la cosa pero nunca pierde el hilo de diversión sobre el argumento y eso es lo importante y atrapante aquí. Sin embargo la historia no esta repleta de gags o secuencias divertidas estandarizando este tipo de películas, creo que es una historia mas personal y profunda al mismo tiempo. Los personajes son tipos que sufren, con infancia poco felices, amores perdidos, soledad, problemas económicos, individualidades y así podría seguir la lista, y pienso que aunque no lo parezca esto en lo mas interesante, son problemas realistas, hay realidad. Usa el excelente actor y amigo Adams Sandler en un papel fuera de lo que él siempre hace, esta vez algo mas serio como se lo vio por ejemplo en la aclamada opera prima de Paul T. Anderson "Embriagado de Amor", las demás actuaciones están muy bien, principalmente Seth Rogen que viene trabajando con Apatow desde sus inicios y quien conoce mejor que nadie su ideología cinéfila.
La duración de 146min fue lo primero que cuarto la critica de Funny People, ahora la pregunta que me hago, ¿no fue necesario esto? la ultima parte estirada, diferente, cámara en mano en la que Sandler va a recuperar el amor de su vida junto a su asistente Roger, fue necesario?, si y eso es lo que creo y afirmo, tenia que demostrar en contra de -ATENCIÓN SPOLIER!- que pese a la cura de su enfermedad todo iba a ser feliz, y que cuando te pasan estas cosas como la de padecer una enfermedad que te llevaran innefablemente a la muerte y luego el milagro de la cura se reflexiona en en que la vida te da una segunda oportunidad y valorar cada minuto y bla bla bla..., pues NO apatow es realista... la vida no es tan fácil, y no aprendemos con tanta rapidez, hay un tiempo y es ahí en donde existe un objetivo, en el ultimo tramo de la historia.
Es una película que no hay que dejar de ver, Sandler dice al final "...mi cuerpo ya esta bien, pero a mi cabeza le falta un largo camino..." y es con lo que me quedo, "...siempre me exigieron demasiado, los odio..." le dice al publico cantando una canción con vientos de rencor y venganza hacia quienes siempre esperan demasiado, como lo es el publico y las personas. Roger le dice a gritos "...no has aprendido nada, pensé que al curarte cambiarías y reflexionarias..." No es así, no aprendemos tan fácil.
Película Hiperrealista que logra captar la atención para bien o para mal, según quien...
La vida contiene tragedia y humor, factores tan necesarios como opuestos.

(...) Después de un tiempo uno aprende la sutil diferencia
entre sostener una mano y encadenar un alma (...) ("Aprendiendo", Borges).

Calificación:
Muy Buena.

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Brothers

Hermanos

Origen: EE.UU
Director: Jim Sheridan
Reparto: Jake Gyllenhaal, Natalie Portman, Tobey Maguire, entre otros.
Genero: Drama
Año: 2009


Sinopsis:
El capitán Sam Cahill (Tobey Maguire), un condecorado marine, es enviado a combatir en Afganistán. Tras meses de búsqueda, el gobierno le declara fallecido o desaparecido. Tras saber la noticia, su hermano pequeño Tommy (Jake Gyllenhaal) se queda en Estados Unidos, cuidando de su cuñada Grace (Natalie Portman) y sus sobrinos. Con el tiempo, el hermano se gana el cariño y el amor de ellos hasta tal punto de sustituir a su hermano como marido y como padre. Pero un día reciben una noticia inesperada, cuyas consecuencias sacudirán la unidad de la familia.

Critica:
Lo mejor de la película es sin duda el trio actoral integrado por: Jake Gyllenhaal, Natalie Portman, Tobey Maguire. Este ultimo inmerso profundamente en el personaje realizando un increíble papel.
Remake de la original danesa Brodre (2004) dirigida por Susanne Bier hasta que en el 2009 aparece Jim Sheridan para tomar revancha de la original, pero esta vez la adaptacion es algo diferente, como era de esperarse se pone mayor atención al asunto militar y la invasión a Afganistan de parte del Gobierno Estadounidense, tema que en la original se relegaba a las relaciones personales y familiares. Sin embargo la película encuentra contraste pese a la relegación en las situaciones cotidianas y creo que al irse de aquí es cuando pierde solides, es interesante porque habla de una persona que va a luchar por vaya a saber que, dejando a una familia unida y feliz encontrándose con una dura realidad de violencia.
Lo peor de la película es la relación de necesidad que se pretende establecer, desde la historia entre lo que sucede con el capitan Cahill (Tobey Maguire) y lo que ocurre con su esposa (Natalie Portman) y su hermano (Jake Gyllenhaal) cuando se evidencia que es una relación arbitraria en todo sentido.
Quizás el mejor acto es el disparador de desequilibrio mental que sufre el capitán Cahill, aunque a veces de cara de loco denota pavor. Un triángulo que entrega todo.

Calificación:
Regular

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The Book of Eli

El Libro de los Secretos

Origen: EE.UU
Director: Albert Hughes, Allen Hughes
Reparto: Denzel Washington, Gary Oldman, Mila Kunis,, entre otros.
Genero: Aventura
Año: 2010


Sinopsis:
En un futuro apocalíptico, 30 años después del "resplandor" que aniquiló la casi totalidad de la sociedad civilizada, unos pocos humanos sobreviven en un ambiente increíblemente hostil y árido. Violaciones, canibalismo y salvajismo imperan en unas derruidas ciudades donde el más fuerte y el que posee el agua impone su ley. Vagando por la carretera, un guerrero solitario (Denzel Washington) se dirige al oeste con una sola misión: proteger un misterioso libro que lleva en su mochila.

Critica:
Vi esta película hace un par de días atrás y me decidí escribir algo sobre ella. Siempre que veo a Denzel Washington me pone en un lugar de comodidad, si... me gusta este tipo, si... ya se que siempre hace el mismo papel y bla bla bla, pero hace que este western-spaghetti apocalíptico tenga al menos algún sentido, de lo poco que ya tiene de antemano.
La historia narra a un tipo (Denzel -aleas- Eli) que sobrevive en un mundo desbastado por la guerra, viaja a través de un EE.UU desértico con un libro, que protege. Bien, al ver la película y a través de los minutos no sabemos que tiene ese librito y porque Gary Olman (pedazo de actor y de malo uff! ni te cuento) al mando de una pequeña comunidad la cual cree que le falta una sola cosa para obtener poder, el libro de eli. Después de tanto y tanto nos enteramos que el libro se trata nada menos que de la biblia, la santa biblia.
Las actuaciones son buenas y los hermanos "Hughes" hacen películas entretenidas, de eso no hay duda. La pelicula esta bien filmada, no recurre a efectos demasiado digitales y los que hay están bien realizados, y si, hay un héroe (que tiene mas vidas que un gato y se la re banca), una chica bonita, un malo bien malo, vuelta de tuerca y demas cosas que se acostumbran en las películas apocalípticas.
Bien sin mucho mas para decir, si quieren entretenerce un poco y no buscan nada mas, es una buena opción para ver, es un film que atrapa y eso esta bien.

Calificación:
Regular

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Doubt

La Duda

Origen: EE.UU
Director: John Patrick Shanley
Reparto: Meryl Streep, Philip Seymour Hoffman, Amy Adams, entre otros.
Genero: Drama/Intriga
Año: 2008

Sinopsis:
Estamos en 1964, en la iglesia de San Nicolás, en el Bronx. El padre Flynn (Philip Seymour Hoffman), un brillante y carismático sacerdote, intenta desafíar las estrictas reglas que la hermana Aloysius Beauvier (Meryl Streep) lleva custodiando desde hace años con mano de hierro. Ella es la directora del colegio y cree ciegamente en el poder del miedo y la disciplina. Los cambios políticos están llegando a todos los estratos de la sociedad y la escuela acaba de aceptar a Donald Miller, su primer estudiante negro. Pero la hermana James (Amy Adams) hace saber a la hermana Aloysius que el padre Flynn está prestando una atención demasiado especial al muchacho.

Critica:
"Jhon patrick Shanley" escritor y director de "La Duda", película que posee una visión muy interesante sobre las organizaciones eclesiásticas y la moral cristiana, y que también se anima a plantear cosas osadas y muy arriesgadas frente a un tema tabú como es la religión y sobre todo la posición que toma, sin embargo lo hace con mucha inteligencia y esa es la virtud con la que cuenta esta película.
Narra la historia de un cura (Hoffman) progresista y simpático de fines de los sesentas que es acusado por una monja (Streep) conservadora y muy autoritaria, de cometer actos de pedofilia hacia un alumno de una escuela.
Las actuaciones de Hoffman, lo cual me queda claro que este tipo puede hacer cualquier papel de forma increíble y Streep, excelente actris sin duda, nos dejan perpetrados con diálogos con una carga emocional de primera linea. Sin embargo no van de la mano con la puesta visual y sonora que contiene esta película ante situaciones llenas de sospechas y personajes en conflicto, en concreto hay momentos que no trasmiten cierto clima de tensión.
Creo que "La duda" se preocupa mas por los temas que trataba que por el medio que utilizaba para abordarlos. --*Spoiler-- momentos como cuando las monjas steep y adams citan a hoffman a la dirección para indagar sobre la supuesta sospecha de pedoflia de parte del cura hacia un alumno se genera un clima de velocidad e interrupciones constantes que hay que reconoce que es un excelentísimo trabajo de tempo de filmacion, muy bien manejado. Y la escena final me pareció necesaria, después de verla no me imagine un mejor final.
Sin mas, la conclusión es positiva, al verla nos damos cuenta que tenemos algo interesante ante nosotros y a ver si los convence o les deja -la duda-.

Aloysius Beauvier dice: Hay James... tengo dudas, tengo tremendas dudas.

Calificacion:
Buena

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Our Beloved Month of August

Aquel Querido Mes de Agosto

Origen: Portugal/Francia
Director: Miguel Gomes
Reparto: Sónia Bandeira, Fábio Oliveira, Joaquim Carvalho, entre otros.
Genero: Drama/Falso documental
Año: 2008

Sinopsis:
En el corazón del Portugal montañoso, el mes de agosto reúne un gran gentío y alboroto. La gente vuelve a su país, tiran fuegos artificiales, luchan contra los incendios, hacen karaoke, se lanzan desde puentes, cazan jabalíes, beben cerveza, hacen hijos.

Critica:
Ente el cansancio, un día de semana cualquiera y ganas de ver algo, me arriesgue y puse en mi reproductor de dvd una película llamada "Aquel querido mes de agosto" de Miguel Gomez, película que había ojeado en la revista "El amante" hace ya un tiempo atrás. Sin mas comencé a verla y rápidamente note dos cosas, que es una película interesante pero a la vez poco común, sin embargo con esto plantea originalidad, innovación y rareza, de alguna manera tres elementos poco convencionales.
"Aquel querido..." comienza como un documental o al menos asi parece y se va desarrollando integrando fragmentos de música en vivo (en demasía), anécdotas de personas frente a cámara, paisajes y demás, lo cual todo esto va tomando una cierta lógica interna y narrativa, para terminar con esa ultima hora que se perfila definitivamente al cine de ficción, se cuenta una historia argumentada.
En toda la película hay una linea fundamental y que "Gomez" arriesga en todo sentido, la de preguntarnos ¿Es un documental? ¿Es una ficción?, tal vez sean las dos o no y eso es lo interesante, pero lo que queda claro es que no se define por si sola sino le da al espectador el señalador y que al fin es el que decide o tiene la ultima palabra. Ejemplos de como el director discutiendo con el productor sobre el guión o un casting no realizados puede despejarnos toda idea sobre el film y dar ambiguedad a la cosa. Se trangrede todo el tiempo y se cuestiona la noción del genero, y esto es definitivamente lo que busca el director, desvía el guión original, cuestiona y pone en duda la institucion del cine, cambia el concepto, pone a la música como un personaje mas.
En contra, es lo poco común que vemos, o sea lo no conocido siempre trae incomodidad y el bombardeo de música en vivo que aparece se torna insoportable y por ultimo me parece que tiene una alta duración teniendo en cuenta el objetivo de la película.
En fin, se puede hablar y discutir horas, sin embargo me parece divertido que el cine juegue de otras formas y arriesgue, aunque a veces gane o pierda pero "Aquel querido..." deja un camino interminable y ambiguo. A veces aquello que iba a ser de una manera termina siendo de otra, inefablemente.

Calificación:
Regular

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Mean Creek

Rio Maldito

Origen: EE.UU
Director: Jacob Aaron Estes
Reparto: Rory Culkin, Ryan Kelley, Scott Mechlowicz, entre otros.
Genero: Drama
Año: 2004


Sinopsis:
En una pequeña localidad de Oregón, cuando el tímido Sam (Roy Culkin) cuenta a su hermanos que ha sido acosado por otro niño, su hermano y los amigos de éste intentarán atraer a áquel al bosque para humillarle y buscar su venganza.

Critica:
"Mean Creek" o "Rió maldito" (titulo latinoamericano) es una gran película de bajo presupuesto donde deja en claro de como una simple historia puede tomar alto vuelo.
Al comenzar a verla note una gran referencia hacia "Deliverance" del genio y visionario Boorman, hay un paralelismo notorio y claves que equidistan de la referencial, y parecen salir de un mismo argumento. Sus historias hablan de "el después" de una situación trágica, y de como un viaje divertido y placentero en el caso de "Deliverace" o una situación bromista con aires vengativos en el caso de "Mean Creek" se puede convertir en una difícil situación, y a partir de ahí como resolver y seguir viviendo con ese peso y como pese a todo siempre hay que seguir. Las dos son películas duras, muy dramáticas que dejan entre ver el interior de las personas hasta donde son capaces sabiendo que están respaldadas por alguien y como se dejan llevar por lo primario de sus emociones.
La historia se centra en un grupo de amigos entre ellos dos hermanos la cual salen a navegar en el rió de la localidad de Oregon claro que este viaje tiene un objetivo que es hacerle una broma a uno de ellos George un obeso y abusivo chico que días antes golpeó a Sam, la cual quiere vengarse con la ayuda de su hermano mas grande y amigos. Todo parece mas o menos normal y sin riesgo alguno hasta que ocurre lo impensado que cambiara el resto de sus vidas.
Segunda pelicula de "Jacob Aaron Estes", hace que esta historia funcione gracias a diálogos fluidos y el gran electo de actuación que completan esta película que recae en un cine que ya poco solemos ver en estos tiempos. Sin demasiados ajustes de cámaras se hace lo que una vez hizo Boorman, imagenes realistas con actores realistas valga la redundancia.
En conclusion, Mean Creek es una pelicula que supo atraparme en todo su desarrollo, nunca se fue de su objetivo con un final bien resuelto y reflexivo. Con estos elementos bastara para entretenernos y deslumbrarnos. Al menos uno luego se siente mejor.

Calificación:
Buena

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Defendor

Defendor

Origen: Canada
Director: Peter Stebbings
Reparto: Woody Harrelson, Kat Dennings, Elias Koteas, entre otros.
Genero: Drama
Año: 2009


Sinopsis:
Un hombre llamado Arthur Poppington (Woody Harrelson) mezcla en su mente la realidad y la fantasía. Por momentos es una persona más de la sociedad, pero curiosamente desarrollará una faceta como superhéroe. Conocido bajo el nombre de Defendor, buscará a su archienemigo por las calles de la ciudad luchando contra la delincuencia.
Una prostituta (Kat Dennings) se cruzará en su camino y le ayudará en su tarea de reducir al Capitan Industria.

Critica:
"Defendor" es un grito a una sociedad cada vez mas peligrosa y deseosa de que un día venga un superheroe salvador y nos rescate de alguna situaciones difícil o particular. Peter Stebbings, escritor y director de esta película que hoy nos trae a comentar y que sin lugar a duda supo llevar a cabo con presicion y dejarnos al menos una sonrisa a pesar del desenlace derrotador.
La historia no es otra cosa que un tipo, Arthur (interpretado por el maravilloso Woody Harrelson) que le faltan algunos tornillos en la cabeza, viste un traje negro con una "D" en tu pecho hecha con cinta adhesiva y usa como defensa un garrote y poderes como tirar unas canicas a su contrincante o un frasco lleno de avispas enojadas, actúa como un superheroe por las calles llena de peligros, drogas, violencia, maltratos y delincuencia. Pero su objetivo es terminar con lo que el llama Capitan Industria, este sera la tuerca del argumento, tal vez sea la que le falta.
Si miramos la historia en si no tiene nada de interesante o ideado fielmente, pero hay algo en el personaje que te genera un lugar de comodidad y certeza. La cosa comienza con este superheroe encarcelado, contandole a una psicologa intrigada por este particular personaje los hechos que lo llevaron a ser este salvador sin poderes y de ahí parte una linda historia.
La chica que lo acompaña Kat Dennings, que interpreta a una prostituta drogadicta sin esperanza en la que Defendor salva de un abuso y que ella trata de devolver ayudandolo en algunas acciones, este es tambien otro eje importante en la historia ya que Defendor cambia la vida de esta pobre chica y le da un viento de esperanza. Las actuaciones son bien resueltas, Woody se a consagrado en estos últimos tiempos donde sus personajes en diferentes rangos y rubros son muy bien llevados, este personaje requiere de mucha fuerza tanto física como racional.
"Defendor" no es otra cosa que una simple película que sabe dar el golpe, sacarnos una sonrisa y toparnos con un final pocas veces imaginado en este tipo de película. De aquí en adelante les dejo a ustedes el mayor de los criterios para ver y decir.

Calificacion:
Buena

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Buffalo '66

Buffalo '66

Origen: EE.UU
Director: Vincent Gallo
Reparto: Vincent Gallo, Christina Ricci, Ben Gazzara, entre otros.
Genero: Drama
Año: 1999


Sinopsis:
Es invierno en Buffalo, Nueva York. Billy Brown acaba de salir de la cárcel después de cinco años tras una apuesta poco acertada que no pudo pagar. Sin embargo, ha engañado a sus padres diciéndoles que trabaja para el Gobierno en un importante proyecto y que está casado con una preciosa joven. Desesperado por impresionar a sus padres, y sin esposa o novia de ninguna clase, Billy rapta impulsivamente a Layla y la obliga a representar el papel ante sus extravagantes progenitores.

Critica:
Pequeña pero buena película del ejecutor y realizador de esta historia Vincent Gallo. Su nombre es bastante conocido mas por el lado de la actuación que por el lado de la dirección de cine sin embargo da un buen parecer frente a la critica del mundo y realiza sus películas independientes con total movilidad o así parece ser (En su haber lleva tres peliculas). Vincent esta vez realiza su film en un todo en uno, o sea escribe, dirige, protagoniza y le pone música.
La historia relata un Billy Brown (Vincent Gallo) que sale de la cárcel después de cumplir su condena por culpa de un apuesta que no pudo pagar. Sin embargo sale de la cárcel con un resentimiento desgarrador hasta que se cruza con una sensual y enamorada Layla (Christina Ricci) que es secuestrada por Bill para cumplir un papel ante sus padres un poco raros que no saben de su encarcelación y sus fracasos. Y buscara venganza en quien él cree culpar por su interrumpida vida.
Mas o menos de eso trata la cosa y dejemos en claro que en cuanto a las actuaciones son los dos unos genios tremendos, tal vez algo negativo es que en algunos momento Vincent sobreactua un poco la penosa vida que lleva el personaje pero le da estilo y un toque casi mágico con la fantástica Christine Ricci que sin duda tiene un talento pocas veces visto, sus expresiones son claras y de muy buena actuación.
La cámara que pone Vincent esta mas que bien, busca todo el tiempo encuadrar la escena, tal vez sea un buen trabajo de fotografía, y darle belleza a la película enfocado siempre sobre los dos protagonistas. Con pocos movimientos logra obtener un cine que muchos envidiarían.
Mas allá de la pequeña historia y un final criticado a mi personalmente me gusto porque deja al espectador una sonrisa al despegar de su sillón y eso vale de mucho en estos tiempos.

Nota: Fuerte critica a la vida americana.

Calificación:
Buena

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Shutter Island

La Isla Siniestra

Origen: EE.UU
Director: Martin Scorsese
Reparto: Leonardo DiCaprio, Mark Ruffalo, Ben Kingsley, entre otros.
Genero: Suspenso (psicologico)
Año: 2010


Sinopsis:
Verano de 1954. Los agentes judiciales Teddy Daniels (Leonardo DiCaprio) y Chuck Aule (Mark Ruffalo) son destinados a una remota isla del puerto de Boston para investigar la desaparición de una peligrosa asesina (Emily Mortimer) recluida en el hospital psiquiátrico Ashecliffe, un centro penitenciario para criminales perturbados dirigido por el siniestro doctor John Cawley (Ben Kingsley).

Critica:
Al fin decidí emprender el viaje hacia el cine a ver “La ista siniestra” (Shutter Island) dirigida por Martín Scorsese película que me debía ver y vaya que me produce un gran placer ver una película de este gran director, tal vez si se me permite uno de los grandes de el cine moderno actual. El genero elegido esta vez por su mentor fue un Thriller lo cual esto nos deja decir que en su larga filmografía a recorrido casi todo los géneros dejando en claro sus mejores o peores habilidades como realizador de estas historias, claro que me puse a revisar el genero dicho en mi austera videoteca, y encontré una gran obra Cabo del miedo (Cape fear) la cual con un rápido review me llevo a pensar y darme cuenta que usa siempre una suerte de constantes, la de plantear a sus personajes-protagonistas si se quiere en antihéroes totales dejando paso a el mal o bien por venir de estos como un Robert De Niro en Taxi driver aniquilando a capos mafiosos por prostituir a una niña de 12 años o un Nicholas Cage en Vidas al límite (Bringing Out the Dead) tratando de salvar vidas como paramédico en su mediocre vida y así varios ejemplos, reservándose claro el derecho de admisión de la vuelta de tuerca (llamado así en la jerga) o giro de argumento que es otra de las contantes fijas e inamovibles de sus películas haciéndolas mas que interesantes, claro.
Bien dicho esto ordenemos y vayamos a lo que nos trajo aquí, la cosa es más o menos así todo trascurre en una isla de Nueva Inglaterra por allá en 1954 que relata la investigación y persecución de un paciente que escapo de una penitenciaría psiquiátrica. La cual un tal Teddy Daniels (Di caprio), es el comisario que lleva adelante dicha investigación donde se quedarán sin posibilidad de recibir ayuda por culpa de las inclemencias meteorológicas. Un Di caprio bien plantado realizando probablemente la mejor actuación de su carrera, al menos es lo que piensa este humilde narrador. La isla traza una línea fija entre la realidad y el delirio nunca se sabe donde comienza uno y termina el otro censurando todo intento del espectador de sacar algún tipo de conclusión o ponerse en el papel de detective adelantándose a los hechos dados y por momentos casi asusta en escenas de alto suspense y horror psicológico, creo que nunca se sale de estas variables. Claro que a manera de baja no vi demasiada concordancia con la música utilizada, golpes constantes y fríos, acertando si en muchas situaciones de muy buena ambientación musical como en secuencias que llevan al pasado a un Teddy golpeado y resentido por la guerra de alto calibre cinematográfico, sabiendo que venimos de alguien que siempre le puso un sello personal a sus películas en cuanto a musicalizar escenas. Tal vez en su intento de acercarse al cine de horror B y policial negro supuso estos sonidos que no deja de ser validos.
A modo de conclusión si hay algo que queda claro es que Scorsese sabe contar historias y usar el cine como entretenimiento que al fin es lo que es, la isla siniestra es una película bien puesta y realizada que invita al espectador a sentarse y meterse de lleno en la historia contada quedando atrapado en ella hasta el final.
Vaya a saber en que próximo proyecto estará pensando y con que nos sorprenderá la próxima vez porque eso es lo que hace sorprendernos con sus películas. Martín Scorsese obligadamente ya sea por su pasado o futuros, amantes o no del cine tiene que ser o probablemente ya sea de nuestra mayor consideración.

Calificacion:
Muy Buena

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Black Cat, White Cat

Gato Negro, Gato Blanco

Origen: Yugoslavia
Direccion: Emir Kusturica
Reparto: Bajram Severdzan, Florijan Ajdini, Jasar Destani, entre otros.
Genero: Comedia
Año: 1998


Sinopsis:
Grga Pitic, un padrino gitano y magnate de vertederos de basura, y Zarije, el orgulloso propietario de unas obras de cemento, son amigos desde su infancia. Sin embargo, hace 25 años que no se han visto. Ahora que ya han sobrepasado los ochenta años de edad, estos dos delincuentes decadentes han sobrevivido juntos al crimen y al castigo y se tienen un respeto mutuo.

Critica:
La verdad es que había escuchado de esta película algunos comentarios que por cierto fueron muy buenos, pero a veces pasa el tiempo y uno ocupa la atención en otras películas de la tan larga lista que tengo para visionar. Finalmente me decidí a verla, después de lograr conseguirla en buena calidad y esto es bastante importante al menos para mi que soy bastante exigente con eso y ya que es complicado obtenerla en calidad respetable siendo este un film de hace un par de años atrás.
Principalmente narra la historia de un padre que busca mañas para conseguir dinero de manera facil y rapida. Su poca experiencia con las malas artes o simplemente su forma de ser confiado no le permiten tener éxito en estas aventuras. Mientras tanto su hijo se enamora perdidamente de una chica vecina sin sospechar que para vencer una deuda de su padre tendrá que casarse por conveniencia con la hermana de un ganster.
Es un film bien loco y excelentemente realizado, las actuaciones son sorprendentes con personajes añejos y risueños que despertaran en el espectador una sonrisa muy ilusoria. También destacar el fluido dialogo que conlleva la pelicula de principio a fin y una cámara por momentos movediza con tomas bien resueltas en exteriores confusos.
Sin mucho que agregar Kusturica hace que el mundo sea mejor al menos por un rato y nos llena de alegría y fantasía, en otro idioma (No Hollywood me explico). Es una verdadera opción si se busca este objetivo.
Si ven un gato negro y uno blanco ponganse contentos porque algo malo y bueno a la vez, va a suceder.

Nota: Excelente banda de sonido!

Clasificacion:
Excelente

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Funny Games

Juegos Sadicos

Origen: EE.UU
Director:Michael Haneke
Reparto: Naomi Watts, Tim Roth, Michael Pitt, Brady Corbet, entre otros.
Genero: Suspenso
Año: 2007

Sinopsis:
El director Haneke realiza un remake nortamericano exacto (copiando casi plano a plano) de su propia película, narrando la historia de una familia neoyorquina compuesta por una ama de casa (Naomi Watts), su marido (Tim Roth) y su hijo de 10 años (Devon Gearhart) que son asaltados por unos jóvenes en su casa de vacaciones cerca de un lago.

Critica:
“Juegos sádicos” (Fanny Games) es una película medida y bien pensada por el maravilloso Haneke, ya uno de mis directores preferidos sin duda. La cosa es que hay dos versiones de esta película, una realizada en 1997 y otra en el 2007. En este caso vi la última y en ella nos centraremos. Lo que hace el director con la versión 2007
es poner a punto la historia en relación a los tiempos que corren hoy día.
Realizada con actores de alta talla y dejando en ellos toda la habilidad, la historia se trata de una normal y feliz familia que vacacionan en una misma casa de verano todo los años. Y sin embargo esta vez encuentran que las cosas están un poco raras, empezando con unos jóvenes que se acercan a ellos en principio con buenas y amables intenciones pero que poco a poco se va a transformar en un juego sádico y macabro.
Me hizo acordar mucho a Naranja Mecánica de Kubrick y creo que debe tener mucho en particular sobre todo por la frialdad que se cuenta la historia, ese peso psicológico y macabro que marcan cada minuto de la película y sin errores relevantes, el peso con la que se sobrecarga al espectador en marcha de un proceso punzante, ansioso e impaciente.
La película se completa con la excelente cinematografía que tiene Haneke y colocando la cámara de forma perfecta en cada plano y ángulo, como por ejemplo un plano fijo en un momento de tensión que nos deja atónitos y da pausa a la historia ya desecha y luego retoma sin ningún problema.
Lo mejor de todo son las actuaciones de estos dos excelentes actores Tim Roth (Britanico) y Naomi Watts (Inglesa) que se envuelven en el papel al parecer con facilidad y a uno le da la sensación de que realmente les esta pasando eso, sino no funcionaria sin duda, y un buen trabajo de los jóvenes que marcan muy bien el ritmo tenso y lo tienen claro en cada instante.
Tal vez no sea recomendable para personas que no soportan la incomodidad, pero ojo que no es terror bajo sino algo bien realizado.
Sin duda cada instante de la película se disfruta y es un entretenimiento certero, solo uno tiene un pensamiento al terminar la película: “Por dios, que nunca me pase eso”.

Calificacion:
Muy Buena

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Hard Candy

Hard Candy

Origen: EE.UU
Director: David Slade
Reparto: Patrick Wilson, Ellen Page, Sandra Oh, Jennifer Holmes, Gilbert John.
Genero: Suspenso
Año: 2005

Sinopsis:
Jeff (Patrick Wilson), un fotógrafo de 32 años, queda con Hayley (Ellen Page), una chica adolescente de 14 años a la que ha conocido a través de Internet. Después de tomar un café, la lleva a su casa con el propósito de hacerle unas fotos.

Critica:
Director de la famosa y aclamada saga "The Twilight" a solo cinco años después de realizar “HardCandy”. Película diferente y llena de momentos tensos.
La trama gira en torno a dos personajes, unos de ellos es Hayley (Ellen Page) de aproximadamente 14 años y Jeff (Patrick Wilson), la cual este segundo intimida por Internet a esta niña e invita a encontrarse en un café de la localidad. Todo lleva a que los dos vayan a la casa de jeff. Inducidos por la desconfianza, la falta de compromisos y una historia de desaparición de una niña llamada Donna Mauer en el mismo café donde fue citada Hayley cambie toda la situación. Todo al fin va a derivar a un giro de argumento inesperado.
Hard candy es utilizado en la jerga inglesa de Internet para definir a una menor de edad.
Las actuaciones son precisas sobre todo la de Ellen Page que se esta convirtiendo en una gran actriz. Un papel impulsador y excelente que tal vez puedan recordar lo realizo en “Juno” interpretando a una adolescente embarazada con sus problemas. Y también destacar a este actor Patrick Wilson (tal vez lo recuerden en “Watchmen”) que lleva a que los momentos de más tensión tengan sentido y no se desfiguren como suele pasar en este tipo de películas psicológicas.
Las filmaciones son buenas, destacar la agilidad y destreza de filmar que tiene Slade es decir poco, algo en contra puede ser el estiramiento del guión en algunas escenas que se podrían haber evitado para caer mas lucidos a los momentos de mayor fuerza de la película.
Sin más nada que decir esta es una buena película con el solo objetivo de entretener con un clima de crudeza y tenacidad que solo podrá ver el que se atreva.

Calificacion:
Muy Buena

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Ghost Writer

El Escrito Oculto

Origen: Alemania
Director: Roman Polanski
Reparto: Ewan McGregor, Pierce Brosnan, Olivia Williams, entre otros.
Genero: Susupenso
Año: 2010

Sinopsis:
Cuando un escritor oculto profesional (negro literario, en la jerga), encarnado por Ewan McGregor, acepta de manera reticente reescribir las memorias del antiguo primer ministro inglés, Adam Lang (Pierce Brosnan), su agente asegura al escritor que se trata de la oportunidad de su vida. Para esto tiene que trasladarse a una mansión del Primer Ministro, que está situada en una zona costera de los Estados Unidos.
Pero el proyecto parece condenado desde un primer momento, empezando por el hecho de que su predecesor, que llevaba muchos años como ayudante de Lang, ha muerto en un desgraciado accidente.

Critica:
No queda ninguna duda de que Roman Polanski es uno de los directores europeos mas importante de las ultimas cinco decadas. Tal vez su cine fue interferido por la acusacion de abuso que se le adjudico e incluso este film fue interrumpido tras la escarcelacion de Polanski en medio de la Post-producción, pero por suerte, y mas alla de los problemas legales termino este maravillosa película. También podemos recordar y de paso aprovecho para recomendar a quien no haya visto sus dos gigantes películas que son "Barrio Chicno" (Chinatown) y "El Bebe de Rosmary" (Bebe's Rosemary) películas emblemáticas que marcaron un antes y un después.
Bien, la película es un intenso y atrapante thriller que narra la historia de un escritor oculto (Ewan McGregor) que es contratado luego de que su antecesor apareciera misteriosamente muerto, este contratado para escribir la autobiografía de un ex primer ministro (Pierce Brosnan) que a la vez es acusado por conspirar con el terrorismo.
Describe como el personaje de Ewan va descubriendo durante el proceso de escritura y de investigación oscuros secretos de el ex primer ministro que involucran abusos en la CIA y del M15, a partir de algunas pistas que su antecesor escritor había dejado.
La película es básicamente un thriller psicologico que atrapa desde principio a fin, con una banda sonora que remite al suspense hitchcockiano y un manejo muy habilidoso en el duro invierno en la costa Estadunidense.
La conclusión es totalmente positiva, no se pierdan esta película de un director que, mas allá de sus problemas legales, es un cineasta maravilloso y de esto no hay ninguna duda. "El escrito oculto" es un fiel, potente e inteligente film con un interesante entramado político. A verla.

Calificación:
Muy Buena

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Rompezabezas

Rompecabezas

Origen: Argentina
Director: Natalia Smirnoff
Reparto: María Onetto, Arturo Goetz, Gabriel Goity, entre otros.
Genero: Comedia / Drama
Año: 2009


Sinopsis:
María del Carmen, una ama de casa de 50 años de Turdera, suburbio del conurbano bonaerense, descubre que tiene un don: armar rompecabezas. En el camino de alumbramiento conoce a Roberto, un millonario de 60 años que aspira a participar en el torneo mundial de rompecabezas en Alemania.

Critica:
"Rompecabezas" es una película pequeña pero punzante y llena de humanismo. Opera Prima de la joven directora Natalia Smirnoff.
La historia se centra en Maria del Carmen (María Onetto), una mujer ama de casa de 50 años la cual nota que su vida no tiene sentido, con hijos ya crecidos y su marido Juan (Gabriel Goity) que al parecer celosamente no quiere que progrese. Hasta que encuentra un pasatiempo curioso al menos para ella, armar rompecabezas, lo que la lleva a querer competir junto a Roberto (Arturo Goetz) un hombre solitario que vive en una lujosa casa. Este se da cuenta rápidamente el don y la habilidad de Martia del Carmen para armar rompecabezas insitandola a competir en el torneo para ir luego a la final en Alemania.
Smirnoff hace una película cercana a sus personajes, rigurosa en su puesta de cámara, y se mete con asuntos familiares, frustraciones, amores, hijos, con una solvencia y una seguridad que le permiten sortear con elegancia todos los riesgos grotescos o miserabilistas que podían acechar el relato.
Es una película recomendada y un buen comienzo para la realizadora. Y tal vez el rompezabezas sea reflexivamente mas profundo que un simple pasatiempo, que es la de armarnos y desarmarnos, destruirnos y restaurarnos. Al propio corazón y hasta la propia vida.

Calificación:
Muy Buena

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Carancho

Carancho (Estreno de cine)

Origen: Argentina
Director: Pablo Trapero
Reparto: Ricardo Darín, Martina Gusman, Darío Valenzuela, entre otros.
Genero: Drama / Suspenso
Año: 2010


Sinopsis:
Sosa (Ricardo Darín) es un abogado que ha perdido su licencia y que vive gracias a su participación dentro de una asociación ilícita que regentea personas que provocan accidentes automovilísticos para así estafar a las aseguradoras. Luján (Martina Gusmán) es médica de un hospital ubicado en algún lugar del Gran Buenos Aires. Sosa y Luján cruzarán sus destinos, vivirán una lujuriosa historia de amor. Mientras, se involucran en un mafioso caso policial e intentan huir del destino.

Critica:
Pablo Trapero, director de esta y muchos buenos largos como la maravilloso “Mundo grúa”, “El Bonaerense” o “Leonera”, cabe destacar que con "Carancho" cierra el circulo para terminar de consagrarse como excelente realizador argentino, y con orgullo.
La historia crea un paralelismo entre una realidad social sobre la corrupción y los negociados que ligan a abogados, policías, médicos y compañías de seguro (justicia, seguridad, salud pública y empresa privada) y un amor imposible con una joven medica que desconoce esta oscura realidad.
Es un verdadero placer ver a Darin que con “Carancho” se termine de consagrar como uno de los mejores actores de cine de la argentina y que da indicios de poder interpretar cualquier papel, que en este caso requería de una interpretación más corporal, mas unísona, algo diferente a lo que venia haciendo. Supo meterse en el llamado Universo Trapero mostrándose crudo y en pleno movimiento con fluidez y credibilidad. También a Martina Gusmán interpretando a Lujan, la medica, y a la que ya habíamos visto en un excelente trabajo como madre en “Leonera” y que no queda ninguna duda de su habilidad como actriz.
Trapero muestra una interesante maestría narrativa, no en esta nada más, sino en todas sus realizaciones pero en “Carancho” se nota que puso todo lo que tenia, léase habilidad, recursos, dinero y demás. Con excelente trabajo de cámara, mucho movimiento y planos desarticulados, secuencias de gran profundidad y una fotografía como ya nos tiene acostumbrado Julián Apezteguía (Crónica de una fuga, La sangre brota). El espectador se mete de lleno en la dura historia y queda atrapado hasta el final. Solo voy a decir que la secuencia final es deslumbrante, nada que envidiar al cine norteamericano (sin preconceptos por favor).
“Carancho” es una película audaz, difícil, arriesgada, extrema y sin perjuicios. Creo que estamos delante de una obra de excelencia y que nos anuncia un buen futuro en el cine Argentino, y eso esta mas que bien.

Calificación:
Muy Buena

Trailer:

Edmond

Edmond

Origen: EE.UU
Director: Stuart Gordon
Reparto: William H. Macy, Julia Stiles, Denise Richards, entre otros.
Genero: Suspenso / Drama
Año: 2005


Sinopsis:
Un hombre corriente (William H. Macy), ejecutivo en una importante multinacional, cansado de su vida y de su trabajo, decide abandonarlo todo y embarcarse en una noche donde intentará dar rienda suelta a sus fantasías en el oscuro, sórdido y peligroso mundo nocturno de una gran ciudad.

Critica:
Puede ocurrir que al vivir nuestras vidas pasemos por el desacierto, la humillación y la soledad. Esto es lo que le pasa a Edmond, un tipo que un día se canso y punto. Al menos lo que nos quiere decir el realizador aqui.
Primera realización que veo de Stuart Gordor, director de esta película y que en tal caso eligió al tipo indicado para interpretar este papel, William H. Macy.
La historia narra un sencillo hombre (Edmond) que un día sale del trabajo y se da cuenta de que su vida no tiene ningún sentido, una mujer a la que no ama, y una vida totalmente vacía y solitaria. Edmond toma una decisión, dejar todo atrás y comenzar la búsqueda de algo, no sabe bien que, pero algo que lo satisfaga de su insatisfacción. Y la cuestión es que el tipo poco a poco se va convirtiendo en una especie de monstruo lleno de furia, yendo por las calles oscuras y violentas sin sentido en busca de sexo pago y gente que lo entienda.
William H. Marcy, excelente actor y que tal vez lo recuerden en papeles ejemplares como en “Fargo” de los hermanos Coen o en “Magnolia” de Paul T. Anderson, es el tipo indicado para estos papeles en los que sabe muy bien lo que tiene que hacer y como. Mostrando esa capacidad que tiene de interpretar el desconcierto, la vulgaridad y la adrenalina.
Escrita por David Mamet, la historia alcanza un nivel de narración asombroso, con climas que Marcy acompaña muy bien a la par de otras interpretaciones interesantes.
Es una buena película de un cine independiente que se las trae. No se pierdan de esta interesante obra que nos viene a mostrar un poco en el mundo en que vivimos, con reflexiones y preguntas que todo nos hacemos en algún momento sin tapujos y con mucha profundidad.

Entre las excelentes reflexiones, cabe destacar las siguientes:

"Aún no has encontrado tu sitio en la vida."

"Tenemos demasiadas presiones, un hombre tiene que escapar de sí mismo, porque la presión es exagerada."

"¿Qué se puede hacer para escapar?: mujeres, poder, dinero, aventura, autodestruirse, religión."

Calificación:
Buena

Trailer:

Piranha

Piranha

Origen: EE.UU
Director: Joe Dante
Reparto: Bradford Dillman, Heather Menzies, Kevin McCarthy, Keenan Wynn, entre otros.
Genero: Terror
Año: 1978

Sinopsis:
Pirañas asesinas son accidentalmente liberadas en un río frecuentado por turistas que están en plena temporada de verano.

Critica:
Joe Dante, director de películas muy recordadas como los “Gremlins 1 y 2” o en la séptima saga de los maestros del terror con “El regreso de los muertos”, “Aullidos” y demás títulos que representan al cine B de terror del bueno. Tal vez no pertenezca a los grandes directores pero es bueno prestarle atención a este visionario realizador que supo hacer de sus películas algo llamativo y que con el paso del tiempo se convierten en notables películas de culto.
Esta historia, pequeña, pero realmente terrorífica y divertida da comienzo con la extraña desaparición de dos adolescentes que se meten a escondidas a una especie de pileta que estaba repleta de pirañas asesinas producto de una experimento para matar soldados vietnamitas en la guerra, que al final no tuvo trascendencia (ta buena la idea!). Luego la detective Maggie (Heather Menzies) intenta saber ¿Qué paso? Con estos dos adolescentes. Ayudada por el lugareño Paul Grogan (Bradford Dillman) descubren un laboratorio secreto donde deciden vaciar el agua de esa pileta para ver si encuentran algo. Lo que dicha acción lleva a arrojar los peses asesinos en el “Río Perdido” donde se bañan los turistas. El enloquecido y solitario Dr. Robert (Kevin McCarthy) que encuentran dentro del laboratorio y creador de estas criaturas les asegura que los desaparecidos han sido devorados por pirañas y que hay que dar la alerta cuando antes a las autoridades.
Inspirada en la taquillera “Tiburón” de Spielberg, desprende una ironía punzante y numerosos desaciertos, pero créanme muy divertidos. Dante es un cinéfilo fetichista y crea un ambiente bizarro pero que entretiene mucho, y mantienen al espectador con intriga hasta el final.
Los efectos especiales son dignos para aquellos años en la que las cosas terroríficas sucedían pero no se mostraba nada, me encanta eso. Las interpretaciones son más bien mediocres pero que tampoco requieren de mucho teniendo en cuenta la historia.
En fin, pese a la dura calificación, la película intenta desarrollar situaciones que buscan alcanzar intensidad y tensión en el espectador, ahora la pregunta es ¿Lo consigue? Ahhh! no se, vean y saquen sus conclusiones.

Calificación:
Mala

Trailer:

La Sangre Brota

La Sangre Brota

Origen: Argentina
Director: Pablo Fendrik
Reparto: Arturo Goetz, Nahuel P. Biscayart, Guillermo Arengo, Stella Galazzi, entre otros.
Genero: Drama
Año: 2008

Sinopsis:
Arturo (Arturo Goetz), un parsimonioso taxista de sesenta años, tiene que conseguir dos mil dólares en menos de 24 horas. Su hijo mayor, Ramiro, que se fugó de casa hace cuatro años, acaba de llamar desde Houston pidiéndole ayuda urgente. Su esposa Irene guarda celosamente unos ahorros que no piensa cederle a Arturo para que ayude a Ramiro.

Critica:
“La Sangre Brota” segunda película de Pablo Fendrik, director y guionista, realizada tras su muy aclamada opera prima que fue “El Asaltante” (2007) presentada en el Bafici de ese mismo año.
La trama gira en torno a una familia de clase media venida a menos, que recibe la llamada de uno de sus hijos que vive en el exterior pidiendo dinero para regresar, la madre se niega rotundamente a sacrificar el dinero que tenia ahorrado para un torneo de cartas. Por otro lado el padre conseguirá, o tratara, de conseguir la suma cuanto antes, mientras que su otro hijo divaga por las calles en busca de sexo casual con planes de irse a la costa a vender drogas y así juntar plata para irse con su hermano.
Más allá de estos hilos centrales, la película muestra relaciones rotas e indiferentes como también personajes que viven al límite, y plantea temas como el desamparo, la miseria humana, carencia de afectos, el desempleo, el abandono, relaciones por conveniencia y así podríamos seguir ya que estos son alguna de las cuestiones que trata.
La cámara de Fendrik acompaña a los personajes de cerca, tiene una técnica parecida al cine de los hermanos Dardenne, movediza por momentos como asfixiando a los personajes y un gran manejo del exterior dándonos mucho realismo con escenas en plena ciudad muy bien resueltas.
Las interpretaciones están a cargo de Arturo Goetzt, en el papel del padre, actor que ya había trabajado en “El Asaltante”, y Nahuel Pérez Biscayart en el papel de Leandro, personaje muy interesante y casi hecho para él, este hace un trabajo extraordinario de un chico oscuro que lleva una vida totalmente aislada y sin comunicación. Y también destacar a una niña de 14 años, que en su trabajo emana inocencia en una interpretación sumamente tensa y dura.
La película en general crea una atmósfera pesada y angustiosa, en el buen sentido de la palabra, sus personajes son ambiguos, pacientes y que por momentos estallan en pedazos junto al espectador que camina casi por un abismo a lo largo de la trama.
Fendrik promete mucho como realizador, tiene habilidad para hacer historias complejas y se mueve con gran fluidez. No queda más que esperar su próximo proyecto.

Calificación:
Buena

Trailer: