Camino

Camino

Origen: España

Director: Javier Fesser

Reparto: Nerea Camacho, Carmen Elías, Mariano Venancio, Manuela Vellés, entre otros.

Genero: Drama

Año: 2008

Sinopsis:

Pamplona, junio de 2001. Camino (Nerea Camacho), una preciosa y dulce niña de once años, vive sus últimos momentos en la habitación de un hospital. Rodeada de familiares, amigos, sacerdotes y un número inusitado de personal clínico, da a todos un ejemplo de muerte serena y feliz. En una atmósfera de santidad y cuando parece que la muerte es ya inevitable, ocurre algo extraordinario en la habitación. Inspirada en hechos reales.

Critica:

"Camino" es un alegato de la manipulación religiosa, sobre todo en la niñez y adolescencia. Al menos es lo que quiere mostrar a grandes rasgos Fesser, director español con excelentes obras como las recordadas comedias "El Milagro de Petinto" (visión obligatoria por favor) y "La Gran Aventura de Mortadelo y Filemón" películas muy diferentes de la que nos trae aquí hoy esta critica, pero con las mismas variables. Fesser es dueño de una fantasía que plasma con gran habilidad en sus realizaciones, y esto me trae a la memoria una película muy parecida o que sigue la misma linea como lo es "El Gran Pez" de Tim Burton, aun cuando estas historias dan fe de una realidad muy difícil como lo es "Camino" él se las arregla para poner un manto de piedad gracias a secuencias de pura magia y fantasía, y vaya que funciona, dan respiro al espectador ante semejantes adversidades.
Inspirada en hechos reales, narra la aventura emocional de una niña de once años llamada Camino que se enfrenta a dos acontecimientos nuevos para ella: enamorarse y morir, cargando con ella una enfermedad que nos asecha a todos como lo es el cáncer. Critica con fuerza los manejos del Opus Dei en base a conciencias y sus fieles. En la trama existe una fuerte historia familiar cargadas de relaciones rotas y sucesos trágicos del pasado. La niña (Camino) es, sobre todo, una luz brillante capaz de atravesar todas y cada una de las tenebrosas puertas que se van cerrando ante ella, y que pretenden asumir el deseo de vivir, amar y sentirse definitivamente feliz.
En contra, quizás su larga duración (dos horas y pico), y algún toque de humor fuera de lugar, tal vez a modo de suavizar la gravedad del tema, pero que no da resultado.
Es una película demoledora, pero que siempre es bueno ver, te deja sin respiración y nos toca anímicamente. Abre una muy fuerte discusión en contra o a favor de la religión que a veces crea obsesiones y cegueras en las personas que son capaces de llevar su fé a lugares extremos e inhóspitos.
Creo que más allá de todo es una película a favor de la vida y nos propone reflexionar sobre nosotros mismo, nuestras creencias, nuestros errores y afinidades. Tal vez el mensaje sea más simple y nos haga recordar algo que muchas veces olvidamos, vivir.

"He cometido el peor pecado que un hombre puede cometer. No he sido Feliz." (Jorge Luis Borges).

Calificación:

Buena

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Tetro

Tetro

Origen: EE.UU
Director: Francis Ford Coppola
Reparto: Vincent Gallo, Alden Ehrenreich, Maribel Verdú, Carmen Maura, entre otros.
Genero: Drama
Año: 2009

Sinopsis
Bennie Tetrocini, de 17 años, llega a Buenos Aires para buscar a su hermano desaparecido hace diez años. El joven Bennie y su familia, emigrantes Italianos en Argentina, se habían mudado a Nueva York debido a la exitosa carrera del padre, Carlo, un renombrado director de orquesta sinfónica. Cuando Bennie por fin encuentra a su hermano mayor, el brillante poeta Tetro, se da cuenta de que es todo lo contrario a lo que él esperaba.

Critica:
A muchos les parece molestar que Francis Ford Coppola haya vuelto a sus raíces como director haciendo películas íntimas, personales y autobiográficas, y rozando al cine independiente dejando de lado a Hollywood pidiendo a gritos una secuela del clásico “El Padrino”, algo muy redituable, económicamente claro. Tetro, viene a darnos un viento de libertad ante la enorme industria del cine.
Ahora Bien, filmada en Buenos Aires la película cuenta la historia de Bennie (Alden Ehrenreich), un joven que baja de un crucero, donde trabaja, para encontrarse con su hermano Tetro (Vincent Gallo). En principio el huraño Tetro lo ignora dejando lugar a su novia Miranda (Maribel Verdú) a cargo de darle espacio y cariño al pobre Bennie. Sin embargo, hay algo que los une: su resentimiento por su padre Carlo, un famoso compositor y director de orquesta. Esto llevara a que la historia gire en torno a su argumento y se descubran secretos inimaginables.
Si hay algo que queda claro de Coppola y lo vemos en toda su amplia filmografía es que tiene un interés muy grande o tal vez una innata obsesión en contar historias de familias, sus relaciones y conflictos, sus ansias y esperanzas. Tetro no es la excepción, ya que trata temas muy profundos como el resentimiento, la soledad, el amor, y tal vez la redención de sus golpeados personajes que se revelan a lo largo de la trama.
Filmada en blanco y negro, con fugaces fotogramas en color, plasmada en una bella pantalla ancha y una excelente fotografía que muestra a Buenos Aires (La Boca) en su aporteñada vida.
Las conclusiones son muy variables, sus desventajas son la falta de argumentos dramáticos para resolver situaciones dispares y escenas finales que se acercan a la ridiculez. Sin embargo, hay logros muy definitorios por parte de quien viene, escenas magistrales que disparan directamente al alma del espectador y buenas actuaciones o al menos creíbles en su gran mayoría. No creo que sea la mejor película del realizador, pero tampoco la peor.
“Tetro” revela a un Coppola en su derecho de experimentar, e incluso su derecho de fallar. Y eso es digno de aplaudir.

“No sueltes la soga que me ata a tu alma”.

Calificación:
Regular

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The Man Who Wasn't There

El Hombre que nunca Estuvo

Origen: EE.UU
Director: Joel Coen
Reparto: Billy Bob Thornton, Frances McDormand, James Gandolfini, Scarlett Johansson, entre otos.
Genero: Drama / Comedia
Año: 2001

Sinopsis:
Verano de 1949. Ed Crane (Billy Bob Thornton), es un introvertido barbero de un pueblecito al norte de California. Infeliz con la vida rutinaria que lleva, las sospechas de infidelidad por parte de su mujer, Doris (Frances McDormand), le dan la oportunidad de iniciar un chantaje que podría ayudarle a cambiar su apática existencia.

Critica:
Algo que llama la atención en las películas de los Coen, en su gran mayoría, es como todas las historias giran en torno a sus delicados y profundos personajes que por su parte ellos mismos componen detalladamente. Como el recordado John Turturro de la maravillosa “Barton Fink” o a Jeff Bridges en “El Gran Lebowski” entre otros ejemplos, y dejan a merced de estos todo el egocentrismo y arbitrariedad que pueda desarrollarse en la trama. Dirigida por Joel Coen y escrita por Joel y Ethan Coen, no dejan nada al azar, narrativamente es sorprendente y sus fotogramas son de una belleza inconmensurada en un blanco y negro que hace referencia al cine negro, y una iluminación perfecta, con gran estilo.
La historia narra los sucesos de un barbero contado por él mismo en voz off, que por cierto, acertado recurso, hace que uno se deslice cómodo a lo largo de la película y no pierda el hilo de la trama en ningún momento, este barbero Ed Crane interpretado por el fantástico Billy Bob Thornton, ya hablaremos de él, hace alarde de su insignificante vida imperturbable y tiene la oportunidad de realizar un chantaje, sumado a la duda de que su mujer (Frances Mcdormand) le es infiel, tras estos sucesos su vida podría cambiar rotundamente. De esto para adelante, suceso tras otro va mutando la historia y sin tapujos como nos tienen acostumbrados los fabulosos hermanos directores.
Las interpretaciónes son excelentes es su totalidad, pero destacar a Billy Bob Thorntonen en este caso es preciso, personalmente nunca me fije demasiado en este actor y debo decir que me he perdido de alguien fabuloso, en su papel de hombre tranquilo, desganado y a la espera de algo que cambie su hostil existencia y que fuma un cigarro tras otro, tal vez buscando en el humo algo sanador o que lo saque de su mediocre vida poniendo un sello casi personal en la interpretación y haciendo que uno como espectador sienta lastima, compasión, duda y mucha intriga. También destacar a Frances Mcdormand que interpreta una fría y alcohólica esposa de Ed. Una correcta y muy joven Scarlett Johansson haciendo de una niña que toca extraordinariamente el piano. Y no dejemos afuera al aprovechado y siempre fiel al estilo Tony Shalhoub realizando un excelente papel como abogado.
Sin apuros y con pausados manejos de los tiempos fílmicos, logrando fluidez escena tras escena, preocupados por embellecer cada encuadre y con excelente fotografía e iluminación, una historia por demás atrapante cierran el círculo de la película perfecta.
La conclusión es verdaderamente positiva, y no queda más que decir que “El hombre que estuvo allí” viene a demostrar una vez más, que más allá del género, estilos, conceptos y lenguajes, el cine es solo una cuestión de talentos, y esto definitivamente es lo que le sobra a los Coen.

"Tal vez allá donde vaya, pueda expresar todo aquello que no sé expresar con las palabras aquí". (Ed Crane).

Calificación:
Excelente

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A Single Man

Un Hombre Solo (Estreno en cine)

Origen: EE.UU
Director: Tom Ford
Reparto: Colin Firth, Julianne Moore, Matthew Goode, Ginnifer Goodwin, entre otros.
Genero: Drama
Año: 2009


Sinopsis:
Los Ángeles en 1962, a punto de la crisis de los misiles cubanos. George Falconer (Colin Firth) es un profesor universitario británico homosexual de 52 años que lucha por encontrarle sentido a su vida tras la muerte de su compañero sentimental, Jim (Matthew Goode). George rememora el pasado y no consigue ver su futuro, especialmente en un día en el que una serie de sucesos y encuentros lo llevan en última instancia a decidir si la vida tiene sentido después de Jim. George recibe consuelo de su amiga más íntima, Charley (Julianne Moore), una belleza de 48 años que también lucha con sus propias dudas acerca del futuro. Un joven estudiante, Kenny (Nicholas Hoult), que está intentando aceptar su auténtica naturaleza, acecha a George porque ve en él a un espíritu afín.

Critica:
Tom Ford es uno de los mejores diseñadores de moda de los último tiempos, uno de los más influyentes hasta entonces. “Un hombre solo” es su primera película y hay que destacar que la dirigió, produjo y adapto el guión de la novela clásica de 1964 de Christopher Isherwood, que no es poca cosa.
La historia se centra en un hombre George Falconer (Colin Firth) profesor de literatura gay desdeñado ya de su vida, nostálgico en vistas a la depresión absoluta por la muerte de su pareja Jim en un accidente. Por lo que planea el fin de su vida de la peor manera posible, suicidándose. Pero se da cuenta de que no todo esta perdido y se permite algunas cosas que le hacen reflexionar sobre su vida. Y también una excelente Charley (Julianne Moore) de la cual George recibe consuelo tras la muerte de su pareja y con quien mantiene una amistad.
Bien, la película tiene un excelente estilo de abordaje, bien filmada, con planos por momentos fijos y primerísimos planos en gran parte de la película hacia los personajes, lo que le da un personalismo importante a las actuaciones y a la trama. Ford tiene un gran manejo de sus actores. Destaquemos a un excelente Colin Firth que prácticamente se lleva la película, y que no incomoda para nada en su holgada existencia que lleva a lo largo de la historia.
Logra sumergir al espectador en el dramatismo y crea atmósferas de pensamientos profundos ante un hombre abatido, pero que esta en busca de un cierto renacer interior y así resurgir.
La conclusión es que su director apuesta a un cine visualmente bello y manifiesta el miedo y opresión por sobre toda las cosas, es sensible y no cae en golpes bajos, emociona en gran medida y esto vale. Veremos con que sigue ya que promete un futuro muy bueno como realizador. Esperaremos con entusiasmo.

Calificacion:
Muy Buena

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The King of the Comedy

El Rey de la Comedia

Origen: EE.UU
Director: Martin Scorsese
Reparto: Jerry Lewis, Robert De Niro, Sandra Bernhard, Diahnne Abbott, entre otros
Genero: Comedia
Año: 1982


Sinopsis:
Amarga comedia que narra la historia de Rupert Pupkin, un cómico obsesionado con convertirse en el mejor. Un día Rupert conoce a su ídolo, Jerry Langford, y le suplica la oportunidad de aparecer en su show, pero éste se la niega. Sin embargo no cejará en su empeño, acechando a Jerry hasta que consiga lo que quiere.

Critica:
El rey de la comedia es una película que particularmente me gusto mucho, claro que para hacer esta crítica tengo que luchar con la pasión que le tengo a las películas de Scorsese por sobre todo. Bien, antes de meternos de lleno a la critica voy a hacer un paréntesis, las películas de Scorsese y fundamentalmente El Rey…, son de una compañía muy fiel por lo menos para mi, me hacen sentir como que estoy en un terreno conocido o mejor dicho en una situación muy cómoda, hacen que uno se sienta bien y nos olvidemos un poco de la realidad a veces tediosa y disfrutemos de un buen momento. ¿Será por el cine personal que hace Martin? Tal vez.
Ahora bien comencemos, la película se trata de un comediante obsesionado Rupert Pupkim (Robert De Niro) que sueña con convertirse en un ídolo, y tiene la oportunidad de pedirle ayuda a Jerry Langford, nada menos, para realizar su sueño y claro este se la niega o algo así. Por otro lado esta Masha (Sandra Bernhard) una fanática también obsesionada. Partiendo de esto comienza la aventura cómica y por momentos dramática.
Quiero hablar de las interpretaciones que realizan los actores entre otras cosas porque realmente se justifica. Robert De Niro uno de los mejores actores del mundo a trabajado con Scorsese en muchas ocasiones como en las conocidas Taxi Driver, Raging Bull, etc. y claro películas con personajes tan dramáticos y violentos muy diferentes a esta, sin embargo fue el mismo De Niro el que le acerco el guión a Scorsese y le dijo de hacerlo, tal vez queriendo salirse un poco de interpretaciones muy cargadas emocionalmente. En esta hace un papel fantástico, encantador y a la vez directo e impulsivo como también Bernhard (Masha), los dos buscan algo que los complete de alguna manera. Rupert no quiere ser como Jerry, el quiere destruirlo y sustituirlo, ser mejor. Y por otro lado Masha busca algo que la saque de su propia inseguridad e inaptitud, y Jerry esto que pasa en la película le paso de verdad (dicho por Scorsese), recordemos que Jerry fue uno de los mas grandes cómicos, actor, director de años atrás, por lo tanto no le costo realizar el papel tan real como se ve. Scorsese dice: “A los actores siempre les atribuyen mas cosas de las que reflejan en pantalla, porque representan un sueño. Te pierdes en esas personas.” Y realmente lo logran.
Toda la película tiene un nivel de hostilidad insospechado según expresa, cada escena tiene su gracia a partir de la dura realidad, y entretienen al espectador. Claro cuenta con la calidad con la que es filmada plano por plano con escenas de alto grado cinematográfico, como aperturas de planos precisos o ángulos bien resueltos y un guión bien abordado. La película en aquellos años fue un fracaso rotundo, tal vez por el fin anunciado del cine de autor que se veía en su final total o por la manera de hacer películas tan personales que tiene dicho director. Tal vez haya sido el último suspiro de una comedia de verdad, que al final juzgaran ustedes mismos.

"...prefiero ser rey por un día que un tonto toda una vida...." (Rupert Pupkim)

Calificacion:
Muy Buena

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Das Weisse Band

La Cinta Blanca

Origen: Alemania
Director: Michael Haneke
Reparto: Susanne Lothar,  Ulrich Tukur,  Burghart Klaussner,  Josef Bierbichler, entre otros.  
Genero: Drama
Año: 2009


Sinopsis:
1913-1914. Extraños acontecimientos, que poco a poco toman carácter de castigo ritual, ocurren en un pequeño pueblo protestante del norte de Alemania. ¿Quién está detrás de todo esto? Los niños y adolescentes del coro del colegio y de la iglesia y sus familias conforman una historia que reflexiona sobre los orígenes del nazismo en vísperas de la I Guerra Mundial.

Critica:
La cinta blanca es y sera una de las mejores películas del año no por ser un producto de entretenimiento aunque lo sea al fin, sino por ser un producto de reflexion inquietante y perturbador. Tal vez la recuerden como competidora de "El secreto de sus ojos" en los premios Oscares. Haneke ha realizado una extraordinaria obra maestra que lo plasma en una pantalla, sin mas que decir justifiquemos lo dicho.
La película esta ambientada en un pequeño pueblo de Alemania, ubicada temporalmente en la inminencia de la Primera Guerra Mundial, que narra de parte de un ya viejo maestro en vos over lo sucedido en aquellos años. La historia comienza al darse varios sucesos extraños, una serie de atentados y golpizas de niños ponen en evidencia la violencia latente que pareciera obedecer a ordenes mucho mas primitivos, esta dada en un ámbito de frágiles vinculos familiares, doctrinas religiosas y necesidades que castigan a un pueblo. Todo gira ante una sensacion de odio, relaciones complejas, de juegos macabros entre dominados y dominadores, de traiciones encubiertas y culpas inmanejables cargadas de secretos y estallidos brutales.
El trabajo de imagen de Christian Berger (director de fotografía) es realmente impecable, filmado en digital y luego pasado a un blanco y negro no melancólico sino vivo ya que eso era lo que buscaba Haneke, y una cámara con planos realmente de una belleza pocas veces vista, la forma en que encuadra los personajes en plano logrando interpretaciones de una enorme carga emocional, escenas como la de un niño muy chico preguntando sobre la muerte a su hermana o el medico del pueblo ejerciendo una violencia (psicológica) ante la mujer con quien mantienen una relación es una de las cosas mas fuerte que he visto en mi vida realmente. Tanto desde el relato como de lo ocurrido en pantalla, la dificultad de acceder a un conocimiento de lo que ocurre hace que el espectador deba avanzar y concluir a pura sospecha y imaginacion de lo peor, con esto quiero decir que se muestra sin mostrar, uno como espectador predice pero no lo ve, sabe que eso que pasa esta ahí, pero no lo ve, la película no denuncia, pertenece al orden de las preguntas irresueltas y al de una señal de alarma, solo muestra fragmentos que inquietan y perturban.
"Me parece que el arte debe hacer preguntas y no avanzar respuestas que siempre me parecen sospechosas", dicho en una entrevista por el propio Haneke y eso es lo que otorga, una serie de preguntas: sociales, políticas, de vinculos, de mensaje, de moral, de la existencia, del poder, del engaño, de violencia, de inocencia, de impotencia, de aberraciones, de injustificaciones, de religiones, de creencias. La cinta blanca inyecta un efecto reflexivo en el que la ve y genera un espejo donde es necesario mirarnos aunque como lo ya dicho inquiete y perturbe, a veces demasiado.

Calificación:
Excelente

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In weiter Ferne, so nah!

Tan lejos, Tan cerca

Origen: Alemania

Director: Win Wenders

Reparto: Otto Sander, Bruno Ganz, Nastassja Kinski, Martin Olbert, Aline Krajewski

Genero: Drama

Año: 1993

Sinopsis:

Dos ángeles de la guarda vuelan sobre Berlín. Son invisibles y llenos de benevolencia, pero no pueden intervenir en la vida de las personas. Entonces Cassiel, el ángel de las lágrimas, se convierte en humano para saber cómo sienten y perciben el mundo las personas.

Critica:

Tenia muchas ganas de ver esta película desde hace ya un tiempo, he visto partes cuando era chico y la verdad que siempre me causo una intriga importante, claro desde ya ni siquiera sabia de que se trataba y mucho menos el director y demás. Leyendo un libro, que por su parte lo recomiendo enormemente (Lecciones de cine, Laurent Tirard) que es básicamente entrevistas a directores de todos los tiempos, y aquí por supuesto estaba Win Wenders el director de esta película, una persona interesante que sabe contar historias, y este es el caso, por eso me llevo mas aun a visionarla.
La historia no es demasiado compleja como parece en la película, son dos ángeles Cassiel y Raphaella (Otto Sander y Natassja Kinski) que observan a un Berlin renovado que ya ha dejado atrás el muro y la guerra fría. Estos ángeles, invisibles ante las persona, su tesoro mas preciado, observan intrigantes, reflexivos y hasta inocentes, el caos, los problemas y cuestiones de los seres humanos que cuesta entender.
Cassiel (el ángel de las lágrimas) desea con pertenecer en este mundo como humano y no como ángel para poder observar, oír, y sentir como nosotros. Claro que se le cumple este pedido y así comienza a experimentar todo esto desde otra perspectiva.
"Cada uno crea su propio mundo dentro de su ver y oír... y es prisionero dentro de él, y desde la propia celda ve la de los demás", esta cita es una de las tantas que cassiel reflexiona en una voz en una off presente en toda la película refiriéndose a su compañera Raphaella, las personas creen en lo que ven, nada mas, ese me parece que es el mensaje, el ser como somos partiendo de estos dos sentidos fundamentales y encerrarnos en eso creando nuestro propio mundo y ser así prisioneros de nosotros mismos.
La película despliega una alta calidad cinematográfica, que va desde la fotografía hasta la narración, con un ir y venir entre colores y el blanco y negro, personajes como el músico Lou Red y el actor Peter Falk (columbo, la serie), crean a un elenco y atmósfera muy interesantes por cierto. Imagenes cargada de lírica poética, apoyadas siempre en el intrigante ser humano y sus cuestiones.
La conclusión es que "Tan lejos, tan cerca" deja muchos mensajes y pensamientos que vale la pena ser al menos recordados, ante un atroz mundo y así reflexionar sobre el ser humano o mejor dicho sobre nosotros mismos.

“Si tu ojo está sano, tu cuerpo entero será luminoso. Pero si tu ojo está enfermo, tu cuerpo entero será tenebroso”. (Cassiel)

Clarificación:

Muy buena

Trailer:

Du levande

La comedia de la vida

Origen: Suecia
Director: Roy Abdersson
Reparto: Jessika Lundberg, Elisabeth Helander, Björn Englund, Leif Larsson
Genero: Comedia/DramaAño: 2007
Año: 2007


Sinopsis:
"La comedia de la vida" habla del ser humano, de sus grandezas y sus miserias, de su seguridad en sí mismo y de su ansiedad. Un ser humano del que queremos burlarnos, pero que también nos hace reír. Es, sencillamente, una comedia trágica o una tragedia cómica sobre nosotros mismos.

Critica:
La película es un conjunto de sketch en la que muestra en surrealismo puro ciertas circunstancias de la vida de las personas, sus alegrías, sus tristezas, sus preocupaciones, su deseos de amar, de ser amados, sus pensamientos, puestas en la cotidianidad de la vida. Leí por ahí que se la cataloga por “cine experimental” y gran parte lo es, ya que no es común ver este tipo de cine. Se juega con planos fijos en toda la película, con ángulos sencillos, la cámara casi ni se mueve y las secuencias son casi siempre cortas, basadas en una técnica la cual se acercan las cuestiones existenciales partiendo de la situación más insignificante de la vida de las personas observadas aquí.
Los actores, no son actores y eso hace que se vea mas realista y la verdad es que deja esa sensación, el argumento no tiene una estructura fija, mas bien yo diría que es un argumento sin estructura, o sea no hay una camino a seguir, pero no esta mal de todos modos.
Si hay que dar una ventaja y una desventaja yo diría que la ventaja es que es una buena idea (lo difícil es llevarla a cabo) y muestran las personas como son o mas bien como somos en situaciones realmente divertidas como también tristes. Y como desventaja en ciertos momentos se torna media pesada y abrumadora sacudiéndonos con sketch sin parar uno tras otro y hasta algunos sin demasiado sentido.
Es una mirada reflexiva del mundo actual que puede gustarnos o no gustarnos, la elección es de cada uno.

Calificacion:
Regular 

Trailer: