La vida Util

 

Wheel of Time (2003)

Estos días estuve viendo una y otra vez un documental de Herzog que se llama “La rueda del tiempo”. Trata sobre un importante rito de iniciación en el budismo tibetano, llamada Kalachakra, que consiste en un conjunto de oraciones, enseñanzas y rituales que giran en torno a la creación de un mándala de arena de colores, que se destruye al final del rito. Pensaba en esta paradoja que plantea el director, esta de encontrar una respuesta a las cosas, o mejor dicho a la vida y a nuestros días. Que no se entienden del todo.

También me gusta pensar que todos podemos tener, a lo largo de nuestra vida, pequeños momentos de iluminación privada. No es necesario estar sentado debajo del árbol Bodhi para tenerla ni adquirir una instrucción espiritual adecuada. Esta iluminación viene de afuera hacia adentro. A veces cuando las cosas se ponen un poco cuesta arriba uno parece no encontrar las respuestas que quiere o necesita, y capaz tampoco hay que buscarlas. Sera que hay que perder un poco el rumbo y no preguntar tanto.

Una vez leí algo lindo de Philip Larkin <<Mi vida es tan simple como puedo. Trabajar todo el día. Cocinar, comer, lavar los platos, interactuar con mi teléfono, beber, películas por las noches. Casi nunca salgo. Supongo que casi todo el mundo procura ignorar el paso del tiempo: algunos hacen muchas cosas, están un año en Europa, y en Japón el año siguiente, y después esta lo que hago yo: hacer lo mismo exactamente todos los días y todos los años. Probablemente ninguna de las dos maneras sirva>>

Esto habla un poco de los deseos y la desesperanza de una gran parte de nuestra población que se pasa la vida repitiendo rituales cotidianos una y otra vez, sumado a esta distopía que nos trajo el Covid. Que nos tiene a todos medio sin entender nada como en una película de ciencia ficción. Todos mirando una pantalla, y siendo testigos de como la gente cree ser feliz. Y la felicidad es un deseo. Las redes sociales crearon el concepto de ser feliz a toda hora, como si fuera una obligación. Las cosas tienen otro sentido. Yo, como dijo Larkin y Herzog quiero lo simple y encontrar la iluminación privada.

El documental de Herzog termina con una celebración en una cede buda en Europa, con el Dalai Lama rompiendo el mándala de arena. Miles de fieles observando y meditando. Al terminar la cámara nunca se apaga y somos testigo del vacío, una alegoría de la espiritualidad que hoy esta en jaque mate como se dice en el ajedrez cuando la estas por quedar. La realidad adquirió otras formas y capaz hay que aceptar todo esto. Pienso que hay que ejercitar o hacer el trabajo de romper un poco lo cotidiano, como él mándala de arena.  Eso también habla de la iluminación y la aceptación, que creo es el único camino posible de transitar.

Tomemos ese camino. Yo voy.

Sobre El Aura

Una pelicula de Fabian Bielinsky

Que mas puedo hacer yo desde aquí, que apenas vislumbrar un poco de luz, esa luz dada que como un "aura" bordea nuestras almas y nuestro espíritu humano. Eso nos dejo.

Salvaje, oscuro, melancólico, residual, se enumeran y describen colosales estados como nuestros propios reflejos (y deseos). Al fin algo de lucidez. Los ojos del perro...los ojos del perro!!!!!

Hay una búsqueda, en todo, cada acto (cada frialdad) no es justificado, tampoco es moral. Despreocupados vamos dejando los lugares comunes y nos vamos apagando, es el mismo camino el que se recorre. No hay despertares, solo una somnolienta realidad que parece penetrarnos sin mas. Una vez inmersos quedamos coptados por una narración, y una puesta en escena tan embriagante como atrapante. Y con total sencilles vemos la maestría, ahi mismo.
Que mas puedo hacer yo desde aqui que infundir mis banalidades desde este, ningun lugar. Ser un testigo mas que dio cuenta de este legado, que como un sueño termina en un despertar absorto y tardio, pero fundamental. 

"Rendirse ante tanta magia, es la única opción. Cualquier otra alternativa sólo conduce a la perdición".

Notas Reales

En el estreno de Rear Window (La ventana indiscreta), yo estaba sentado al lado de la mujer de Joseph Cotten y, en el momento en el que Grace Kelly registra la habitación del asesino y éste aparece en el pasillo, ella estaba tan inquieta que se volvió a su marido y le dijo: «Haz algo, haz algo».

Alfred Hitchcock.-

Rear Window (1954)

Crónica de cine

Rosario, Santa Fe, eran más o menos las nueve de la noche cuando en una huida iniciática me despedí de mis padres en una esquina para ir al cine, solo. Esta es mi crónica.

Un viaje rápido, de dos día, una noche. Salimos temprano de mañana con la idea de hacer algunos trámites en la hermosa ciudad de Rosario, y también pasear un poco. Llegando la noche, cansados todos, después de un dia de mucho andar mis padres decidieron ir a comer y acostarse temprano, era en ese estado lo más lógico. Yo decidí, a pesar de mi cansancio, pasar unas horas conmigo mismo, capaz para pensar o simplemente estar solo e ir a la sala de cine, algo que en mucho tiempo no había hecho. Como decía, cruce la calle, y con una mano salude a mis padres como una despedida sencilla, camine una cuadra y mi cabeza ya había pensado mil cosas, algo muy melancólico me vino de pronto. Pensé rápidamente mientras caminaba que tenía un poco de hambre, por lo que comería algo y luego me iría hasta el cine, que quedaba en una galería de compras a no menos de 4 cuadras de mi punto de origen en ese momento. Llegue a la esquina, y vi una especie de pizzería sencilla, no dude y entre. Pregunte a una mosa en donde me podía sentar, y ridículamente le dije "buenas noche, lugar para UNO". Claro, enseguida me contestó muy amablemente y con gran acierto "donde quieras (?)".  Había algunas pocas personas cenando, todos en su mundo, por lo que no me senti incomodo para nada. A veces hacerme invisible es algo que me gusta bastante y solo sucede en la ciudad. Rapidamente pedi una cerveza, y cuatro porciones de pizza, mozzarella especial. Comí, y apurando un poco solicite la cuenta, para finalmente ir al cine. Tenía por cierto una pizca de ansiedad.

En la cartelera había solo dos películas que me interesaban, una era un documental sobre ingmar bergman y su actriz fetiche liv ullmann. Muy prometedor. Y la otra la última de woody allen " un hombre irracional", las otras dos opciones me parecieron mediocres. La elección en el trayecto de mi cena y la sala de cine fue woody allen, pense con gran certeza: "woody nunca falla".

Entre a la galería, pregunte a un seguridad donde estaban las salas y me indico con el dedo "hacia arriba". Saque el ticket, y note la poca gente que circulaba, lo que despues comprobe cuando la vendedora me dijo que era el unico ticket que había vendido para esa función, y esa pelicula, hasta el momento. Faltaba más o menos 25 minutos para su comienzo. Di una vueltas para matar el tiempo, y entrar a la sala a horario. 

Entre un minuto tarde, ya que generalmente las películas empiezan un poco después del horario indicado, y ya había empezado. Me rabie un poco por eso, enseguida dentro mire a los costados, y vi dos mujeres adultas sentadas bien atrás de todo, no había nadie más. Fui, con decisión, hacia el medio de la sala y me sente rapidamente. A los 40 segundos estaba inmerso en la historia del film. 

Para un apasionado del cine como yo, la sala, es lo mejor del mundo. Tengo mil recuerdos de cuando estudiaba en la ciudad y frecuentaba muy seguido las salas, antes de irme de vuelta a mi pueblo en donde no hay. Y no tarde en decir para mis adentros cuánto extrañaba ese momento, ese ritual. Yo, la sala, la oscuridad, el cine. Es algo que realmente me da sentido, entre tanto y tanto.

Al finalizar la función, salí de la sala, de la galería de compras y comencé a caminar para ir hacia el hotel en donde nos hospedamos. Caminaba muy pensativamente, al igual que muy melancólico. Hay trayectos de la vida que muchas veces cuestan transitar y tal vez estaba en uno de ellos. Pensé, muy alegóricamente, que me había sentado sin dudar en el medio de la sala, solo. Y que eso era tal vez, el real significado del momento de mi vida en el que estaba. Sin ponerme demasiado intimista ya que es una simple crónica, a veces la vida tiene un significado singular, como las películas, las buenas películas. Y que yo, en este momento de mi vida estaba sentado, en el medio, solo, a oscuras y un poco cansado, en la sala de un cine siendo, o deseando, ser otro. Distrayendo mis horas lúcidas. Pero luego de reflexionar esto, pensé, al terminar esa función, uno, simplemente, se para y se va. Sigue su camino. Y todo eso era de pronto una lógica poderosa, como significativa. 

Llegando al hotel, luego de pensar esta alegórica conclusión, sospeche que por bastante tiempo no iba a pisar una sala de cine, lo que concluí que por ahí, siguiendo con el singular significado, pararme y seguir despues de la funcion era algo, mas que un merito y una forma de dejar cosas atras. Y que la vida, capaz, a veces te pone en el medio, algo oscuro y solitario, pero al terminar esa funcion, uno sigue. Tiene que seguir.

De pronto me di cuenta que había sido todo un viaje de revelacion. Llegué al hotel, ingrese a mi habitación, mis padres ya dormían, tome un vaso con agua, apague las luces, y... sin mas... me acoste a dormir. 

Taxi Driver (M. Scorsese)

Crecimos

Toy Story (Trilogia)

Ya era bastante grande y no exagero, cuando todavia seguia jugando con muñecos. Mi juego era simple, unos pocos muñecos indistintos, en la que armaba historias que duraban horas y horas. Llegaba a un nivel de autismo muy alto, y nadie me sacaba del pequeño mundo que armaba ahí. Generalmente arriba de una cama, casi siempre en la de mis padres y en solitarios. Siempre me pregunto de dónde sacaba las historias que inventaba, esas invenciones sin límites de imaginación, seguramente de películas que por ese entonces veíamos en familia generalmente de acción (género de preferencia de mis padres), o simplemente de la propia vida, quien sabe. Había una gran creatividad por ese entonces, y una inocencia absoluta y hermosa en mi.

Siempre que vuelvo a ver Toy Story pienso en la genialidad que es, el cine de animación se vuelve irónicamente muy real y profundo. Y tiene la misma llegada o más que cualquier obra maestra del cine "real" por llamarlo de alguna manera. La animación es un gran fenómeno que crece a pasos agigantados y que empezó con esta gran pelicula. Toy Story es una trilogía, una saga, una aventura, que nos hace feliz y que nos pone a recordar lo felices que eramos de niños. Recordamos lo lúdico y originario que fue nuestra infancia, la inocencia perdida, las horas mágicas, lo creativo, lo que antecede a este mundo que de haber crecidos nos parece muy lejano ya. Les miento si les digo que no extraño eso, les miento si les digo que no me emocionan hasta las lágrimas estas películas, y que me llevan directo a ese momento tan magico, unico. Y que siempre... Siempre necesito volver a ver y rever, para comprender que crecí, pero que nunca deje de ser un niño jugando en la cama de mis padres con muñecos de plastico. 

Cuando mire Toy Story 3, y a lo que parecía que ya nada le quedaba, creo que tuvieron la visión, sus creadores (y como toda trilogía) de darle un final, una conclusión, una salida a esta historia que ya desbordaba en aventura y emoción en sus dos primeras entregas. Y en ella, la última, nos dan en el blanco, nuestros amigos, en las películas, en la historia, nos dicen que crecimos y que la vida es asi, que lo mágico se pierde un poco. Pero que siempre recordemos esos momentos de niños y mantengamos muy vivo eso. Una vez yo tuve unos muñecos de plástico que me dijeron adiós, creo que cometí un error y yo nunca me despedí de ellos, claro, si son de plástico (?) pensaria uno. Ellos fueron todo para mi se los aseguro. En el final de Toy Story 3 siempre lloro y me emociono es inevitable, porque crecí, y recuerdo a mis muñecos, a mi infancia, a mis horas, a mi inocencia. Y lo recuerdo con gran alegría. 

Y tambien les digo Gracias Chicos, como lo hace Andy.

Toy Story

Camino hacia el miedo

Desciende al terror (correcto)

El terror es un género difícil de realizar (bien). Tal vez tenga un gran punto en común con la comedia, aun en su gran contraposición. Son ambos "lugares" más incómodos, lugares en los que menos empatía puede/siente el espectador, y en los que muchas veces tenemos menos llegadas. No hay (como en el drama) constantes comunes y funcionales, seguramente para quien escribe esto le den miedo o risa distintas cosas que a mi lector. Por eso hay una búsqueda de dar siempre con lo correcto (descender) a obras, a películas que logren un propósito, que es principalmente la base del terror: "angustiar al espectador". La mayoría olvida esto con frecuencia y es algo fundamental, es sentir opresión y angustia ante lo que vemos. Seguramente no esté diciendo nada nuevo, ni haciendo un gran descubrimiento, pero en esta época "del cine" de la autoconciencia, nos toca pensar, analizar, y para llegar sano y salvo a esto, al objetivo, siempre hay que ir al origen y repasar ciertos mecanismo, ya dados por sentado.

"The exorcist" (1973)

En este camino, de encontrar lo correcto, existen por un lado una película ya bastante popular como "el exorcista" del fantástico William friedkin. Y luego también la menos vista "en la boca del miedo" de John Carpenter. Son dos grandes autores, verdaderos autores. Ambos hacen un cine totalmente personal, aun en lo "fantástico" se revelan ante ello, y ponen sus obsesiones y lo que "creen y rezan" al servicio del espectador, para que (si se quiere) en una "segunda lectura/ segunda historia" tengamos una visión totalmente acertada y una gran crítica conceptual del mundo y la cultura en la que vivimos. En estas dos obras hablamos de cómo lo externo, lo otro, nos afecta, y de que modo. Y fundamentalmente que hay ciertos caminos en los que no hay regreso, no hay vuelta. Tanto el padre Merrin, el padre Karras (el exorcista) y John Trent (en la boca del miedo) saben que esa revelación "fantástica" y maligna (que viene, siempre, desde afuera) es un viaje de ida. Y en ambos caso lo aceptan fatal y drásticamente.

"In the mouth in darkness" (1994)

                

Entonces, el trabajo del cine es muchas veces alumbrar el camino (sea cualquier genero), eso es lo grandilocuente. Ya es un signo de la modernidad, que se actualiza en este arte. Si se hace un esfuerzo estos dos ejemplos, estas dos peliculas simbolizan un momento, son una diégesis y un sentido alegórico de hoy. Es una buena forma de abordar este genero, y comenzar a ver la "otra parte". 

Simbología y forma

A Faretta

Existe un ejercicio para el visionado de peliculas, que completa y fundamenta a este arte "activo". Se dice activo por la sencilla razón de que es el único arte con el que se puede llegar a cierto público que se forma, a lo que este se comprende por un público joven, adolescente y de mediana edad. Y que también cubre todo entendimiento (por eso es completo) en todos los sentidos posibles: Político, histórico, religioso y formal. Y por sobre todo es de facil acceso.

Esta llegada o este entendimiento es por medio de un ejercicio que lo definiremos como la "segunda lectura", que es dado mediante un juego de símbolos. Esto, claro, requiere de un esfuerzo mayor tanto así como de una búsqueda más intensa de parte del espectador, pero que finalmente nos llevará a un nuevo camino, a un nuevo lenguaje. Este formalismo, dado por un análisis profundo, se ocupa (es preciso aclarar) de obras y autores propios de este arte especular y esferas conscientes/autoconscientes.

Cuando visionamos un film, primariamente existe la "primer lectura" que seria algo asi como la basica, simple, instintiva. Entendemos lo que vemos, y punto. Para llegar a dicho ejercicio (finalmente) tendremos que eliminar esta primera lectura. Entonces todo consiste en buscar un nuevo significado de símbolos y sentidos, que serán infinitos. Una lectura secundaria, un segundo significado.

Pasemos a la practicidad para lograr un entendimiento mayor. Por ejemplo en "La ventana indiscreta" del maestro A. Hitchcock, 1954:

La primer lectura es la de un sujeto (James Stewart), un fotógrafo, que tiene un accidente y que por ende no puede caminar por su yeso en una de sus piernas. Lo que hace que se tenga que quedar en su casa, este "aburrido" se pone a mirar por la ventana que da al pulmón de un edificio en el que conviven muchas personas en diferentes departamentos. En conclusión espia las vidas ajenas a través de esta ventana.

En la segunda lectura (ya ejerciendo el análisis simbólico y formal) este sujeto es la síntesis de como visionamos las peliculas, es la expresión más grande y más completa de la forma en que miramos el/al cine. Que es ni más ni menos que la curiosidad por ver lo ajeno, el llamado voyerismo, por ver y saber "lo otro". Esa ventana (recordemos que es un simbolo, importante, y es siempre si se quiere) es la pantalla por la cual miramos cientos de historias que de alguna manera nos atraen.

Esta lectura secular, es una de las infinitas que se pueden hacer. Este film está lleno de "símbolos" en el que el buen y curioso espectador, se divertirá destejiendo y buscando.

Este ejercicio o esta forma nos hace pensar y abrirnos a un nuevo camino, siempre por descubrir. Un nuevo significado de darle un verdadero sentido a nuestra vida por medio de este arte. Y tambien un juego, porque no?, maravilloso y único que nos hará realmente felices.

Nota: Esta idea, este escrito, se desprende directamente de un autor que me hizo ver esta y muchas otras cuestiones interesantes con respecto al cine. Y por supuesto a disfrutar más. Este autor es Ángel Faretta, y a él se lo agradezco. 

El dual entendimiento

Finalmente uno, "doblemente", entiende que se hacen dos viajes (espirituales) en una misma persona. Un viaje interno y absoluto tanto como íntimo y solitario. Y otro para los demás, incomprendido y tímido, muchas veces sórdido e invisible. Que termina siempre es una melancólica y tranquila quietud. Todo concluye entre una dualidad entendida, el paraíso y el infierno.

Reflexion sobre (El Padrino II, 1974, Francis F. Coppola)

Michael Corleone  y su hermano Fredo.

Vértigo (Alfred Hitchcock, 1958)

La luminosidad

En la "circular" vida cotidiana abunda la avidez (máxima) de novedades. Un aburrimiento, producto de la asedad inacabable de falta de satisfacción, culpa de la sobre-inflación de accesibilidad actual. En donde se reprime (finalmente) todo acto de creatividad latente y profana, quedando totalmente inactiva. Inhabilitando la "salvación" del ser cotidiano en la fangosa contingencia constitutiva. Así se da a conocer esta "caída", o siempre la búsqueda de lo inútil que el propio -ser- deja entrever.

Finalmente aquí estamos ante la inoperancia y la (sola) voluntad de constituir, y mas aun, de estar en un lugar más prominente, mas avanzado, para así entender la otredad desconocida. 

También existe, y es lo importante, un vértigo (miedo a la "caída") a lo no conocido, a lo inadvertido, a lo no movible, y principalmente a la no-vuelta, a la no-redención. Un miedo propio al saberse. A no volver nunca más a la calidez de la comodidad (falsa).

He aquí que tenemos esta reflexión, de un arte activo, y salvador como es el cine. Que se entiende como -medicina- a una cura. 

Hitchcock quiso así ser el entendido, y darnos mas que nunca hoy un camino libre. Lleno de luz.

Days of Heaven

Días del Cielo

Origen: EE.UU
Director: Terremce Malick
Reparto:Richard Gere, Brooke Adams, Sam Shepard, Linda Manz, entre otros.
Genero: Drama
Año: 1978

Sinopsis:
Bill y Abby, una joven pareja, deciden abandonar la pobreza y la dura vida que llevan en el Chicago de 1916. Los dos, junto a Linda, la hermana de Bill, viajan hacia las grandes zonas de cultivo de cereales de Texas, donde encuentran trabajo como braceros en una granja. Al finalizar la cosecha, el joven y apuesto patrón, que cree que los tres son hermanos, les pide que se queden porque se ha enamorado de Abby. Al fianal algo inesperado ocurrirá que cambiara sus vidas para siempre.

Critica:
Es toda una travesía criticar una película de Terence Malick por su enorme profundidad de pensamientos y reflexiones que conllevan todas sus realizaciones, y es una gran responsabilidad para mí tratar de darle dirección a mis banales palabras y de escribir con criterio sobre esta maravillosa obra llamada “Días del Cielo”. Ojala llegue a cumplir mi objetivo, al menos un poco.
Malick es una persona muy especial y a modo personal es uno de mis directores preferidos, su filmografía es austera pero efectiva, cuenta con un total de seis películas hasta la fecha y mas de 20 años de carrera. Las seis películas se conforman de “Malas Tierras”, “Días del Cielo”, “La delgada línea roja”, “Un nuevo mundo”, "El árbol de la vida" y su ultima "To the Wonder". Filosofo y profesor universitario lleva una vida totalmente alejada de la industria comercial del cine, mas bien yo diría que prefiere y quiere mantenerse lo mas alejado posible de esto, se mantiene oculto ante cualquier entrevista o reportaje. Se jacta de dirigir y escribir sus películas y esto vale mucho ya que tiene un gran poder del manejo del cine.
“Días del cielo” es una historia que ocurre poéticamente entre el cielo y el infierno, refiere directamente a la condición humana y a un sentido biblico. Sus personajes son conflictivos y reales, son demonios y ángeles. Las voces son tres Bill (Richard Gere), Abby (Mujer de Bill) y Linda (hermana de bill), derrotados por la pobreza en aquel año (1916) van en busca de trabajo en las grandes cosechas y cultivos de trigo, para así poder vivir. El caso comienza cuando aparece el dueño de estas tierras, un hombre relativamente joven, solitario y con mucho dinero. Este sin mas se fija en la mujer de bill, claro este ultimo le dice a Abby que se haga pasar por su hermana y así poder aprovechar la situación y al fin así poder vivir mejor, abby convencida por ridículos pero efectivos argumentos  llevar a cabo este engaño acercándose afectivamente a este hombre rico. Lo que sigue es ver como Abby pasa los días con su hombre que resulta sorpresivamente bueno, sensible y considerado. Poco a poco la historia, los personajes y el film van en descenso a los infiernos. Amor, celos, enfermedad, muerte, miserias y perdidas serán las constantes a lo largo de la obra.
Claro que hay una tercera voz, que viene a ser Linda (hermana de bill), una niña en pre adolescencia que es puesta inteligentemente por Malick como si fuera la voz del espectador y del propio director, con reflexiones existencialistas como nos tiene acostumbrado el mentor y con frases y pensamientos que llegan con gran profundidad. Esto me trae a su anterior y primer película “Malas tierras” (Recomendado visionado) en la que la protagonista tambien lleva la voz y expone pensamientos filosóficos que desgarran al espectador, “Días del…” plantea mas o menos lo mismo al proyectar preguntas tan reflexivas como ¿quienes somos?, ¿Dónde vamos?, ¿Porque somos bondadosos y a la vez perversos?.  Linda reflexiona sobre dilemas de la vida y de la condicion, como cuando dice las maravillosas líneas: “Nadie es perfecto. Nunca hubo una persona perfecta en el mundo, uno solo es mitad diablo, mitad ángel”. El dileme de estar entre el cielo y el infierno.
Con respecto a datos cinematográficos, Néstor Almendros gana un Oscar por mejor fotografía, contiene planos llenos de paisajes naturales como toda obra de Malick, pero déjenme decirles que hay una secuencia realmente sorprendente en la que vemos desde dentro de la tierra como nace y crece una semilla para luego ser arrancada, perfecto. Es un proceso vivo.
La conclusión es fuertemente positiva, y espero no haberme dejado llevar por pasiones personales, pero el cine de Malick es profundo, reflexivo, humano.“Días del cielo” nos deja pensativos. Y nos deja un mensaje tan claro como atroz, pase lo que pase el mundo sigue con su rutinario vacío. Y así será.

Calificación:
Muy Buena

Trailer:

El Fondo del mar

El fondo del mar


Origen: Argentina

Dirección: Damian Szifron

Reparto: Daniel Hendler Dolores Fonzi, Gustavo Garzón, entro otros.
Genero: Suspenso.
Año: 2003


Sinopsis:
Ezequiel (Daniel Handler) es un estudiante de arquitectura obsesionado con su novia Ana (Dolores Fonzi), la cual se ve desinteresada por la relación que llevan. Los celos y la paranoia de Ezequiel aumentan aún más cuando descubre que Ana le esta mintiendo, sus sospechas se centran en Anibal (Gustavo Garzón). Desconociendo la identidad de éste, Ezequiel comienza una persecución por la zona norte de la ciudad de Buenos Aires para averiguar quién es.


Critica:

Película de genero de quien para mi es uno de los tipos mas inteligentes y talentosos del Cine y la TV argentina. Damian Szifron director y guionista, tal vez mas conocido por haber realizado la fantástica serie de televisión "Los simuladores" y la un poco menos exitosa "Hermanos y detectives". Ahora bien, si hablamos de cine esta es su primer película o como se suele llamar en la jerga cinefila su "opera prima" y es la que nos tiene hoy aquí. Luego su ultimo avistaje en el cine argentino fue la entonces "Tiempo de Valientes" allá por el 2005 con Diego Peretti y Luis Luque, que por cierto recomiendo enormemente. Una de las mejores películas argentinas.
"El fondo del mar" es una de genero, de intriga, de suspense, hitchckoneana, una de esas que te atrapa durante todo el metraje y no te suelta. No es ni una obra maestra ni tampoco queremos que lo sea, solo es una película que cuenta la historia de un obsesivo y haciendo lo que para mi mejor sabe hacer Szifron que es esa conbinacion de elementos en las historias que no te deja pensar. Con casi toda la flotilla actoral de "Los simuladores" y hasta las misma armas de dirección se le agregan los protagonistas de esta historia Daniel Hendler, Dolores Fonzi y Gustavo Garzón que por supuesto están mas que bien, nada malo se puede decir de ellos. La historia básicamente es mostrar a un obsesivo/celoso futuro arquitecto que sospecha que su novia lo engaña. En paralelo a esto Ezequiel (el personaje de Daniel) esta aprendiendo a bucear y todo pasara horas antes de emprender el viaje a ese fin. Lo bueno es esa interesante atmósfera que crea en la historia, ese suspenso sin nada que nos lleva hacia algún lugar, ese mecanismo sin sobrecarga y el retrato real a esas obsesiones que tenemos, a veces ocultas, los seres humanos por mas irreal que sean.
Lamentablemente Damian Szifron no realizo ningún otro film ni ninguna otra serie por razones diferentes y personales, una lastima al menos es lo que a mi me parece. Pero felizmente según leí esta preparando su regreso y espero así sea. 
"El fondo del mar" una película para tener, ver y rever. Una de esas pequeñas pero grandes historias que a veces por pasar desapercibido nos perdemos.

Calificación:

Muy Buena.

                                           Trailer:

Fase 7

Fase 7

Origen: Argentina
Direccion: Nicolás Goldbart
Reparto: Daniel Hendler, Jazmín Stuart, Federico Luppi, Yayo Guridi, entro otros.
Genero: Accion
Año: 2010

Sinopsis:
Coco (Daniel Handler) acaba de mudarse a su nueva casa con Pipi (Jazmín Stuart), su esposa embarazada de siete meses, cuando su edificio es puesto bajo cuarentena por la aparición de un virus mortal.

Critica:
El mejor cine empieza cuando lo vemos, disfrutamos y padecemos. Hacia rato quería ver “Fase 7” (opera prima del director Nicolás Goldbar) conocido por haber trabajado con Pablo Trapero en mucho de sus proyectos. Y aquí nos propone una película de género al fiel estilo argento.
La película cuenta la historia de una pandemia (al estilo Gripe A – ¿se acuerdan?-) pero más heavy que acecha a gran parte del mundo, y aquí precisamente se enfoca en Bs. As. La cual muestra a una pareja -coco y pipi- que conviven y esperan un bebe en un particular edificio donde todo comienza cuando el estado declara cuarentena, y así el encierro, la intriga y convivencia irán de mal en peor.
El cine de genero es difícil de abordar, y muy pocos ejemplos buenos y claros hay en el cine argentino sobre ello. El director, arriesgado y lucido, pudo llevar esto a la pantalla mostrando gran referencia haciendo una combinacion (de los géneros) entre los que se suceden: western urbano, comedia negra, cine apocalíptico y grandes momentos gore. Todo en un marco de ciencia ficción y acción.
Solo decir que aun con sus falencias y fallas gran parte de la película nos mantiene intrigantes y atentos, con actuaciones realmente salvadoras y memorables como el dúo Daniel Hendler y Jazmín Duarte (recordados en “Los Paranoicos”) funcionan, otra vez, de maravilla. Y completando el elenco sumamos a Yayo –sorpresa- que está bastante bien con un papel de locoparanoico muy divertido, y al siempre bienvenido y trascendental Federico Lupi, y permítanme hacer un espacio/aclaracion aquí. La aparición de Lupi es esencial, haciendo un personaje insospechado y débil al principio, y luego tipo un Arnold Schwarzenegger en la mejor época “The Terminator” con anteojos oscuros y un rifle doble caño, encarnando un personaje siniestro e intocable... FENOMENAL.
Realmente está muy bien lograda. No hay imitaciones explicitas o molestas aunque nos vengan más de una referencia al cine del otro lado, ya saben. Lo importante es pasarla bien y “Fase 7” bien lo logra. Una película redonda que no impacta pero gusta. Pulgar arriba al cine argentino y al inicial director.

Calificacion:
Buena

Cuando ya no haya más sitio en el infierno, los muertos camináran por la Tierra. ("El amanecer de los muertos")

Trailer:

Hereafter

Más allá de la vida

Origen: EE.UU
Direccion: Clint Eastwood
Reparto: Matt Damon, Cécile de France, George McLaren, entro otros.
Genero: Drama
Año: 2010



Sinopsis:
Narra paralelamente la historia de tres personajes que han tenido algún tipo de contacto con la muerte: una periodista de la televisión francesa (Cécile de France), que estuvo a punto de morir durante el tsunami que asoló el Sudeste asiático en las Navidades de 2004; un niño (George McLaren) de Londres que pierde a la persona que más quería en un terrible accidente, y un norteamericano (Matt Damon) con el don de poder comunicarse con los muertos.

Critica:
¿Donde vamos? ¿Que pasa al dejar este mundo? ¿Que es de nosotros? ¿Hacia donde iremos al partir? muchas preguntas pueden surgir y hasta podemos llegar a los mas alto de la cinefilia misma. Films mas críticos o menos críticos, films mas explícitos o mas retóricos. Al fin de cuentas es lo que importa, esa discusión en esta película intrigante del después y dejar la duda es lo que nos hace existir.
Clint Eastwood es el director de esta película y eso significa mucho, al menos en lo que a mi respecta. Y otra vez espero no dejarme llevar por pasiones personales en el proceso de construir una idea, un análisis o una critica de la simple y maravillosa "mas allá de la vida", su ultima realización. Las películas de Eastwood son simples y llanas en esto estamos de acuerdo, giran en torno al quiebre de los protagonistas, a un evento o suceso de alguno de los personajes. Es un cine que nos da mas allá de todo momentos de la vida, momentos reales, principalmente su ultimo cine y todas sus ultima realizaciones. Es alguien que ya se pregunta sobre el final con su elevada edad, por eso habla sobre ello y quien mejor que él para hacerlo.
"Mas allá de la vida", cuenta la historia de tres personas que de alguna manera tienen relación con la muerte o con el mas allá. Uno es un vidente (léase psíquico) condenado por su Don de visiones, otra es una estrella de t.v que pasa por una experiencia cercana a la muerte y finalmente un niño de 12 años que pierde repentinamente a su hermano gemelo. Todos ellos de alguna manera formulan sus propias preguntas y tratan de darles respuesta. Al fiel estilo del mentor la simplicidad es lo que enmarca estas historias. Soledad, Dios, muerte, redención, tristeza, arrepentimiento, recuerdos, misterio son algunas variables que describen este argumento.
El nivel técnico y de actuación realmente son alucinantes, la cámara se desliza con total belleza y sentimiento, la musica acorde al climax y los actores encajan en las historias haciéndolas totalmente creíbles. Clint es alguien con experiencia, sabe lo que hace, no hay duda de ello y sobre todo es lo que mas se valora, la etapa en la que alguien hace lo que quiere. No hay excusas ni explicaciones que dar por ello.
No hace mucho sobrevalore algún que otro director, incluido Eastwood, y repasando sus obras con gran interés me doy cuenta que disfruto mucho de sus películas, algunas mas y otras menos por supuesto pero por sobre todo encuentro un lugar cómodo en donde de principio a fin veo en esas historias momentos memorables -MAS GRANDE QUE LA VIDA- lugares comunes que llenan el alma, a veces vaciada de tanto en tanto y que sirven como un refugio en la que me gusta, o mejor dicho, nos gusta estar mas de una vez como espectadores. Y eso es algo que agradezco.
Finalmente concluimos con que es una historia mas, una película mas, un momento mas como lo es esta vida, lejos de sonar reflexivo y constructivo en mi critica encuentro un punto en común, el lugar de placer al ver esta película que por supuesto encerró en mi un lugar de preferencia. El mensaje es claro, así como la conclusión, no hay certezas de nada, mas allá de las creencias o no creencias nadie sabe exactamente que va a pasar cuando llegue el momento de irnos. Y el tiempo pasara y esas preguntas con la que empecé esta critica resonaran una y otra vez a lo largo de nuestras vidas. George, en uno de los grandes momentos del film, le hace una lectura a Marcus, este desesperado buscando respuestas de su hermano que se fue sin avisar y de repente, le pregunta devastado y entristecido ¿Donde fue? Hacia donde va? como si fuera la vos y la pregunta de nosotros mismos también en la búsqueda de esa respuesta... y en la que George responde memorablemente casi como la mejor conclusión:
No lo se Marcus no lo se.

Ser inmortal es Baladí; menos el hombre, todas las criaturas lo son, pues ignoran la muerte; lo divino, lo terrible, lo incomprensible, es saberse inmortal. ("El Inmortal", Jorge Luis Borges).

Calificación:
Muy Buena.

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Rescue Dawn

Rescate al amanecer

Origen: EE.UU
Direccion: Werner Herzog
Reparto: Christian Bale, Steve Zahn, Jeremy Davies, entro otros.
Genero: Belico
Año: 2006


Sinopsis:
Durante una misión en plena Guerra de Vietnam, un piloto norteamericano tratará de sobrevivir tras ser derribado su avión sobre Laos.

Critica:
En todos estos años hemos visto muchas películas bélicas, y en su gran mayoría tratan de mostrar el infierno que se vive en una guerra y lo duro que es estar allí. Muchos ejemplos valen por si solos, y grandes películas como directores han llevado a la pantalla grande la guerra. “Apocalipsys now” (Coppola),” La delgada línea roja” (Malick), “Rescatando al soldado Ryan” (Spielberg), Forrest Gump (Zemeckis) y tantas otras que no nombro o no he visto aun. La cuestión es que es un tema recurrente en el cine, realizadas en su mayoria por altos costos cinematográficos y muchas son tomadas de varios enfoques diferentes, según quien sea el ejecutor. La sensibilidad puesto al servicio del espectador.
Sobre “Herzog”, director y guionista de “Rescate al amanecer” no se aleja de ninguna variable dicha antes o sabida de antemano, pero cumple con ciertas normas cinéfilas indestructibles. Imágenes al servicio del espectador.
La historia se trata básicamente sobre un piloto de avión (estadounidense) al servicio de las fuerzas militares, en la guerra de Vietnam, que es derribado sobre suelo vietnamita, y luego atrapado. Lo que sigue es mostrarnos a un tipo sobreviviendo y tratando de zafar de esta situación a veces insostenible por el sometimiento, el encierro y todo lo que conlleva esto.
La actuación de Christian Bale es sinceramente excelente, vemos a este actor como tantas veces bajar de peso de forma impresionable para nuestros ojos. Y no deja ninguna duda de su enorme talento, y como encarar papeles fuertes. El resto del elenco, sin detalles, está muy bien y alcanzan a generar la atmosfera requerida para situaciones límites, como lo es el estado de guerra.
Lo técnica de Herzog es perfecta, la cámara que se hace notar todo el tiempo (al estilo Kubrick). Varios ángulos y planos muy distintivos. Déjenme resaltar el inicio de esta película. Un avión que sobrevuela, comienza a bombardear aldeas vietnamitas con una sinfonía de fondo, de vaya a saber quien, con un fuerte peso documentalista, es excelente y digno de resaltar y por consiguiente visionar.
En conclusión, es una película que se mueve y nos deja atónitos en varios momentos. En contra tal vez un final un tanto, como decirlo, hollywoodense si se quiere, pero se le perdona por todo el contenido antes visto. Herzog es un gran cineasta y realizador de películas. “Rescate al amanecer“es otro claro ejemplo de su gran habilidad.

Calificación:
Muy Buena

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Black Swan

Cisne Negro

Origen: EE.UU
Direccion: Darren Aronofsky
Reparto: Natalie Portman, Mila Kunis, Vincent Cassel, entre otros.
Genero: Drama
Año: 2010


Sinopsis:
Nina (Natalie Portman), una brillante bailarina que forma parte de una compañía de ballet de Nueva York, vive completamente absorbida por la danza. La presión de su controladora madre (Barbara Hershey), la rivalidad con su compañera Lily (Mila Kunis) y las presiones del exigente director (Vincent Cassel) se irán incrementando a medida que se acerca el día del estreno.

Critica:
A veces confundimos, me incluyo, que la película es buena en la medida que esta toma mayor grado de impacto. Que quiero decir con esto, en cuan benevolente sea, en cuan capciosa sea, me explico, cuando el objetivo termina siendo poco visible o ni siquiera se termina de comprender.
Hace un tiempo lei una entrevista a un crítico de cine muy respetado , ya casi retirado, en la cual le preguntaban qué opina de las nuevas películas, el cine actual, y si mira este mismo, él dijo que a veces no miraba mucho porque simplemente no las entendía, el entrevistador vuelve a preguntar, ¿Y por qué? Entonces respondió – siento que se tratan de manipular las historias para, tal vez, crear mayor impacto, asombro, que al final de cuentas se pierde el hilo de los que realmente el director quiere mostrar o decir, el objetivo-. Tambien dijo que le gustaban los directores que cuentan historias a la vieja usanza, que simple y llanamente cuentan un principio y un fin, que se entienda. Por ejemplo “La isla siniestra” de Scorsese es un film de “impacto” pero esta tan bien contada que no pierde nunca del núcleo central de la historia, termina la película y todo el argumento, por mas giros o vueltas que de, concluye al fin. Es simplemente un ejemplo entre tantas buenas películas como directores existen actualmente.
“Cisne Negro” cuenta la historia de una chica llamada “nina”, la cual tiene un único fin en su vida, bailar clásico e interpretar “el lago de los cisnes”, todo lindo hasta que su meta u objetivo se convierte en obsesión, llena de violencia, enfermedad y doble personalidad.
La interpretación de “Natalie Portman” es brillante, se encarga de ponerle realidad al oscuro y nubloso personaje que le toca interpretar esta vez. Su labor es mostrar lados oscuros y claros, cisne blanco y cisne negro. Crea formas insostenibles en momentos, violenta en otros casos. Los demás personajes como la madre de nina, y el profesor (seudoabusivo) están más que bien.
La cámara inquieta, en mano, y planos detalles casi en la totalidad de la película crea un ambiente tenso, inseguro y sobre todo intrigante para el espectador. Esto, bien logrado por “Aronofsky”. Hay escenas que son majestuosas y bien logradas, con una intensidad sorprendente en la que parecemos movernos junto al protagonista. Bien filmado!
Que decir, lo mejor es ver esta película con la mayor calidad y pantalla posible, cosa difícil, posiblemente lo mejor sea el cine, que no es mi caso en ningún aspecto. En tanto es una película que vale la pena ver, es sorpresiva y entretenida. El impacto mayor se produce sobre el final, en la que cualquier espectador quedara enteramente atrapado en ella.

“Finalmente aceptamos la realidad, acaso porque intuimos que nada es real”. (Jorge Luis Borges)

Calificación:
Regular

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Crimes and Misdemeanors

Crimenes y pecados

Origen: EE.UU
Direccion: Woody Allen
Reparto: Woody Allen, Alan Alda, Claire Bloom, entre otro.
Genero: Drama/Comedia
Año: 1989


Sinopsis:
Judah y Clifford son dos hombres enfrentados a ciertos dilemas morales de diferente gravedad. Judah, reputado oftalmólogo, pretende terminar su relación con su amante, Dolores, que amenaza con contarlo todo y destruir su vida si la abandona. Su hermano Jack le ofrece la posibilidad de asesinarla. Por su parte, Clifford es un director de documentales que se ve obligado a rodar una película sobre su cuñado, al que desprecia.

Critica:
“Crímenes y pecados” es uno de esos films que agregaría a la lista de películas que una persona tiene que ver en algún momento de su vida si o si, simplemente por el fiel e interesante contenido que tiene de fondo esta historia y la reflexión en tanto a una discusión a plantear y con la que se puede abordar esta película.
Básicamente son dos personajes centrales equidistantes uno de otro que finalmente se cruzaran sobre el final de la historia. Uno es Judah, un reconocido y exitoso Oftalmólogo que al comenzar, se muestra lo solida que es su profesión y el ejemplar padre de familia que es. Por otro lado, tenemos a Cliff, un hombre que se dedica y gusta de hacer películas documentales sobre personajes intelectuales y poco comerciales. Hasta el momento todo parece normal e imperturbable hasta que el desenlace nos devela que Judah tiene un amante llamada Dolores, la cual está decidida a hablar con su mujer y contarles las irregularidades tanto de la pareja como del manejo de dinero sospechoso que ha tenido Judah, lo que develaría algo turbio y oculto en este personaje exitoso. Y Cliff un hombre disminuido en todo sentido, su mujer lo minimiza, no luce como un triunfador y es tan fiel a sus principios que le terminan jugando en contra de alguna u otra manera en el trascurso de la historia. Pese a esto en un determinado momento conoce a Holly una joven y bella productora que trabaja grabando con disgusto la vida de su cuñado “famoso” , luego será Cliff quien trabajara para ello ante un proyecto poco feliz y en contra de sus preciados principios pero redituable económicamente. Holly es quien dará el halo de luz y felicidad a Cliff ante los vínculos infelices que tiene en su hogar.
La moralidad, el pecado y el superyó son las constantes que forman parte de esta película que al fiel estilo Allen no deja de hacernos pensar y reír. Los dos personajes Judah y Cliff tienen algo que los une en sí, no es por sus historias que son completamente diferentes sino que ponen en relieve la relación entre las personas, los vínculos, la pareja y la familia corrompida, de ahí en más cuanto juega lo moral , el pecado, la culpa y el castigo. Ante cada acción y cada desilusión hay algo que nos juzga, la pregunta es ¿Podremos soportarlo? ¿Podremos seguir viviendo con la desilusión? ¿Soportar la culpa y el castigo? ¿Ser nosotros el propio cielo y el propio infierno?
En conclusión es una película más que interesante, con un tema tratado profundamente de manera muy solida y con un argumento atrapante, que no deja ninguna duda de que somos seres vulnerables hacia afuera y hacia adentro. Demostrando de esta manera que las acciones van mucho más allá de cualquier peso, y que es el peso de uno mismo, de la propia creencia.

Calificacion:
Excelente

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Youth Without Youth

Juventud sin Juventud

Origen: EE.UU
Direccion: Francis Ford Coppola
Reparto: Tim Roth, Alexandra Maria Lara, Bruno Ganz, entre otros.
Genero: Drama/Fantastico
Año: 2007


Sinopsis:
Dominic Matei (Tim Roth) es un anciano profesor cuya vida sufre un cataclismo en los oscuros años previos a la Segunda Guerra Mundial. Tras ser alcanzado por un rayo, Dominic no sólo se mantiene con vida, sino que rejuvenece. Este hecho interesa a los nazis, que pretenden investigar y experimentar con Dominic, así que éste se ve obligado a huir y a falsificar su identidad para no ser descubierto.

Critica:
A veces no basta solo con entender sino de sentir, la razón nos suele crear obstáculos que clausuran el camino de la conciencia y el devenir de las cosas. Sin mas: Inteligencia, libertad, amor, tristeza, fluir, existencia, desesperacion, edad, desaparición, recuerdo, lo onírico y la vida son los elementos de los que se nutre Juventud sin Juventud o por lo menos algunos, película que marca el retorno de Francis Ford Coppola después de casi una década de ausencia cinematográfica como realizador no así como productor, anterior a Tetro Juventud sin Juventud es una película de bajo presupuesto muy personal y experimental. Adelantandonos Juventud sin ... tiene fallas pierde el equilibrio entre la ficción y la realidad que propone, pero es eso y punto, la no normalidad o lo nuevo trae consecuencias a veces malas para todos, lease publico y realizador. La experimentación en el cine es algo que pocos hacen, de forma seria, pensando en vos alta bien podría Coppola quedarse en el lugar que le queda mas cómodo y que ya sabemos cual es, pero no, decide arriesgar, se encarga de todo, produce, escribe y dirige para que tal vez no queden dudas.
La película trata de un tipo (Tim Roth) profesor de lingüística que se quiere suicidar, y en su camino al objetivo le cae un rayo que, alejándolo de la muerte, lo revive y lo hace ser mas joven e inteligente. Entre esto el nazismo anticipa lo que va a ser la segunda guerra mundial y son los que mirar muy de cerca a este individuo que después de un rayo pasa a ser alguien único. Luego una segunda parte en la que conoce a su amor, quien le recuerda a su amada de cuando joven y la que ahora no esta, es también quemada por un rayo y a la que convierte en sentido onírico en una persona espiritual que habla en un idioma muy antiguo y es aquí donde se conectan con Tim Roth.
No hace falta entrar en detalles ni poner en duda la calidad cinematográfica que antepone a Coppola, la maravillosidad de la fotografía (Mihai Malaimare Jr.) es sorprendente y de mucha belleza. La película tiene una poética muy singular, y un sentido o si se quiere un lenguaje muy propio del mentor. Su ultimo cine es muy primitivo, muy jugado, muy inicial y eso es altamente valorado para quienes buscan nuevas fronteras cinéfilas. Y de verdad se lo agradezco.

Clarificación:
Buena

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Predators (2010)

Depredadores

Origen: EE.UU
Direccion: Nimród Antal
Reparto: Adrien Brody, Topher Grace, Danny Trejo, Walton Goggins, entre otros.
Genero: Accion
Año: 2010

Sinopsis:
Un grupo de guerreros de élite que acaban dándose cuenta de que los han llevado juntos a otro planeta… para servir de presa. Con la excepción de un médico desprestigiado, todos ellos son unos desalmados asesinos —mercenarios, yakuzas, presidiarios, miembros de escuadrones de la muerte—, “depredadores” humanos que ahora están siendo cazados y eliminados sistemáticamente por una nueva raza de Depredadores extraterrestres.

Critica:
"Depredador"(1987), la original de los ochenta se trataba de un grupo de militares perdidos en medio de la selva centroamericana tratando de cazar a alguien o algo que resultaba ser un alienigena perdido y bastante malo por cierto. En"Depredadores" (2010) la cosa es parecida pero a la inversa, los bichitos que hacen ese ruido raro están en casa, o sea su planeta y los que están perdidos son un grupo de personas muy peligrosas seleccionadas y enviadas allí.
Hay acción, suspenso y cacería por doquier. Un argumento con pocos giros pero certeros y por momentos predecible, no suelta la idea principal de la que fue su original. "Antal", su director, le da cierta visión existencialista a la película sus personajes parten de la desconfianza y la supervivencia sin importar -que- ni -como-, la cosa es sobrevivir a estos expertos cazadores, los depredadores, acuerdencen que estas personas son lo peor de la humanidad, tal vez eso los haga sentir mejor ante la situaciones de angustia que produce ver a estos tipos envuelto en pura cacería en un lugar que no tiene escapatoria.
Las actuaciones no están mal, personalmente creo que "Adrien Brody" ante su esfuerzo y sus músculos no convence demasiado de ser un asesino sin escrúpulos para sobrevivir en este particular planeta, también a "Laurence Fishburne" (Tal vez lo recuerden como Morfeo en la trilogía Matrix) que aparece a mitad de la película haciendo de loco que tiene un amigo imaginario no llena mas de lo que hay y creo que fue hasta innecesario.
Sin mas, es una opción mas para quienes gusten de entretenerce un poco con estos bichos y gusten de este tipo de película en la cual no existe la lógica.

Recordare por siempre esa escena de Depredador (1987) en la que Schwarzenegger quiere matar al depredador cueste lo que cueste, se llena de barro para anular la visión de este, prende una antorcha que sostiene con una mano, la levanta gloriosamente y pega un grito eterno diciendo... -entre lineas- aquí estoy... ven por Mi.

Calificación:
Regular

Trailer:

The Last Airbender

El Ultimo Maestro del Aire

Origen: EE.UU
Direccion: M. Night Shyamalan
Reparto: Noah Ringer, Dev Patel, Jackson Rathbone, entre otros.
Genero: Fantastico
Año: 2010


Sinopsis:
Fantasía épica que adapta la serie "Avatar: The Last Airbender". Aire, Agua, Tierra y Fuego son cuatro naciones enlazadas por el destino cuando la Nación del Fuego declara una brutal guerra a las demás Naciones. Tras un siglo de lucha, no parece haber esperanza de que algo pueda cambiar este entorno de destrucción. Aang (Noah Ringer), el más reciente sucesor del ciclo del avatar, deberá viajar por el mundo hasta llegar al polo norte, junto a Katara (Nicola Peltz) y a Sokka (Jackson Rathbone), para aprender a dominar los 4 elementos (principalmente el agua control) y acabar con la guerra.

Critica:
El cine de Shyamalan es muy especial, único y natural. Al pensar en este realizador uno seguro vio o recuerda alguna de sus películas, y en este pensamiento retrospectivo de cinefilia seguramente recordemos grandes momentos. Su película mas famosa posiblemente sea "El sexto sentido", uno de los mejores thriller que recuerdo al pensar en el genero y que recomendaría a cualquiera, sin embargo es una película que ha condenado a Shyamalan de por vida, todas las criticas es en base a esta película, como exigiendole un genero determinado. Es un director que se mueve, no le gusta encasillarse ni en lo mas mínimo, si es poseedor de un estilo propio y esta bien marcado. "El protegido", película que tal vez no tuvo oportunidad y que pocos vieron, luego "Señales" esta da miedo por momentos, "La aldea" (The Village) difícil película que algunos no entendieron y criticaron duramente pero que me parece tiene gran valor y mucha discusion, "La Dama del Agua" (Lady in the Water) impersonal y atrayente que encierra una fantasía sobrenatural, "El fin de los tiempos" (The Happening) impactante y con una fotografía pocas veces vista en el cine pero también no tuvo la valoración que se mereció en su momento, tal vez sea sobrevalorada en un futuro. Y por ultimo "El ultimo maestro del aire", su ultimo trabajo y la que nos trae aquí.
La película es regular y solamente daré los pro y los contra. Basada en un anime que nunca vi y no es necesario ver para visionar "El Ultimo maestro del Aire" que habla de que hace un tiempo atrás cuatro elementos dominaban el planeta: el agua, aire, fuego y tierra. La guerra se desata por quien domine sobre cada uno de los poderes, sin embargo hay alguien unico y quien maneja los cuatro elementos, el Avatar. He aqui el desarrollo del por momentos pesado argumento que trata de explicar todo el tiempo la historia, con planos y contraplanos, pero que se desplaza con excelentes efectos especiales que si se los mira sorprenden, con cámaras que giran velozmente poniendo estilo al asunto. Sin embargo no atrapa, su objetivo de publico es para niños, sin embargo no limita a un adulto.
Shyamalan nos da un cine diferente, y eso es valorado, por lo menos de mi parte, tal vez esta no sea su mejor película pero yo sigo apostando a este excelente realizador que cada vez que propone deslumbra.

Calificación:
Regular

Trailer: