Days of Heaven

Días del Cielo

Origen: EE.UU
Director: Terremce Malick
Reparto:Richard Gere, Brooke Adams, Sam Shepard, Linda Manz, entre otros.
Genero: Drama
Año: 1978

Sinopsis:
Bill y Abby, una joven pareja, deciden abandonar la pobreza y la dura vida que llevan en el Chicago de 1916. Los dos, junto a Linda, la hermana de Bill, viajan hacia las grandes zonas de cultivo de cereales de Texas, donde encuentran trabajo como braceros en una granja. Al finalizar la cosecha, el joven y apuesto patrón, que cree que los tres son hermanos, les pide que se queden porque se ha enamorado de Abby. Al fianal algo inesperado ocurrirá que cambiara sus vidas para siempre.

Critica:
Es toda una travesía criticar una película de Terence Malick por su enorme profundidad de pensamientos y reflexiones que conllevan todas sus realizaciones, y es una gran responsabilidad para mí tratar de darle dirección a mis banales palabras y de escribir con criterio sobre esta maravillosa obra llamada “Días del Cielo”. Ojala llegue a cumplir mi objetivo, al menos un poco.
Malick es una persona muy especial y a modo personal es uno de mis directores preferidos, su filmografía es austera pero efectiva, cuenta con un total de seis películas hasta la fecha y mas de 20 años de carrera. Las seis películas se conforman de “Malas Tierras”, “Días del Cielo”, “La delgada línea roja”, “Un nuevo mundo”, "El árbol de la vida" y su ultima "To the Wonder". Filosofo y profesor universitario lleva una vida totalmente alejada de la industria comercial del cine, mas bien yo diría que prefiere y quiere mantenerse lo mas alejado posible de esto, se mantiene oculto ante cualquier entrevista o reportaje. Se jacta de dirigir y escribir sus películas y esto vale mucho ya que tiene un gran poder del manejo del cine.
“Días del cielo” es una historia que ocurre poéticamente entre el cielo y el infierno, refiere directamente a la condición humana y a un sentido biblico. Sus personajes son conflictivos y reales, son demonios y ángeles. Las voces son tres Bill (Richard Gere), Abby (Mujer de Bill) y Linda (hermana de bill), derrotados por la pobreza en aquel año (1916) van en busca de trabajo en las grandes cosechas y cultivos de trigo, para así poder vivir. El caso comienza cuando aparece el dueño de estas tierras, un hombre relativamente joven, solitario y con mucho dinero. Este sin mas se fija en la mujer de bill, claro este ultimo le dice a Abby que se haga pasar por su hermana y así poder aprovechar la situación y al fin así poder vivir mejor, abby convencida por ridículos pero efectivos argumentos  llevar a cabo este engaño acercándose afectivamente a este hombre rico. Lo que sigue es ver como Abby pasa los días con su hombre que resulta sorpresivamente bueno, sensible y considerado. Poco a poco la historia, los personajes y el film van en descenso a los infiernos. Amor, celos, enfermedad, muerte, miserias y perdidas serán las constantes a lo largo de la obra.
Claro que hay una tercera voz, que viene a ser Linda (hermana de bill), una niña en pre adolescencia que es puesta inteligentemente por Malick como si fuera la voz del espectador y del propio director, con reflexiones existencialistas como nos tiene acostumbrado el mentor y con frases y pensamientos que llegan con gran profundidad. Esto me trae a su anterior y primer película “Malas tierras” (Recomendado visionado) en la que la protagonista tambien lleva la voz y expone pensamientos filosóficos que desgarran al espectador, “Días del…” plantea mas o menos lo mismo al proyectar preguntas tan reflexivas como ¿quienes somos?, ¿Dónde vamos?, ¿Porque somos bondadosos y a la vez perversos?.  Linda reflexiona sobre dilemas de la vida y de la condicion, como cuando dice las maravillosas líneas: “Nadie es perfecto. Nunca hubo una persona perfecta en el mundo, uno solo es mitad diablo, mitad ángel”. El dileme de estar entre el cielo y el infierno.
Con respecto a datos cinematográficos, Néstor Almendros gana un Oscar por mejor fotografía, contiene planos llenos de paisajes naturales como toda obra de Malick, pero déjenme decirles que hay una secuencia realmente sorprendente en la que vemos desde dentro de la tierra como nace y crece una semilla para luego ser arrancada, perfecto. Es un proceso vivo.
La conclusión es fuertemente positiva, y espero no haberme dejado llevar por pasiones personales, pero el cine de Malick es profundo, reflexivo, humano.“Días del cielo” nos deja pensativos. Y nos deja un mensaje tan claro como atroz, pase lo que pase el mundo sigue con su rutinario vacío. Y así será.

Calificación:
Muy Buena

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Hereafter

Más allá de la vida

Origen: EE.UU
Direccion: Clint Eastwood
Reparto: Matt Damon, Cécile de France, George McLaren, entro otros.
Genero: Drama
Año: 2010



Sinopsis:
Narra paralelamente la historia de tres personajes que han tenido algún tipo de contacto con la muerte: una periodista de la televisión francesa (Cécile de France), que estuvo a punto de morir durante el tsunami que asoló el Sudeste asiático en las Navidades de 2004; un niño (George McLaren) de Londres que pierde a la persona que más quería en un terrible accidente, y un norteamericano (Matt Damon) con el don de poder comunicarse con los muertos.

Critica:
¿Donde vamos? ¿Que pasa al dejar este mundo? ¿Que es de nosotros? ¿Hacia donde iremos al partir? muchas preguntas pueden surgir y hasta podemos llegar a los mas alto de la cinefilia misma. Films mas críticos o menos críticos, films mas explícitos o mas retóricos. Al fin de cuentas es lo que importa, esa discusión en esta película intrigante del después y dejar la duda es lo que nos hace existir.
Clint Eastwood es el director de esta película y eso significa mucho, al menos en lo que a mi respecta. Y otra vez espero no dejarme llevar por pasiones personales en el proceso de construir una idea, un análisis o una critica de la simple y maravillosa "mas allá de la vida", su ultima realización. Las películas de Eastwood son simples y llanas en esto estamos de acuerdo, giran en torno al quiebre de los protagonistas, a un evento o suceso de alguno de los personajes. Es un cine que nos da mas allá de todo momentos de la vida, momentos reales, principalmente su ultimo cine y todas sus ultima realizaciones. Es alguien que ya se pregunta sobre el final con su elevada edad, por eso habla sobre ello y quien mejor que él para hacerlo.
"Mas allá de la vida", cuenta la historia de tres personas que de alguna manera tienen relación con la muerte o con el mas allá. Uno es un vidente (léase psíquico) condenado por su Don de visiones, otra es una estrella de t.v que pasa por una experiencia cercana a la muerte y finalmente un niño de 12 años que pierde repentinamente a su hermano gemelo. Todos ellos de alguna manera formulan sus propias preguntas y tratan de darles respuesta. Al fiel estilo del mentor la simplicidad es lo que enmarca estas historias. Soledad, Dios, muerte, redención, tristeza, arrepentimiento, recuerdos, misterio son algunas variables que describen este argumento.
El nivel técnico y de actuación realmente son alucinantes, la cámara se desliza con total belleza y sentimiento, la musica acorde al climax y los actores encajan en las historias haciéndolas totalmente creíbles. Clint es alguien con experiencia, sabe lo que hace, no hay duda de ello y sobre todo es lo que mas se valora, la etapa en la que alguien hace lo que quiere. No hay excusas ni explicaciones que dar por ello.
No hace mucho sobrevalore algún que otro director, incluido Eastwood, y repasando sus obras con gran interés me doy cuenta que disfruto mucho de sus películas, algunas mas y otras menos por supuesto pero por sobre todo encuentro un lugar cómodo en donde de principio a fin veo en esas historias momentos memorables -MAS GRANDE QUE LA VIDA- lugares comunes que llenan el alma, a veces vaciada de tanto en tanto y que sirven como un refugio en la que me gusta, o mejor dicho, nos gusta estar mas de una vez como espectadores. Y eso es algo que agradezco.
Finalmente concluimos con que es una historia mas, una película mas, un momento mas como lo es esta vida, lejos de sonar reflexivo y constructivo en mi critica encuentro un punto en común, el lugar de placer al ver esta película que por supuesto encerró en mi un lugar de preferencia. El mensaje es claro, así como la conclusión, no hay certezas de nada, mas allá de las creencias o no creencias nadie sabe exactamente que va a pasar cuando llegue el momento de irnos. Y el tiempo pasara y esas preguntas con la que empecé esta critica resonaran una y otra vez a lo largo de nuestras vidas. George, en uno de los grandes momentos del film, le hace una lectura a Marcus, este desesperado buscando respuestas de su hermano que se fue sin avisar y de repente, le pregunta devastado y entristecido ¿Donde fue? Hacia donde va? como si fuera la vos y la pregunta de nosotros mismos también en la búsqueda de esa respuesta... y en la que George responde memorablemente casi como la mejor conclusión:
No lo se Marcus no lo se.

Ser inmortal es Baladí; menos el hombre, todas las criaturas lo son, pues ignoran la muerte; lo divino, lo terrible, lo incomprensible, es saberse inmortal. ("El Inmortal", Jorge Luis Borges).

Calificación:
Muy Buena.

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Black Swan

Cisne Negro

Origen: EE.UU
Direccion: Darren Aronofsky
Reparto: Natalie Portman, Mila Kunis, Vincent Cassel, entre otros.
Genero: Drama
Año: 2010


Sinopsis:
Nina (Natalie Portman), una brillante bailarina que forma parte de una compañía de ballet de Nueva York, vive completamente absorbida por la danza. La presión de su controladora madre (Barbara Hershey), la rivalidad con su compañera Lily (Mila Kunis) y las presiones del exigente director (Vincent Cassel) se irán incrementando a medida que se acerca el día del estreno.

Critica:
A veces confundimos, me incluyo, que la película es buena en la medida que esta toma mayor grado de impacto. Que quiero decir con esto, en cuan benevolente sea, en cuan capciosa sea, me explico, cuando el objetivo termina siendo poco visible o ni siquiera se termina de comprender.
Hace un tiempo lei una entrevista a un crítico de cine muy respetado , ya casi retirado, en la cual le preguntaban qué opina de las nuevas películas, el cine actual, y si mira este mismo, él dijo que a veces no miraba mucho porque simplemente no las entendía, el entrevistador vuelve a preguntar, ¿Y por qué? Entonces respondió – siento que se tratan de manipular las historias para, tal vez, crear mayor impacto, asombro, que al final de cuentas se pierde el hilo de los que realmente el director quiere mostrar o decir, el objetivo-. Tambien dijo que le gustaban los directores que cuentan historias a la vieja usanza, que simple y llanamente cuentan un principio y un fin, que se entienda. Por ejemplo “La isla siniestra” de Scorsese es un film de “impacto” pero esta tan bien contada que no pierde nunca del núcleo central de la historia, termina la película y todo el argumento, por mas giros o vueltas que de, concluye al fin. Es simplemente un ejemplo entre tantas buenas películas como directores existen actualmente.
“Cisne Negro” cuenta la historia de una chica llamada “nina”, la cual tiene un único fin en su vida, bailar clásico e interpretar “el lago de los cisnes”, todo lindo hasta que su meta u objetivo se convierte en obsesión, llena de violencia, enfermedad y doble personalidad.
La interpretación de “Natalie Portman” es brillante, se encarga de ponerle realidad al oscuro y nubloso personaje que le toca interpretar esta vez. Su labor es mostrar lados oscuros y claros, cisne blanco y cisne negro. Crea formas insostenibles en momentos, violenta en otros casos. Los demás personajes como la madre de nina, y el profesor (seudoabusivo) están más que bien.
La cámara inquieta, en mano, y planos detalles casi en la totalidad de la película crea un ambiente tenso, inseguro y sobre todo intrigante para el espectador. Esto, bien logrado por “Aronofsky”. Hay escenas que son majestuosas y bien logradas, con una intensidad sorprendente en la que parecemos movernos junto al protagonista. Bien filmado!
Que decir, lo mejor es ver esta película con la mayor calidad y pantalla posible, cosa difícil, posiblemente lo mejor sea el cine, que no es mi caso en ningún aspecto. En tanto es una película que vale la pena ver, es sorpresiva y entretenida. El impacto mayor se produce sobre el final, en la que cualquier espectador quedara enteramente atrapado en ella.

“Finalmente aceptamos la realidad, acaso porque intuimos que nada es real”. (Jorge Luis Borges)

Calificación:
Regular

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Crimes and Misdemeanors

Crimenes y pecados

Origen: EE.UU
Direccion: Woody Allen
Reparto: Woody Allen, Alan Alda, Claire Bloom, entre otro.
Genero: Drama/Comedia
Año: 1989


Sinopsis:
Judah y Clifford son dos hombres enfrentados a ciertos dilemas morales de diferente gravedad. Judah, reputado oftalmólogo, pretende terminar su relación con su amante, Dolores, que amenaza con contarlo todo y destruir su vida si la abandona. Su hermano Jack le ofrece la posibilidad de asesinarla. Por su parte, Clifford es un director de documentales que se ve obligado a rodar una película sobre su cuñado, al que desprecia.

Critica:
“Crímenes y pecados” es uno de esos films que agregaría a la lista de películas que una persona tiene que ver en algún momento de su vida si o si, simplemente por el fiel e interesante contenido que tiene de fondo esta historia y la reflexión en tanto a una discusión a plantear y con la que se puede abordar esta película.
Básicamente son dos personajes centrales equidistantes uno de otro que finalmente se cruzaran sobre el final de la historia. Uno es Judah, un reconocido y exitoso Oftalmólogo que al comenzar, se muestra lo solida que es su profesión y el ejemplar padre de familia que es. Por otro lado, tenemos a Cliff, un hombre que se dedica y gusta de hacer películas documentales sobre personajes intelectuales y poco comerciales. Hasta el momento todo parece normal e imperturbable hasta que el desenlace nos devela que Judah tiene un amante llamada Dolores, la cual está decidida a hablar con su mujer y contarles las irregularidades tanto de la pareja como del manejo de dinero sospechoso que ha tenido Judah, lo que develaría algo turbio y oculto en este personaje exitoso. Y Cliff un hombre disminuido en todo sentido, su mujer lo minimiza, no luce como un triunfador y es tan fiel a sus principios que le terminan jugando en contra de alguna u otra manera en el trascurso de la historia. Pese a esto en un determinado momento conoce a Holly una joven y bella productora que trabaja grabando con disgusto la vida de su cuñado “famoso” , luego será Cliff quien trabajara para ello ante un proyecto poco feliz y en contra de sus preciados principios pero redituable económicamente. Holly es quien dará el halo de luz y felicidad a Cliff ante los vínculos infelices que tiene en su hogar.
La moralidad, el pecado y el superyó son las constantes que forman parte de esta película que al fiel estilo Allen no deja de hacernos pensar y reír. Los dos personajes Judah y Cliff tienen algo que los une en sí, no es por sus historias que son completamente diferentes sino que ponen en relieve la relación entre las personas, los vínculos, la pareja y la familia corrompida, de ahí en más cuanto juega lo moral , el pecado, la culpa y el castigo. Ante cada acción y cada desilusión hay algo que nos juzga, la pregunta es ¿Podremos soportarlo? ¿Podremos seguir viviendo con la desilusión? ¿Soportar la culpa y el castigo? ¿Ser nosotros el propio cielo y el propio infierno?
En conclusión es una película más que interesante, con un tema tratado profundamente de manera muy solida y con un argumento atrapante, que no deja ninguna duda de que somos seres vulnerables hacia afuera y hacia adentro. Demostrando de esta manera que las acciones van mucho más allá de cualquier peso, y que es el peso de uno mismo, de la propia creencia.

Calificacion:
Excelente

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Youth Without Youth

Juventud sin Juventud

Origen: EE.UU
Direccion: Francis Ford Coppola
Reparto: Tim Roth, Alexandra Maria Lara, Bruno Ganz, entre otros.
Genero: Drama/Fantastico
Año: 2007


Sinopsis:
Dominic Matei (Tim Roth) es un anciano profesor cuya vida sufre un cataclismo en los oscuros años previos a la Segunda Guerra Mundial. Tras ser alcanzado por un rayo, Dominic no sólo se mantiene con vida, sino que rejuvenece. Este hecho interesa a los nazis, que pretenden investigar y experimentar con Dominic, así que éste se ve obligado a huir y a falsificar su identidad para no ser descubierto.

Critica:
A veces no basta solo con entender sino de sentir, la razón nos suele crear obstáculos que clausuran el camino de la conciencia y el devenir de las cosas. Sin mas: Inteligencia, libertad, amor, tristeza, fluir, existencia, desesperacion, edad, desaparición, recuerdo, lo onírico y la vida son los elementos de los que se nutre Juventud sin Juventud o por lo menos algunos, película que marca el retorno de Francis Ford Coppola después de casi una década de ausencia cinematográfica como realizador no así como productor, anterior a Tetro Juventud sin Juventud es una película de bajo presupuesto muy personal y experimental. Adelantandonos Juventud sin ... tiene fallas pierde el equilibrio entre la ficción y la realidad que propone, pero es eso y punto, la no normalidad o lo nuevo trae consecuencias a veces malas para todos, lease publico y realizador. La experimentación en el cine es algo que pocos hacen, de forma seria, pensando en vos alta bien podría Coppola quedarse en el lugar que le queda mas cómodo y que ya sabemos cual es, pero no, decide arriesgar, se encarga de todo, produce, escribe y dirige para que tal vez no queden dudas.
La película trata de un tipo (Tim Roth) profesor de lingüística que se quiere suicidar, y en su camino al objetivo le cae un rayo que, alejándolo de la muerte, lo revive y lo hace ser mas joven e inteligente. Entre esto el nazismo anticipa lo que va a ser la segunda guerra mundial y son los que mirar muy de cerca a este individuo que después de un rayo pasa a ser alguien único. Luego una segunda parte en la que conoce a su amor, quien le recuerda a su amada de cuando joven y la que ahora no esta, es también quemada por un rayo y a la que convierte en sentido onírico en una persona espiritual que habla en un idioma muy antiguo y es aquí donde se conectan con Tim Roth.
No hace falta entrar en detalles ni poner en duda la calidad cinematográfica que antepone a Coppola, la maravillosidad de la fotografía (Mihai Malaimare Jr.) es sorprendente y de mucha belleza. La película tiene una poética muy singular, y un sentido o si se quiere un lenguaje muy propio del mentor. Su ultimo cine es muy primitivo, muy jugado, muy inicial y eso es altamente valorado para quienes buscan nuevas fronteras cinéfilas. Y de verdad se lo agradezco.

Clarificación:
Buena

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Doubt

La Duda

Origen: EE.UU
Director: John Patrick Shanley
Reparto: Meryl Streep, Philip Seymour Hoffman, Amy Adams, entre otros.
Genero: Drama/Intriga
Año: 2008

Sinopsis:
Estamos en 1964, en la iglesia de San Nicolás, en el Bronx. El padre Flynn (Philip Seymour Hoffman), un brillante y carismático sacerdote, intenta desafíar las estrictas reglas que la hermana Aloysius Beauvier (Meryl Streep) lleva custodiando desde hace años con mano de hierro. Ella es la directora del colegio y cree ciegamente en el poder del miedo y la disciplina. Los cambios políticos están llegando a todos los estratos de la sociedad y la escuela acaba de aceptar a Donald Miller, su primer estudiante negro. Pero la hermana James (Amy Adams) hace saber a la hermana Aloysius que el padre Flynn está prestando una atención demasiado especial al muchacho.

Critica:
"Jhon patrick Shanley" escritor y director de "La Duda", película que posee una visión muy interesante sobre las organizaciones eclesiásticas y la moral cristiana, y que también se anima a plantear cosas osadas y muy arriesgadas frente a un tema tabú como es la religión y sobre todo la posición que toma, sin embargo lo hace con mucha inteligencia y esa es la virtud con la que cuenta esta película.
Narra la historia de un cura (Hoffman) progresista y simpático de fines de los sesentas que es acusado por una monja (Streep) conservadora y muy autoritaria, de cometer actos de pedofilia hacia un alumno de una escuela.
Las actuaciones de Hoffman, lo cual me queda claro que este tipo puede hacer cualquier papel de forma increíble y Streep, excelente actris sin duda, nos dejan perpetrados con diálogos con una carga emocional de primera linea. Sin embargo no van de la mano con la puesta visual y sonora que contiene esta película ante situaciones llenas de sospechas y personajes en conflicto, en concreto hay momentos que no trasmiten cierto clima de tensión.
Creo que "La duda" se preocupa mas por los temas que trataba que por el medio que utilizaba para abordarlos. --*Spoiler-- momentos como cuando las monjas steep y adams citan a hoffman a la dirección para indagar sobre la supuesta sospecha de pedoflia de parte del cura hacia un alumno se genera un clima de velocidad e interrupciones constantes que hay que reconoce que es un excelentísimo trabajo de tempo de filmacion, muy bien manejado. Y la escena final me pareció necesaria, después de verla no me imagine un mejor final.
Sin mas, la conclusión es positiva, al verla nos damos cuenta que tenemos algo interesante ante nosotros y a ver si los convence o les deja -la duda-.

Aloysius Beauvier dice: Hay James... tengo dudas, tengo tremendas dudas.

Calificacion:
Buena

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Our Beloved Month of August

Aquel Querido Mes de Agosto

Origen: Portugal/Francia
Director: Miguel Gomes
Reparto: Sónia Bandeira, Fábio Oliveira, Joaquim Carvalho, entre otros.
Genero: Drama/Falso documental
Año: 2008

Sinopsis:
En el corazón del Portugal montañoso, el mes de agosto reúne un gran gentío y alboroto. La gente vuelve a su país, tiran fuegos artificiales, luchan contra los incendios, hacen karaoke, se lanzan desde puentes, cazan jabalíes, beben cerveza, hacen hijos.

Critica:
Ente el cansancio, un día de semana cualquiera y ganas de ver algo, me arriesgue y puse en mi reproductor de dvd una película llamada "Aquel querido mes de agosto" de Miguel Gomez, película que había ojeado en la revista "El amante" hace ya un tiempo atrás. Sin mas comencé a verla y rápidamente note dos cosas, que es una película interesante pero a la vez poco común, sin embargo con esto plantea originalidad, innovación y rareza, de alguna manera tres elementos poco convencionales.
"Aquel querido..." comienza como un documental o al menos asi parece y se va desarrollando integrando fragmentos de música en vivo (en demasía), anécdotas de personas frente a cámara, paisajes y demás, lo cual todo esto va tomando una cierta lógica interna y narrativa, para terminar con esa ultima hora que se perfila definitivamente al cine de ficción, se cuenta una historia argumentada.
En toda la película hay una linea fundamental y que "Gomez" arriesga en todo sentido, la de preguntarnos ¿Es un documental? ¿Es una ficción?, tal vez sean las dos o no y eso es lo interesante, pero lo que queda claro es que no se define por si sola sino le da al espectador el señalador y que al fin es el que decide o tiene la ultima palabra. Ejemplos de como el director discutiendo con el productor sobre el guión o un casting no realizados puede despejarnos toda idea sobre el film y dar ambiguedad a la cosa. Se trangrede todo el tiempo y se cuestiona la noción del genero, y esto es definitivamente lo que busca el director, desvía el guión original, cuestiona y pone en duda la institucion del cine, cambia el concepto, pone a la música como un personaje mas.
En contra, es lo poco común que vemos, o sea lo no conocido siempre trae incomodidad y el bombardeo de música en vivo que aparece se torna insoportable y por ultimo me parece que tiene una alta duración teniendo en cuenta el objetivo de la película.
En fin, se puede hablar y discutir horas, sin embargo me parece divertido que el cine juegue de otras formas y arriesgue, aunque a veces gane o pierda pero "Aquel querido..." deja un camino interminable y ambiguo. A veces aquello que iba a ser de una manera termina siendo de otra, inefablemente.

Calificación:
Regular

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Mean Creek

Rio Maldito

Origen: EE.UU
Director: Jacob Aaron Estes
Reparto: Rory Culkin, Ryan Kelley, Scott Mechlowicz, entre otros.
Genero: Drama
Año: 2004


Sinopsis:
En una pequeña localidad de Oregón, cuando el tímido Sam (Roy Culkin) cuenta a su hermanos que ha sido acosado por otro niño, su hermano y los amigos de éste intentarán atraer a áquel al bosque para humillarle y buscar su venganza.

Critica:
"Mean Creek" o "Rió maldito" (titulo latinoamericano) es una gran película de bajo presupuesto donde deja en claro de como una simple historia puede tomar alto vuelo.
Al comenzar a verla note una gran referencia hacia "Deliverance" del genio y visionario Boorman, hay un paralelismo notorio y claves que equidistan de la referencial, y parecen salir de un mismo argumento. Sus historias hablan de "el después" de una situación trágica, y de como un viaje divertido y placentero en el caso de "Deliverace" o una situación bromista con aires vengativos en el caso de "Mean Creek" se puede convertir en una difícil situación, y a partir de ahí como resolver y seguir viviendo con ese peso y como pese a todo siempre hay que seguir. Las dos son películas duras, muy dramáticas que dejan entre ver el interior de las personas hasta donde son capaces sabiendo que están respaldadas por alguien y como se dejan llevar por lo primario de sus emociones.
La historia se centra en un grupo de amigos entre ellos dos hermanos la cual salen a navegar en el rió de la localidad de Oregon claro que este viaje tiene un objetivo que es hacerle una broma a uno de ellos George un obeso y abusivo chico que días antes golpeó a Sam, la cual quiere vengarse con la ayuda de su hermano mas grande y amigos. Todo parece mas o menos normal y sin riesgo alguno hasta que ocurre lo impensado que cambiara el resto de sus vidas.
Segunda pelicula de "Jacob Aaron Estes", hace que esta historia funcione gracias a diálogos fluidos y el gran electo de actuación que completan esta película que recae en un cine que ya poco solemos ver en estos tiempos. Sin demasiados ajustes de cámaras se hace lo que una vez hizo Boorman, imagenes realistas con actores realistas valga la redundancia.
En conclusion, Mean Creek es una pelicula que supo atraparme en todo su desarrollo, nunca se fue de su objetivo con un final bien resuelto y reflexivo. Con estos elementos bastara para entretenernos y deslumbrarnos. Al menos uno luego se siente mejor.

Calificación:
Buena

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Defendor

Defendor

Origen: Canada
Director: Peter Stebbings
Reparto: Woody Harrelson, Kat Dennings, Elias Koteas, entre otros.
Genero: Drama
Año: 2009


Sinopsis:
Un hombre llamado Arthur Poppington (Woody Harrelson) mezcla en su mente la realidad y la fantasía. Por momentos es una persona más de la sociedad, pero curiosamente desarrollará una faceta como superhéroe. Conocido bajo el nombre de Defendor, buscará a su archienemigo por las calles de la ciudad luchando contra la delincuencia.
Una prostituta (Kat Dennings) se cruzará en su camino y le ayudará en su tarea de reducir al Capitan Industria.

Critica:
"Defendor" es un grito a una sociedad cada vez mas peligrosa y deseosa de que un día venga un superheroe salvador y nos rescate de alguna situaciones difícil o particular. Peter Stebbings, escritor y director de esta película que hoy nos trae a comentar y que sin lugar a duda supo llevar a cabo con presicion y dejarnos al menos una sonrisa a pesar del desenlace derrotador.
La historia no es otra cosa que un tipo, Arthur (interpretado por el maravilloso Woody Harrelson) que le faltan algunos tornillos en la cabeza, viste un traje negro con una "D" en tu pecho hecha con cinta adhesiva y usa como defensa un garrote y poderes como tirar unas canicas a su contrincante o un frasco lleno de avispas enojadas, actúa como un superheroe por las calles llena de peligros, drogas, violencia, maltratos y delincuencia. Pero su objetivo es terminar con lo que el llama Capitan Industria, este sera la tuerca del argumento, tal vez sea la que le falta.
Si miramos la historia en si no tiene nada de interesante o ideado fielmente, pero hay algo en el personaje que te genera un lugar de comodidad y certeza. La cosa comienza con este superheroe encarcelado, contandole a una psicologa intrigada por este particular personaje los hechos que lo llevaron a ser este salvador sin poderes y de ahí parte una linda historia.
La chica que lo acompaña Kat Dennings, que interpreta a una prostituta drogadicta sin esperanza en la que Defendor salva de un abuso y que ella trata de devolver ayudandolo en algunas acciones, este es tambien otro eje importante en la historia ya que Defendor cambia la vida de esta pobre chica y le da un viento de esperanza. Las actuaciones son bien resueltas, Woody se a consagrado en estos últimos tiempos donde sus personajes en diferentes rangos y rubros son muy bien llevados, este personaje requiere de mucha fuerza tanto física como racional.
"Defendor" no es otra cosa que una simple película que sabe dar el golpe, sacarnos una sonrisa y toparnos con un final pocas veces imaginado en este tipo de película. De aquí en adelante les dejo a ustedes el mayor de los criterios para ver y decir.

Calificacion:
Buena

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Buffalo '66

Buffalo '66

Origen: EE.UU
Director: Vincent Gallo
Reparto: Vincent Gallo, Christina Ricci, Ben Gazzara, entre otros.
Genero: Drama
Año: 1999


Sinopsis:
Es invierno en Buffalo, Nueva York. Billy Brown acaba de salir de la cárcel después de cinco años tras una apuesta poco acertada que no pudo pagar. Sin embargo, ha engañado a sus padres diciéndoles que trabaja para el Gobierno en un importante proyecto y que está casado con una preciosa joven. Desesperado por impresionar a sus padres, y sin esposa o novia de ninguna clase, Billy rapta impulsivamente a Layla y la obliga a representar el papel ante sus extravagantes progenitores.

Critica:
Pequeña pero buena película del ejecutor y realizador de esta historia Vincent Gallo. Su nombre es bastante conocido mas por el lado de la actuación que por el lado de la dirección de cine sin embargo da un buen parecer frente a la critica del mundo y realiza sus películas independientes con total movilidad o así parece ser (En su haber lleva tres peliculas). Vincent esta vez realiza su film en un todo en uno, o sea escribe, dirige, protagoniza y le pone música.
La historia relata un Billy Brown (Vincent Gallo) que sale de la cárcel después de cumplir su condena por culpa de un apuesta que no pudo pagar. Sin embargo sale de la cárcel con un resentimiento desgarrador hasta que se cruza con una sensual y enamorada Layla (Christina Ricci) que es secuestrada por Bill para cumplir un papel ante sus padres un poco raros que no saben de su encarcelación y sus fracasos. Y buscara venganza en quien él cree culpar por su interrumpida vida.
Mas o menos de eso trata la cosa y dejemos en claro que en cuanto a las actuaciones son los dos unos genios tremendos, tal vez algo negativo es que en algunos momento Vincent sobreactua un poco la penosa vida que lleva el personaje pero le da estilo y un toque casi mágico con la fantástica Christine Ricci que sin duda tiene un talento pocas veces visto, sus expresiones son claras y de muy buena actuación.
La cámara que pone Vincent esta mas que bien, busca todo el tiempo encuadrar la escena, tal vez sea un buen trabajo de fotografía, y darle belleza a la película enfocado siempre sobre los dos protagonistas. Con pocos movimientos logra obtener un cine que muchos envidiarían.
Mas allá de la pequeña historia y un final criticado a mi personalmente me gusto porque deja al espectador una sonrisa al despegar de su sillón y eso vale de mucho en estos tiempos.

Nota: Fuerte critica a la vida americana.

Calificación:
Buena

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Carancho

Carancho (Estreno de cine)

Origen: Argentina
Director: Pablo Trapero
Reparto: Ricardo Darín, Martina Gusman, Darío Valenzuela, entre otros.
Genero: Drama / Suspenso
Año: 2010


Sinopsis:
Sosa (Ricardo Darín) es un abogado que ha perdido su licencia y que vive gracias a su participación dentro de una asociación ilícita que regentea personas que provocan accidentes automovilísticos para así estafar a las aseguradoras. Luján (Martina Gusmán) es médica de un hospital ubicado en algún lugar del Gran Buenos Aires. Sosa y Luján cruzarán sus destinos, vivirán una lujuriosa historia de amor. Mientras, se involucran en un mafioso caso policial e intentan huir del destino.

Critica:
Pablo Trapero, director de esta y muchos buenos largos como la maravilloso “Mundo grúa”, “El Bonaerense” o “Leonera”, cabe destacar que con "Carancho" cierra el circulo para terminar de consagrarse como excelente realizador argentino, y con orgullo.
La historia crea un paralelismo entre una realidad social sobre la corrupción y los negociados que ligan a abogados, policías, médicos y compañías de seguro (justicia, seguridad, salud pública y empresa privada) y un amor imposible con una joven medica que desconoce esta oscura realidad.
Es un verdadero placer ver a Darin que con “Carancho” se termine de consagrar como uno de los mejores actores de cine de la argentina y que da indicios de poder interpretar cualquier papel, que en este caso requería de una interpretación más corporal, mas unísona, algo diferente a lo que venia haciendo. Supo meterse en el llamado Universo Trapero mostrándose crudo y en pleno movimiento con fluidez y credibilidad. También a Martina Gusmán interpretando a Lujan, la medica, y a la que ya habíamos visto en un excelente trabajo como madre en “Leonera” y que no queda ninguna duda de su habilidad como actriz.
Trapero muestra una interesante maestría narrativa, no en esta nada más, sino en todas sus realizaciones pero en “Carancho” se nota que puso todo lo que tenia, léase habilidad, recursos, dinero y demás. Con excelente trabajo de cámara, mucho movimiento y planos desarticulados, secuencias de gran profundidad y una fotografía como ya nos tiene acostumbrado Julián Apezteguía (Crónica de una fuga, La sangre brota). El espectador se mete de lleno en la dura historia y queda atrapado hasta el final. Solo voy a decir que la secuencia final es deslumbrante, nada que envidiar al cine norteamericano (sin preconceptos por favor).
“Carancho” es una película audaz, difícil, arriesgada, extrema y sin perjuicios. Creo que estamos delante de una obra de excelencia y que nos anuncia un buen futuro en el cine Argentino, y eso esta mas que bien.

Calificación:
Muy Buena

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La Sangre Brota

La Sangre Brota

Origen: Argentina
Director: Pablo Fendrik
Reparto: Arturo Goetz, Nahuel P. Biscayart, Guillermo Arengo, Stella Galazzi, entre otros.
Genero: Drama
Año: 2008

Sinopsis:
Arturo (Arturo Goetz), un parsimonioso taxista de sesenta años, tiene que conseguir dos mil dólares en menos de 24 horas. Su hijo mayor, Ramiro, que se fugó de casa hace cuatro años, acaba de llamar desde Houston pidiéndole ayuda urgente. Su esposa Irene guarda celosamente unos ahorros que no piensa cederle a Arturo para que ayude a Ramiro.

Critica:
“La Sangre Brota” segunda película de Pablo Fendrik, director y guionista, realizada tras su muy aclamada opera prima que fue “El Asaltante” (2007) presentada en el Bafici de ese mismo año.
La trama gira en torno a una familia de clase media venida a menos, que recibe la llamada de uno de sus hijos que vive en el exterior pidiendo dinero para regresar, la madre se niega rotundamente a sacrificar el dinero que tenia ahorrado para un torneo de cartas. Por otro lado el padre conseguirá, o tratara, de conseguir la suma cuanto antes, mientras que su otro hijo divaga por las calles en busca de sexo casual con planes de irse a la costa a vender drogas y así juntar plata para irse con su hermano.
Más allá de estos hilos centrales, la película muestra relaciones rotas e indiferentes como también personajes que viven al límite, y plantea temas como el desamparo, la miseria humana, carencia de afectos, el desempleo, el abandono, relaciones por conveniencia y así podríamos seguir ya que estos son alguna de las cuestiones que trata.
La cámara de Fendrik acompaña a los personajes de cerca, tiene una técnica parecida al cine de los hermanos Dardenne, movediza por momentos como asfixiando a los personajes y un gran manejo del exterior dándonos mucho realismo con escenas en plena ciudad muy bien resueltas.
Las interpretaciones están a cargo de Arturo Goetzt, en el papel del padre, actor que ya había trabajado en “El Asaltante”, y Nahuel Pérez Biscayart en el papel de Leandro, personaje muy interesante y casi hecho para él, este hace un trabajo extraordinario de un chico oscuro que lleva una vida totalmente aislada y sin comunicación. Y también destacar a una niña de 14 años, que en su trabajo emana inocencia en una interpretación sumamente tensa y dura.
La película en general crea una atmósfera pesada y angustiosa, en el buen sentido de la palabra, sus personajes son ambiguos, pacientes y que por momentos estallan en pedazos junto al espectador que camina casi por un abismo a lo largo de la trama.
Fendrik promete mucho como realizador, tiene habilidad para hacer historias complejas y se mueve con gran fluidez. No queda más que esperar su próximo proyecto.

Calificación:
Buena

Trailer:

Camino

Camino

Origen: España

Director: Javier Fesser

Reparto: Nerea Camacho, Carmen Elías, Mariano Venancio, Manuela Vellés, entre otros.

Genero: Drama

Año: 2008

Sinopsis:

Pamplona, junio de 2001. Camino (Nerea Camacho), una preciosa y dulce niña de once años, vive sus últimos momentos en la habitación de un hospital. Rodeada de familiares, amigos, sacerdotes y un número inusitado de personal clínico, da a todos un ejemplo de muerte serena y feliz. En una atmósfera de santidad y cuando parece que la muerte es ya inevitable, ocurre algo extraordinario en la habitación. Inspirada en hechos reales.

Critica:

"Camino" es un alegato de la manipulación religiosa, sobre todo en la niñez y adolescencia. Al menos es lo que quiere mostrar a grandes rasgos Fesser, director español con excelentes obras como las recordadas comedias "El Milagro de Petinto" (visión obligatoria por favor) y "La Gran Aventura de Mortadelo y Filemón" películas muy diferentes de la que nos trae aquí hoy esta critica, pero con las mismas variables. Fesser es dueño de una fantasía que plasma con gran habilidad en sus realizaciones, y esto me trae a la memoria una película muy parecida o que sigue la misma linea como lo es "El Gran Pez" de Tim Burton, aun cuando estas historias dan fe de una realidad muy difícil como lo es "Camino" él se las arregla para poner un manto de piedad gracias a secuencias de pura magia y fantasía, y vaya que funciona, dan respiro al espectador ante semejantes adversidades.
Inspirada en hechos reales, narra la aventura emocional de una niña de once años llamada Camino que se enfrenta a dos acontecimientos nuevos para ella: enamorarse y morir, cargando con ella una enfermedad que nos asecha a todos como lo es el cáncer. Critica con fuerza los manejos del Opus Dei en base a conciencias y sus fieles. En la trama existe una fuerte historia familiar cargadas de relaciones rotas y sucesos trágicos del pasado. La niña (Camino) es, sobre todo, una luz brillante capaz de atravesar todas y cada una de las tenebrosas puertas que se van cerrando ante ella, y que pretenden asumir el deseo de vivir, amar y sentirse definitivamente feliz.
En contra, quizás su larga duración (dos horas y pico), y algún toque de humor fuera de lugar, tal vez a modo de suavizar la gravedad del tema, pero que no da resultado.
Es una película demoledora, pero que siempre es bueno ver, te deja sin respiración y nos toca anímicamente. Abre una muy fuerte discusión en contra o a favor de la religión que a veces crea obsesiones y cegueras en las personas que son capaces de llevar su fé a lugares extremos e inhóspitos.
Creo que más allá de todo es una película a favor de la vida y nos propone reflexionar sobre nosotros mismo, nuestras creencias, nuestros errores y afinidades. Tal vez el mensaje sea más simple y nos haga recordar algo que muchas veces olvidamos, vivir.

"He cometido el peor pecado que un hombre puede cometer. No he sido Feliz." (Jorge Luis Borges).

Calificación:

Buena

Trailer:

Tetro

Tetro

Origen: EE.UU
Director: Francis Ford Coppola
Reparto: Vincent Gallo, Alden Ehrenreich, Maribel Verdú, Carmen Maura, entre otros.
Genero: Drama
Año: 2009

Sinopsis
Bennie Tetrocini, de 17 años, llega a Buenos Aires para buscar a su hermano desaparecido hace diez años. El joven Bennie y su familia, emigrantes Italianos en Argentina, se habían mudado a Nueva York debido a la exitosa carrera del padre, Carlo, un renombrado director de orquesta sinfónica. Cuando Bennie por fin encuentra a su hermano mayor, el brillante poeta Tetro, se da cuenta de que es todo lo contrario a lo que él esperaba.

Critica:
A muchos les parece molestar que Francis Ford Coppola haya vuelto a sus raíces como director haciendo películas íntimas, personales y autobiográficas, y rozando al cine independiente dejando de lado a Hollywood pidiendo a gritos una secuela del clásico “El Padrino”, algo muy redituable, económicamente claro. Tetro, viene a darnos un viento de libertad ante la enorme industria del cine.
Ahora Bien, filmada en Buenos Aires la película cuenta la historia de Bennie (Alden Ehrenreich), un joven que baja de un crucero, donde trabaja, para encontrarse con su hermano Tetro (Vincent Gallo). En principio el huraño Tetro lo ignora dejando lugar a su novia Miranda (Maribel Verdú) a cargo de darle espacio y cariño al pobre Bennie. Sin embargo, hay algo que los une: su resentimiento por su padre Carlo, un famoso compositor y director de orquesta. Esto llevara a que la historia gire en torno a su argumento y se descubran secretos inimaginables.
Si hay algo que queda claro de Coppola y lo vemos en toda su amplia filmografía es que tiene un interés muy grande o tal vez una innata obsesión en contar historias de familias, sus relaciones y conflictos, sus ansias y esperanzas. Tetro no es la excepción, ya que trata temas muy profundos como el resentimiento, la soledad, el amor, y tal vez la redención de sus golpeados personajes que se revelan a lo largo de la trama.
Filmada en blanco y negro, con fugaces fotogramas en color, plasmada en una bella pantalla ancha y una excelente fotografía que muestra a Buenos Aires (La Boca) en su aporteñada vida.
Las conclusiones son muy variables, sus desventajas son la falta de argumentos dramáticos para resolver situaciones dispares y escenas finales que se acercan a la ridiculez. Sin embargo, hay logros muy definitorios por parte de quien viene, escenas magistrales que disparan directamente al alma del espectador y buenas actuaciones o al menos creíbles en su gran mayoría. No creo que sea la mejor película del realizador, pero tampoco la peor.
“Tetro” revela a un Coppola en su derecho de experimentar, e incluso su derecho de fallar. Y eso es digno de aplaudir.

“No sueltes la soga que me ata a tu alma”.

Calificación:
Regular

Trailer:

The Man Who Wasn't There

El Hombre que nunca Estuvo

Origen: EE.UU
Director: Joel Coen
Reparto: Billy Bob Thornton, Frances McDormand, James Gandolfini, Scarlett Johansson, entre otos.
Genero: Drama / Comedia
Año: 2001

Sinopsis:
Verano de 1949. Ed Crane (Billy Bob Thornton), es un introvertido barbero de un pueblecito al norte de California. Infeliz con la vida rutinaria que lleva, las sospechas de infidelidad por parte de su mujer, Doris (Frances McDormand), le dan la oportunidad de iniciar un chantaje que podría ayudarle a cambiar su apática existencia.

Critica:
Algo que llama la atención en las películas de los Coen, en su gran mayoría, es como todas las historias giran en torno a sus delicados y profundos personajes que por su parte ellos mismos componen detalladamente. Como el recordado John Turturro de la maravillosa “Barton Fink” o a Jeff Bridges en “El Gran Lebowski” entre otros ejemplos, y dejan a merced de estos todo el egocentrismo y arbitrariedad que pueda desarrollarse en la trama. Dirigida por Joel Coen y escrita por Joel y Ethan Coen, no dejan nada al azar, narrativamente es sorprendente y sus fotogramas son de una belleza inconmensurada en un blanco y negro que hace referencia al cine negro, y una iluminación perfecta, con gran estilo.
La historia narra los sucesos de un barbero contado por él mismo en voz off, que por cierto, acertado recurso, hace que uno se deslice cómodo a lo largo de la película y no pierda el hilo de la trama en ningún momento, este barbero Ed Crane interpretado por el fantástico Billy Bob Thornton, ya hablaremos de él, hace alarde de su insignificante vida imperturbable y tiene la oportunidad de realizar un chantaje, sumado a la duda de que su mujer (Frances Mcdormand) le es infiel, tras estos sucesos su vida podría cambiar rotundamente. De esto para adelante, suceso tras otro va mutando la historia y sin tapujos como nos tienen acostumbrados los fabulosos hermanos directores.
Las interpretaciónes son excelentes es su totalidad, pero destacar a Billy Bob Thorntonen en este caso es preciso, personalmente nunca me fije demasiado en este actor y debo decir que me he perdido de alguien fabuloso, en su papel de hombre tranquilo, desganado y a la espera de algo que cambie su hostil existencia y que fuma un cigarro tras otro, tal vez buscando en el humo algo sanador o que lo saque de su mediocre vida poniendo un sello casi personal en la interpretación y haciendo que uno como espectador sienta lastima, compasión, duda y mucha intriga. También destacar a Frances Mcdormand que interpreta una fría y alcohólica esposa de Ed. Una correcta y muy joven Scarlett Johansson haciendo de una niña que toca extraordinariamente el piano. Y no dejemos afuera al aprovechado y siempre fiel al estilo Tony Shalhoub realizando un excelente papel como abogado.
Sin apuros y con pausados manejos de los tiempos fílmicos, logrando fluidez escena tras escena, preocupados por embellecer cada encuadre y con excelente fotografía e iluminación, una historia por demás atrapante cierran el círculo de la película perfecta.
La conclusión es verdaderamente positiva, y no queda más que decir que “El hombre que estuvo allí” viene a demostrar una vez más, que más allá del género, estilos, conceptos y lenguajes, el cine es solo una cuestión de talentos, y esto definitivamente es lo que le sobra a los Coen.

"Tal vez allá donde vaya, pueda expresar todo aquello que no sé expresar con las palabras aquí". (Ed Crane).

Calificación:
Excelente

Trailer:

A Single Man

Un Hombre Solo (Estreno en cine)

Origen: EE.UU
Director: Tom Ford
Reparto: Colin Firth, Julianne Moore, Matthew Goode, Ginnifer Goodwin, entre otros.
Genero: Drama
Año: 2009


Sinopsis:
Los Ángeles en 1962, a punto de la crisis de los misiles cubanos. George Falconer (Colin Firth) es un profesor universitario británico homosexual de 52 años que lucha por encontrarle sentido a su vida tras la muerte de su compañero sentimental, Jim (Matthew Goode). George rememora el pasado y no consigue ver su futuro, especialmente en un día en el que una serie de sucesos y encuentros lo llevan en última instancia a decidir si la vida tiene sentido después de Jim. George recibe consuelo de su amiga más íntima, Charley (Julianne Moore), una belleza de 48 años que también lucha con sus propias dudas acerca del futuro. Un joven estudiante, Kenny (Nicholas Hoult), que está intentando aceptar su auténtica naturaleza, acecha a George porque ve en él a un espíritu afín.

Critica:
Tom Ford es uno de los mejores diseñadores de moda de los último tiempos, uno de los más influyentes hasta entonces. “Un hombre solo” es su primera película y hay que destacar que la dirigió, produjo y adapto el guión de la novela clásica de 1964 de Christopher Isherwood, que no es poca cosa.
La historia se centra en un hombre George Falconer (Colin Firth) profesor de literatura gay desdeñado ya de su vida, nostálgico en vistas a la depresión absoluta por la muerte de su pareja Jim en un accidente. Por lo que planea el fin de su vida de la peor manera posible, suicidándose. Pero se da cuenta de que no todo esta perdido y se permite algunas cosas que le hacen reflexionar sobre su vida. Y también una excelente Charley (Julianne Moore) de la cual George recibe consuelo tras la muerte de su pareja y con quien mantiene una amistad.
Bien, la película tiene un excelente estilo de abordaje, bien filmada, con planos por momentos fijos y primerísimos planos en gran parte de la película hacia los personajes, lo que le da un personalismo importante a las actuaciones y a la trama. Ford tiene un gran manejo de sus actores. Destaquemos a un excelente Colin Firth que prácticamente se lleva la película, y que no incomoda para nada en su holgada existencia que lleva a lo largo de la historia.
Logra sumergir al espectador en el dramatismo y crea atmósferas de pensamientos profundos ante un hombre abatido, pero que esta en busca de un cierto renacer interior y así resurgir.
La conclusión es que su director apuesta a un cine visualmente bello y manifiesta el miedo y opresión por sobre toda las cosas, es sensible y no cae en golpes bajos, emociona en gran medida y esto vale. Veremos con que sigue ya que promete un futuro muy bueno como realizador. Esperaremos con entusiasmo.

Calificacion:
Muy Buena

Trailer

Das Weisse Band

La Cinta Blanca

Origen: Alemania
Director: Michael Haneke
Reparto: Susanne Lothar,  Ulrich Tukur,  Burghart Klaussner,  Josef Bierbichler, entre otros.  
Genero: Drama
Año: 2009


Sinopsis:
1913-1914. Extraños acontecimientos, que poco a poco toman carácter de castigo ritual, ocurren en un pequeño pueblo protestante del norte de Alemania. ¿Quién está detrás de todo esto? Los niños y adolescentes del coro del colegio y de la iglesia y sus familias conforman una historia que reflexiona sobre los orígenes del nazismo en vísperas de la I Guerra Mundial.

Critica:
La cinta blanca es y sera una de las mejores películas del año no por ser un producto de entretenimiento aunque lo sea al fin, sino por ser un producto de reflexion inquietante y perturbador. Tal vez la recuerden como competidora de "El secreto de sus ojos" en los premios Oscares. Haneke ha realizado una extraordinaria obra maestra que lo plasma en una pantalla, sin mas que decir justifiquemos lo dicho.
La película esta ambientada en un pequeño pueblo de Alemania, ubicada temporalmente en la inminencia de la Primera Guerra Mundial, que narra de parte de un ya viejo maestro en vos over lo sucedido en aquellos años. La historia comienza al darse varios sucesos extraños, una serie de atentados y golpizas de niños ponen en evidencia la violencia latente que pareciera obedecer a ordenes mucho mas primitivos, esta dada en un ámbito de frágiles vinculos familiares, doctrinas religiosas y necesidades que castigan a un pueblo. Todo gira ante una sensacion de odio, relaciones complejas, de juegos macabros entre dominados y dominadores, de traiciones encubiertas y culpas inmanejables cargadas de secretos y estallidos brutales.
El trabajo de imagen de Christian Berger (director de fotografía) es realmente impecable, filmado en digital y luego pasado a un blanco y negro no melancólico sino vivo ya que eso era lo que buscaba Haneke, y una cámara con planos realmente de una belleza pocas veces vista, la forma en que encuadra los personajes en plano logrando interpretaciones de una enorme carga emocional, escenas como la de un niño muy chico preguntando sobre la muerte a su hermana o el medico del pueblo ejerciendo una violencia (psicológica) ante la mujer con quien mantienen una relación es una de las cosas mas fuerte que he visto en mi vida realmente. Tanto desde el relato como de lo ocurrido en pantalla, la dificultad de acceder a un conocimiento de lo que ocurre hace que el espectador deba avanzar y concluir a pura sospecha y imaginacion de lo peor, con esto quiero decir que se muestra sin mostrar, uno como espectador predice pero no lo ve, sabe que eso que pasa esta ahí, pero no lo ve, la película no denuncia, pertenece al orden de las preguntas irresueltas y al de una señal de alarma, solo muestra fragmentos que inquietan y perturban.
"Me parece que el arte debe hacer preguntas y no avanzar respuestas que siempre me parecen sospechosas", dicho en una entrevista por el propio Haneke y eso es lo que otorga, una serie de preguntas: sociales, políticas, de vinculos, de mensaje, de moral, de la existencia, del poder, del engaño, de violencia, de inocencia, de impotencia, de aberraciones, de injustificaciones, de religiones, de creencias. La cinta blanca inyecta un efecto reflexivo en el que la ve y genera un espejo donde es necesario mirarnos aunque como lo ya dicho inquiete y perturbe, a veces demasiado.

Calificación:
Excelente

Trailer

In weiter Ferne, so nah!

Tan lejos, Tan cerca

Origen: Alemania

Director: Win Wenders

Reparto: Otto Sander, Bruno Ganz, Nastassja Kinski, Martin Olbert, Aline Krajewski

Genero: Drama

Año: 1993

Sinopsis:

Dos ángeles de la guarda vuelan sobre Berlín. Son invisibles y llenos de benevolencia, pero no pueden intervenir en la vida de las personas. Entonces Cassiel, el ángel de las lágrimas, se convierte en humano para saber cómo sienten y perciben el mundo las personas.

Critica:

Tenia muchas ganas de ver esta película desde hace ya un tiempo, he visto partes cuando era chico y la verdad que siempre me causo una intriga importante, claro desde ya ni siquiera sabia de que se trataba y mucho menos el director y demás. Leyendo un libro, que por su parte lo recomiendo enormemente (Lecciones de cine, Laurent Tirard) que es básicamente entrevistas a directores de todos los tiempos, y aquí por supuesto estaba Win Wenders el director de esta película, una persona interesante que sabe contar historias, y este es el caso, por eso me llevo mas aun a visionarla.
La historia no es demasiado compleja como parece en la película, son dos ángeles Cassiel y Raphaella (Otto Sander y Natassja Kinski) que observan a un Berlin renovado que ya ha dejado atrás el muro y la guerra fría. Estos ángeles, invisibles ante las persona, su tesoro mas preciado, observan intrigantes, reflexivos y hasta inocentes, el caos, los problemas y cuestiones de los seres humanos que cuesta entender.
Cassiel (el ángel de las lágrimas) desea con pertenecer en este mundo como humano y no como ángel para poder observar, oír, y sentir como nosotros. Claro que se le cumple este pedido y así comienza a experimentar todo esto desde otra perspectiva.
"Cada uno crea su propio mundo dentro de su ver y oír... y es prisionero dentro de él, y desde la propia celda ve la de los demás", esta cita es una de las tantas que cassiel reflexiona en una voz en una off presente en toda la película refiriéndose a su compañera Raphaella, las personas creen en lo que ven, nada mas, ese me parece que es el mensaje, el ser como somos partiendo de estos dos sentidos fundamentales y encerrarnos en eso creando nuestro propio mundo y ser así prisioneros de nosotros mismos.
La película despliega una alta calidad cinematográfica, que va desde la fotografía hasta la narración, con un ir y venir entre colores y el blanco y negro, personajes como el músico Lou Red y el actor Peter Falk (columbo, la serie), crean a un elenco y atmósfera muy interesantes por cierto. Imagenes cargada de lírica poética, apoyadas siempre en el intrigante ser humano y sus cuestiones.
La conclusión es que "Tan lejos, tan cerca" deja muchos mensajes y pensamientos que vale la pena ser al menos recordados, ante un atroz mundo y así reflexionar sobre el ser humano o mejor dicho sobre nosotros mismos.

“Si tu ojo está sano, tu cuerpo entero será luminoso. Pero si tu ojo está enfermo, tu cuerpo entero será tenebroso”. (Cassiel)

Clarificación:

Muy buena

Trailer: