Days of Heaven

Días del Cielo

Origen: EE.UU
Director: Terremce Malick
Reparto:Richard Gere, Brooke Adams, Sam Shepard, Linda Manz, entre otros.
Genero: Drama
Año: 1978

Sinopsis:
Bill y Abby, una joven pareja, deciden abandonar la pobreza y la dura vida que llevan en el Chicago de 1916. Los dos, junto a Linda, la hermana de Bill, viajan hacia las grandes zonas de cultivo de cereales de Texas, donde encuentran trabajo como braceros en una granja. Al finalizar la cosecha, el joven y apuesto patrón, que cree que los tres son hermanos, les pide que se queden porque se ha enamorado de Abby. Al fianal algo inesperado ocurrirá que cambiara sus vidas para siempre.

Critica:
Es toda una travesía criticar una película de Terence Malick por su enorme profundidad de pensamientos y reflexiones que conllevan todas sus realizaciones, y es una gran responsabilidad para mí tratar de darle dirección a mis banales palabras y de escribir con criterio sobre esta maravillosa obra llamada “Días del Cielo”. Ojala llegue a cumplir mi objetivo, al menos un poco.
Malick es una persona muy especial y a modo personal es uno de mis directores preferidos, su filmografía es austera pero efectiva, cuenta con un total de seis películas hasta la fecha y mas de 20 años de carrera. Las seis películas se conforman de “Malas Tierras”, “Días del Cielo”, “La delgada línea roja”, “Un nuevo mundo”, "El árbol de la vida" y su ultima "To the Wonder". Filosofo y profesor universitario lleva una vida totalmente alejada de la industria comercial del cine, mas bien yo diría que prefiere y quiere mantenerse lo mas alejado posible de esto, se mantiene oculto ante cualquier entrevista o reportaje. Se jacta de dirigir y escribir sus películas y esto vale mucho ya que tiene un gran poder del manejo del cine.
“Días del cielo” es una historia que ocurre poéticamente entre el cielo y el infierno, refiere directamente a la condición humana y a un sentido biblico. Sus personajes son conflictivos y reales, son demonios y ángeles. Las voces son tres Bill (Richard Gere), Abby (Mujer de Bill) y Linda (hermana de bill), derrotados por la pobreza en aquel año (1916) van en busca de trabajo en las grandes cosechas y cultivos de trigo, para así poder vivir. El caso comienza cuando aparece el dueño de estas tierras, un hombre relativamente joven, solitario y con mucho dinero. Este sin mas se fija en la mujer de bill, claro este ultimo le dice a Abby que se haga pasar por su hermana y así poder aprovechar la situación y al fin así poder vivir mejor, abby convencida por ridículos pero efectivos argumentos  llevar a cabo este engaño acercándose afectivamente a este hombre rico. Lo que sigue es ver como Abby pasa los días con su hombre que resulta sorpresivamente bueno, sensible y considerado. Poco a poco la historia, los personajes y el film van en descenso a los infiernos. Amor, celos, enfermedad, muerte, miserias y perdidas serán las constantes a lo largo de la obra.
Claro que hay una tercera voz, que viene a ser Linda (hermana de bill), una niña en pre adolescencia que es puesta inteligentemente por Malick como si fuera la voz del espectador y del propio director, con reflexiones existencialistas como nos tiene acostumbrado el mentor y con frases y pensamientos que llegan con gran profundidad. Esto me trae a su anterior y primer película “Malas tierras” (Recomendado visionado) en la que la protagonista tambien lleva la voz y expone pensamientos filosóficos que desgarran al espectador, “Días del…” plantea mas o menos lo mismo al proyectar preguntas tan reflexivas como ¿quienes somos?, ¿Dónde vamos?, ¿Porque somos bondadosos y a la vez perversos?.  Linda reflexiona sobre dilemas de la vida y de la condicion, como cuando dice las maravillosas líneas: “Nadie es perfecto. Nunca hubo una persona perfecta en el mundo, uno solo es mitad diablo, mitad ángel”. El dileme de estar entre el cielo y el infierno.
Con respecto a datos cinematográficos, Néstor Almendros gana un Oscar por mejor fotografía, contiene planos llenos de paisajes naturales como toda obra de Malick, pero déjenme decirles que hay una secuencia realmente sorprendente en la que vemos desde dentro de la tierra como nace y crece una semilla para luego ser arrancada, perfecto. Es un proceso vivo.
La conclusión es fuertemente positiva, y espero no haberme dejado llevar por pasiones personales, pero el cine de Malick es profundo, reflexivo, humano.“Días del cielo” nos deja pensativos. Y nos deja un mensaje tan claro como atroz, pase lo que pase el mundo sigue con su rutinario vacío. Y así será.

Calificación:
Muy Buena

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El Fondo del mar

El fondo del mar


Origen: Argentina

Dirección: Damian Szifron

Reparto: Daniel Hendler Dolores Fonzi, Gustavo Garzón, entro otros.
Genero: Suspenso.
Año: 2003


Sinopsis:
Ezequiel (Daniel Handler) es un estudiante de arquitectura obsesionado con su novia Ana (Dolores Fonzi), la cual se ve desinteresada por la relación que llevan. Los celos y la paranoia de Ezequiel aumentan aún más cuando descubre que Ana le esta mintiendo, sus sospechas se centran en Anibal (Gustavo Garzón). Desconociendo la identidad de éste, Ezequiel comienza una persecución por la zona norte de la ciudad de Buenos Aires para averiguar quién es.


Critica:

Película de genero de quien para mi es uno de los tipos mas inteligentes y talentosos del Cine y la TV argentina. Damian Szifron director y guionista, tal vez mas conocido por haber realizado la fantástica serie de televisión "Los simuladores" y la un poco menos exitosa "Hermanos y detectives". Ahora bien, si hablamos de cine esta es su primer película o como se suele llamar en la jerga cinefila su "opera prima" y es la que nos tiene hoy aquí. Luego su ultimo avistaje en el cine argentino fue la entonces "Tiempo de Valientes" allá por el 2005 con Diego Peretti y Luis Luque, que por cierto recomiendo enormemente. Una de las mejores películas argentinas.
"El fondo del mar" es una de genero, de intriga, de suspense, hitchckoneana, una de esas que te atrapa durante todo el metraje y no te suelta. No es ni una obra maestra ni tampoco queremos que lo sea, solo es una película que cuenta la historia de un obsesivo y haciendo lo que para mi mejor sabe hacer Szifron que es esa conbinacion de elementos en las historias que no te deja pensar. Con casi toda la flotilla actoral de "Los simuladores" y hasta las misma armas de dirección se le agregan los protagonistas de esta historia Daniel Hendler, Dolores Fonzi y Gustavo Garzón que por supuesto están mas que bien, nada malo se puede decir de ellos. La historia básicamente es mostrar a un obsesivo/celoso futuro arquitecto que sospecha que su novia lo engaña. En paralelo a esto Ezequiel (el personaje de Daniel) esta aprendiendo a bucear y todo pasara horas antes de emprender el viaje a ese fin. Lo bueno es esa interesante atmósfera que crea en la historia, ese suspenso sin nada que nos lleva hacia algún lugar, ese mecanismo sin sobrecarga y el retrato real a esas obsesiones que tenemos, a veces ocultas, los seres humanos por mas irreal que sean.
Lamentablemente Damian Szifron no realizo ningún otro film ni ninguna otra serie por razones diferentes y personales, una lastima al menos es lo que a mi me parece. Pero felizmente según leí esta preparando su regreso y espero así sea. 
"El fondo del mar" una película para tener, ver y rever. Una de esas pequeñas pero grandes historias que a veces por pasar desapercibido nos perdemos.

Calificación:

Muy Buena.

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Hereafter

Más allá de la vida

Origen: EE.UU
Direccion: Clint Eastwood
Reparto: Matt Damon, Cécile de France, George McLaren, entro otros.
Genero: Drama
Año: 2010



Sinopsis:
Narra paralelamente la historia de tres personajes que han tenido algún tipo de contacto con la muerte: una periodista de la televisión francesa (Cécile de France), que estuvo a punto de morir durante el tsunami que asoló el Sudeste asiático en las Navidades de 2004; un niño (George McLaren) de Londres que pierde a la persona que más quería en un terrible accidente, y un norteamericano (Matt Damon) con el don de poder comunicarse con los muertos.

Critica:
¿Donde vamos? ¿Que pasa al dejar este mundo? ¿Que es de nosotros? ¿Hacia donde iremos al partir? muchas preguntas pueden surgir y hasta podemos llegar a los mas alto de la cinefilia misma. Films mas críticos o menos críticos, films mas explícitos o mas retóricos. Al fin de cuentas es lo que importa, esa discusión en esta película intrigante del después y dejar la duda es lo que nos hace existir.
Clint Eastwood es el director de esta película y eso significa mucho, al menos en lo que a mi respecta. Y otra vez espero no dejarme llevar por pasiones personales en el proceso de construir una idea, un análisis o una critica de la simple y maravillosa "mas allá de la vida", su ultima realización. Las películas de Eastwood son simples y llanas en esto estamos de acuerdo, giran en torno al quiebre de los protagonistas, a un evento o suceso de alguno de los personajes. Es un cine que nos da mas allá de todo momentos de la vida, momentos reales, principalmente su ultimo cine y todas sus ultima realizaciones. Es alguien que ya se pregunta sobre el final con su elevada edad, por eso habla sobre ello y quien mejor que él para hacerlo.
"Mas allá de la vida", cuenta la historia de tres personas que de alguna manera tienen relación con la muerte o con el mas allá. Uno es un vidente (léase psíquico) condenado por su Don de visiones, otra es una estrella de t.v que pasa por una experiencia cercana a la muerte y finalmente un niño de 12 años que pierde repentinamente a su hermano gemelo. Todos ellos de alguna manera formulan sus propias preguntas y tratan de darles respuesta. Al fiel estilo del mentor la simplicidad es lo que enmarca estas historias. Soledad, Dios, muerte, redención, tristeza, arrepentimiento, recuerdos, misterio son algunas variables que describen este argumento.
El nivel técnico y de actuación realmente son alucinantes, la cámara se desliza con total belleza y sentimiento, la musica acorde al climax y los actores encajan en las historias haciéndolas totalmente creíbles. Clint es alguien con experiencia, sabe lo que hace, no hay duda de ello y sobre todo es lo que mas se valora, la etapa en la que alguien hace lo que quiere. No hay excusas ni explicaciones que dar por ello.
No hace mucho sobrevalore algún que otro director, incluido Eastwood, y repasando sus obras con gran interés me doy cuenta que disfruto mucho de sus películas, algunas mas y otras menos por supuesto pero por sobre todo encuentro un lugar cómodo en donde de principio a fin veo en esas historias momentos memorables -MAS GRANDE QUE LA VIDA- lugares comunes que llenan el alma, a veces vaciada de tanto en tanto y que sirven como un refugio en la que me gusta, o mejor dicho, nos gusta estar mas de una vez como espectadores. Y eso es algo que agradezco.
Finalmente concluimos con que es una historia mas, una película mas, un momento mas como lo es esta vida, lejos de sonar reflexivo y constructivo en mi critica encuentro un punto en común, el lugar de placer al ver esta película que por supuesto encerró en mi un lugar de preferencia. El mensaje es claro, así como la conclusión, no hay certezas de nada, mas allá de las creencias o no creencias nadie sabe exactamente que va a pasar cuando llegue el momento de irnos. Y el tiempo pasara y esas preguntas con la que empecé esta critica resonaran una y otra vez a lo largo de nuestras vidas. George, en uno de los grandes momentos del film, le hace una lectura a Marcus, este desesperado buscando respuestas de su hermano que se fue sin avisar y de repente, le pregunta devastado y entristecido ¿Donde fue? Hacia donde va? como si fuera la vos y la pregunta de nosotros mismos también en la búsqueda de esa respuesta... y en la que George responde memorablemente casi como la mejor conclusión:
No lo se Marcus no lo se.

Ser inmortal es Baladí; menos el hombre, todas las criaturas lo son, pues ignoran la muerte; lo divino, lo terrible, lo incomprensible, es saberse inmortal. ("El Inmortal", Jorge Luis Borges).

Calificación:
Muy Buena.

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Rescue Dawn

Rescate al amanecer

Origen: EE.UU
Direccion: Werner Herzog
Reparto: Christian Bale, Steve Zahn, Jeremy Davies, entro otros.
Genero: Belico
Año: 2006


Sinopsis:
Durante una misión en plena Guerra de Vietnam, un piloto norteamericano tratará de sobrevivir tras ser derribado su avión sobre Laos.

Critica:
En todos estos años hemos visto muchas películas bélicas, y en su gran mayoría tratan de mostrar el infierno que se vive en una guerra y lo duro que es estar allí. Muchos ejemplos valen por si solos, y grandes películas como directores han llevado a la pantalla grande la guerra. “Apocalipsys now” (Coppola),” La delgada línea roja” (Malick), “Rescatando al soldado Ryan” (Spielberg), Forrest Gump (Zemeckis) y tantas otras que no nombro o no he visto aun. La cuestión es que es un tema recurrente en el cine, realizadas en su mayoria por altos costos cinematográficos y muchas son tomadas de varios enfoques diferentes, según quien sea el ejecutor. La sensibilidad puesto al servicio del espectador.
Sobre “Herzog”, director y guionista de “Rescate al amanecer” no se aleja de ninguna variable dicha antes o sabida de antemano, pero cumple con ciertas normas cinéfilas indestructibles. Imágenes al servicio del espectador.
La historia se trata básicamente sobre un piloto de avión (estadounidense) al servicio de las fuerzas militares, en la guerra de Vietnam, que es derribado sobre suelo vietnamita, y luego atrapado. Lo que sigue es mostrarnos a un tipo sobreviviendo y tratando de zafar de esta situación a veces insostenible por el sometimiento, el encierro y todo lo que conlleva esto.
La actuación de Christian Bale es sinceramente excelente, vemos a este actor como tantas veces bajar de peso de forma impresionable para nuestros ojos. Y no deja ninguna duda de su enorme talento, y como encarar papeles fuertes. El resto del elenco, sin detalles, está muy bien y alcanzan a generar la atmosfera requerida para situaciones límites, como lo es el estado de guerra.
Lo técnica de Herzog es perfecta, la cámara que se hace notar todo el tiempo (al estilo Kubrick). Varios ángulos y planos muy distintivos. Déjenme resaltar el inicio de esta película. Un avión que sobrevuela, comienza a bombardear aldeas vietnamitas con una sinfonía de fondo, de vaya a saber quien, con un fuerte peso documentalista, es excelente y digno de resaltar y por consiguiente visionar.
En conclusión, es una película que se mueve y nos deja atónitos en varios momentos. En contra tal vez un final un tanto, como decirlo, hollywoodense si se quiere, pero se le perdona por todo el contenido antes visto. Herzog es un gran cineasta y realizador de películas. “Rescate al amanecer“es otro claro ejemplo de su gran habilidad.

Calificación:
Muy Buena

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Funny People

Hazme Reír

Origen: EE.UU
Direccion: Judd Apatow
Reparto: Adam Sandler, Seth Rogen, Leslie Mann, Jonah Hill, entre otros.
Genero: Comedia/Drama
Año: 2009


Sinopsis:
La historia ambientada en el mundo de los comediantes de standup (los monologuistas), y concretamente en George Simmons (Adam Sandler), un famoso cómico que descubre de repente que le queda poco tiempo de vida. George Simmons, que cree tenerlo todo, se da cuenta de lo que es estar cerca de la muerte, y a partir de ese momento pondrá todo su empeño en buscar aquello que realmente aporte significado a su vida.

Critica:
La tragedia y el humor. Apatow, director y guionista de esta SOBREVALORADA película, en la que uno no espera, tal vez algo diferente y opuesto como lo es "Funny People" ante las anteriores películas: "Virgen a los 40" y "Ligeramente embarazada" del director en cuestión.
El foco de la historia es simplemente un comediante que le dan la mala noticia de que padece una enfermedad en la sangre poco usual y que la cura consiste en un tratamiento que pocas veces funciona, Apa! la película de un comediante empieza con una tragedia. -No se si es chocante o dramático pero hace que te acomodes en el sillón- empezar así de alguna manera le da seriedad a la cosa pero nunca pierde el hilo de diversión sobre el argumento y eso es lo importante y atrapante aquí. Sin embargo la historia no esta repleta de gags o secuencias divertidas estandarizando este tipo de películas, creo que es una historia mas personal y profunda al mismo tiempo. Los personajes son tipos que sufren, con infancia poco felices, amores perdidos, soledad, problemas económicos, individualidades y así podría seguir la lista, y pienso que aunque no lo parezca esto en lo mas interesante, son problemas realistas, hay realidad. Usa el excelente actor y amigo Adams Sandler en un papel fuera de lo que él siempre hace, esta vez algo mas serio como se lo vio por ejemplo en la aclamada opera prima de Paul T. Anderson "Embriagado de Amor", las demás actuaciones están muy bien, principalmente Seth Rogen que viene trabajando con Apatow desde sus inicios y quien conoce mejor que nadie su ideología cinéfila.
La duración de 146min fue lo primero que cuarto la critica de Funny People, ahora la pregunta que me hago, ¿no fue necesario esto? la ultima parte estirada, diferente, cámara en mano en la que Sandler va a recuperar el amor de su vida junto a su asistente Roger, fue necesario?, si y eso es lo que creo y afirmo, tenia que demostrar en contra de -ATENCIÓN SPOLIER!- que pese a la cura de su enfermedad todo iba a ser feliz, y que cuando te pasan estas cosas como la de padecer una enfermedad que te llevaran innefablemente a la muerte y luego el milagro de la cura se reflexiona en en que la vida te da una segunda oportunidad y valorar cada minuto y bla bla bla..., pues NO apatow es realista... la vida no es tan fácil, y no aprendemos con tanta rapidez, hay un tiempo y es ahí en donde existe un objetivo, en el ultimo tramo de la historia.
Es una película que no hay que dejar de ver, Sandler dice al final "...mi cuerpo ya esta bien, pero a mi cabeza le falta un largo camino..." y es con lo que me quedo, "...siempre me exigieron demasiado, los odio..." le dice al publico cantando una canción con vientos de rencor y venganza hacia quienes siempre esperan demasiado, como lo es el publico y las personas. Roger le dice a gritos "...no has aprendido nada, pensé que al curarte cambiarías y reflexionarias..." No es así, no aprendemos tan fácil.
Película Hiperrealista que logra captar la atención para bien o para mal, según quien...
La vida contiene tragedia y humor, factores tan necesarios como opuestos.

(...) Después de un tiempo uno aprende la sutil diferencia
entre sostener una mano y encadenar un alma (...) ("Aprendiendo", Borges).

Calificación:
Muy Buena.

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Shutter Island

La Isla Siniestra

Origen: EE.UU
Director: Martin Scorsese
Reparto: Leonardo DiCaprio, Mark Ruffalo, Ben Kingsley, entre otros.
Genero: Suspenso (psicologico)
Año: 2010


Sinopsis:
Verano de 1954. Los agentes judiciales Teddy Daniels (Leonardo DiCaprio) y Chuck Aule (Mark Ruffalo) son destinados a una remota isla del puerto de Boston para investigar la desaparición de una peligrosa asesina (Emily Mortimer) recluida en el hospital psiquiátrico Ashecliffe, un centro penitenciario para criminales perturbados dirigido por el siniestro doctor John Cawley (Ben Kingsley).

Critica:
Al fin decidí emprender el viaje hacia el cine a ver “La ista siniestra” (Shutter Island) dirigida por Martín Scorsese película que me debía ver y vaya que me produce un gran placer ver una película de este gran director, tal vez si se me permite uno de los grandes de el cine moderno actual. El genero elegido esta vez por su mentor fue un Thriller lo cual esto nos deja decir que en su larga filmografía a recorrido casi todo los géneros dejando en claro sus mejores o peores habilidades como realizador de estas historias, claro que me puse a revisar el genero dicho en mi austera videoteca, y encontré una gran obra Cabo del miedo (Cape fear) la cual con un rápido review me llevo a pensar y darme cuenta que usa siempre una suerte de constantes, la de plantear a sus personajes-protagonistas si se quiere en antihéroes totales dejando paso a el mal o bien por venir de estos como un Robert De Niro en Taxi driver aniquilando a capos mafiosos por prostituir a una niña de 12 años o un Nicholas Cage en Vidas al límite (Bringing Out the Dead) tratando de salvar vidas como paramédico en su mediocre vida y así varios ejemplos, reservándose claro el derecho de admisión de la vuelta de tuerca (llamado así en la jerga) o giro de argumento que es otra de las contantes fijas e inamovibles de sus películas haciéndolas mas que interesantes, claro.
Bien dicho esto ordenemos y vayamos a lo que nos trajo aquí, la cosa es más o menos así todo trascurre en una isla de Nueva Inglaterra por allá en 1954 que relata la investigación y persecución de un paciente que escapo de una penitenciaría psiquiátrica. La cual un tal Teddy Daniels (Di caprio), es el comisario que lleva adelante dicha investigación donde se quedarán sin posibilidad de recibir ayuda por culpa de las inclemencias meteorológicas. Un Di caprio bien plantado realizando probablemente la mejor actuación de su carrera, al menos es lo que piensa este humilde narrador. La isla traza una línea fija entre la realidad y el delirio nunca se sabe donde comienza uno y termina el otro censurando todo intento del espectador de sacar algún tipo de conclusión o ponerse en el papel de detective adelantándose a los hechos dados y por momentos casi asusta en escenas de alto suspense y horror psicológico, creo que nunca se sale de estas variables. Claro que a manera de baja no vi demasiada concordancia con la música utilizada, golpes constantes y fríos, acertando si en muchas situaciones de muy buena ambientación musical como en secuencias que llevan al pasado a un Teddy golpeado y resentido por la guerra de alto calibre cinematográfico, sabiendo que venimos de alguien que siempre le puso un sello personal a sus películas en cuanto a musicalizar escenas. Tal vez en su intento de acercarse al cine de horror B y policial negro supuso estos sonidos que no deja de ser validos.
A modo de conclusión si hay algo que queda claro es que Scorsese sabe contar historias y usar el cine como entretenimiento que al fin es lo que es, la isla siniestra es una película bien puesta y realizada que invita al espectador a sentarse y meterse de lleno en la historia contada quedando atrapado en ella hasta el final.
Vaya a saber en que próximo proyecto estará pensando y con que nos sorprenderá la próxima vez porque eso es lo que hace sorprendernos con sus películas. Martín Scorsese obligadamente ya sea por su pasado o futuros, amantes o no del cine tiene que ser o probablemente ya sea de nuestra mayor consideración.

Calificacion:
Muy Buena

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Funny Games

Juegos Sadicos

Origen: EE.UU
Director:Michael Haneke
Reparto: Naomi Watts, Tim Roth, Michael Pitt, Brady Corbet, entre otros.
Genero: Suspenso
Año: 2007

Sinopsis:
El director Haneke realiza un remake nortamericano exacto (copiando casi plano a plano) de su propia película, narrando la historia de una familia neoyorquina compuesta por una ama de casa (Naomi Watts), su marido (Tim Roth) y su hijo de 10 años (Devon Gearhart) que son asaltados por unos jóvenes en su casa de vacaciones cerca de un lago.

Critica:
“Juegos sádicos” (Fanny Games) es una película medida y bien pensada por el maravilloso Haneke, ya uno de mis directores preferidos sin duda. La cosa es que hay dos versiones de esta película, una realizada en 1997 y otra en el 2007. En este caso vi la última y en ella nos centraremos. Lo que hace el director con la versión 2007
es poner a punto la historia en relación a los tiempos que corren hoy día.
Realizada con actores de alta talla y dejando en ellos toda la habilidad, la historia se trata de una normal y feliz familia que vacacionan en una misma casa de verano todo los años. Y sin embargo esta vez encuentran que las cosas están un poco raras, empezando con unos jóvenes que se acercan a ellos en principio con buenas y amables intenciones pero que poco a poco se va a transformar en un juego sádico y macabro.
Me hizo acordar mucho a Naranja Mecánica de Kubrick y creo que debe tener mucho en particular sobre todo por la frialdad que se cuenta la historia, ese peso psicológico y macabro que marcan cada minuto de la película y sin errores relevantes, el peso con la que se sobrecarga al espectador en marcha de un proceso punzante, ansioso e impaciente.
La película se completa con la excelente cinematografía que tiene Haneke y colocando la cámara de forma perfecta en cada plano y ángulo, como por ejemplo un plano fijo en un momento de tensión que nos deja atónitos y da pausa a la historia ya desecha y luego retoma sin ningún problema.
Lo mejor de todo son las actuaciones de estos dos excelentes actores Tim Roth (Britanico) y Naomi Watts (Inglesa) que se envuelven en el papel al parecer con facilidad y a uno le da la sensación de que realmente les esta pasando eso, sino no funcionaria sin duda, y un buen trabajo de los jóvenes que marcan muy bien el ritmo tenso y lo tienen claro en cada instante.
Tal vez no sea recomendable para personas que no soportan la incomodidad, pero ojo que no es terror bajo sino algo bien realizado.
Sin duda cada instante de la película se disfruta y es un entretenimiento certero, solo uno tiene un pensamiento al terminar la película: “Por dios, que nunca me pase eso”.

Calificacion:
Muy Buena

Trailer:

Hard Candy

Hard Candy

Origen: EE.UU
Director: David Slade
Reparto: Patrick Wilson, Ellen Page, Sandra Oh, Jennifer Holmes, Gilbert John.
Genero: Suspenso
Año: 2005

Sinopsis:
Jeff (Patrick Wilson), un fotógrafo de 32 años, queda con Hayley (Ellen Page), una chica adolescente de 14 años a la que ha conocido a través de Internet. Después de tomar un café, la lleva a su casa con el propósito de hacerle unas fotos.

Critica:
Director de la famosa y aclamada saga "The Twilight" a solo cinco años después de realizar “HardCandy”. Película diferente y llena de momentos tensos.
La trama gira en torno a dos personajes, unos de ellos es Hayley (Ellen Page) de aproximadamente 14 años y Jeff (Patrick Wilson), la cual este segundo intimida por Internet a esta niña e invita a encontrarse en un café de la localidad. Todo lleva a que los dos vayan a la casa de jeff. Inducidos por la desconfianza, la falta de compromisos y una historia de desaparición de una niña llamada Donna Mauer en el mismo café donde fue citada Hayley cambie toda la situación. Todo al fin va a derivar a un giro de argumento inesperado.
Hard candy es utilizado en la jerga inglesa de Internet para definir a una menor de edad.
Las actuaciones son precisas sobre todo la de Ellen Page que se esta convirtiendo en una gran actriz. Un papel impulsador y excelente que tal vez puedan recordar lo realizo en “Juno” interpretando a una adolescente embarazada con sus problemas. Y también destacar a este actor Patrick Wilson (tal vez lo recuerden en “Watchmen”) que lleva a que los momentos de más tensión tengan sentido y no se desfiguren como suele pasar en este tipo de películas psicológicas.
Las filmaciones son buenas, destacar la agilidad y destreza de filmar que tiene Slade es decir poco, algo en contra puede ser el estiramiento del guión en algunas escenas que se podrían haber evitado para caer mas lucidos a los momentos de mayor fuerza de la película.
Sin más nada que decir esta es una buena película con el solo objetivo de entretener con un clima de crudeza y tenacidad que solo podrá ver el que se atreva.

Calificacion:
Muy Buena

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Ghost Writer

El Escrito Oculto

Origen: Alemania
Director: Roman Polanski
Reparto: Ewan McGregor, Pierce Brosnan, Olivia Williams, entre otros.
Genero: Susupenso
Año: 2010

Sinopsis:
Cuando un escritor oculto profesional (negro literario, en la jerga), encarnado por Ewan McGregor, acepta de manera reticente reescribir las memorias del antiguo primer ministro inglés, Adam Lang (Pierce Brosnan), su agente asegura al escritor que se trata de la oportunidad de su vida. Para esto tiene que trasladarse a una mansión del Primer Ministro, que está situada en una zona costera de los Estados Unidos.
Pero el proyecto parece condenado desde un primer momento, empezando por el hecho de que su predecesor, que llevaba muchos años como ayudante de Lang, ha muerto en un desgraciado accidente.

Critica:
No queda ninguna duda de que Roman Polanski es uno de los directores europeos mas importante de las ultimas cinco decadas. Tal vez su cine fue interferido por la acusacion de abuso que se le adjudico e incluso este film fue interrumpido tras la escarcelacion de Polanski en medio de la Post-producción, pero por suerte, y mas alla de los problemas legales termino este maravillosa película. También podemos recordar y de paso aprovecho para recomendar a quien no haya visto sus dos gigantes películas que son "Barrio Chicno" (Chinatown) y "El Bebe de Rosmary" (Bebe's Rosemary) películas emblemáticas que marcaron un antes y un después.
Bien, la película es un intenso y atrapante thriller que narra la historia de un escritor oculto (Ewan McGregor) que es contratado luego de que su antecesor apareciera misteriosamente muerto, este contratado para escribir la autobiografía de un ex primer ministro (Pierce Brosnan) que a la vez es acusado por conspirar con el terrorismo.
Describe como el personaje de Ewan va descubriendo durante el proceso de escritura y de investigación oscuros secretos de el ex primer ministro que involucran abusos en la CIA y del M15, a partir de algunas pistas que su antecesor escritor había dejado.
La película es básicamente un thriller psicologico que atrapa desde principio a fin, con una banda sonora que remite al suspense hitchcockiano y un manejo muy habilidoso en el duro invierno en la costa Estadunidense.
La conclusión es totalmente positiva, no se pierdan esta película de un director que, mas allá de sus problemas legales, es un cineasta maravilloso y de esto no hay ninguna duda. "El escrito oculto" es un fiel, potente e inteligente film con un interesante entramado político. A verla.

Calificación:
Muy Buena

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Rompezabezas

Rompecabezas

Origen: Argentina
Director: Natalia Smirnoff
Reparto: María Onetto, Arturo Goetz, Gabriel Goity, entre otros.
Genero: Comedia / Drama
Año: 2009


Sinopsis:
María del Carmen, una ama de casa de 50 años de Turdera, suburbio del conurbano bonaerense, descubre que tiene un don: armar rompecabezas. En el camino de alumbramiento conoce a Roberto, un millonario de 60 años que aspira a participar en el torneo mundial de rompecabezas en Alemania.

Critica:
"Rompecabezas" es una película pequeña pero punzante y llena de humanismo. Opera Prima de la joven directora Natalia Smirnoff.
La historia se centra en Maria del Carmen (María Onetto), una mujer ama de casa de 50 años la cual nota que su vida no tiene sentido, con hijos ya crecidos y su marido Juan (Gabriel Goity) que al parecer celosamente no quiere que progrese. Hasta que encuentra un pasatiempo curioso al menos para ella, armar rompecabezas, lo que la lleva a querer competir junto a Roberto (Arturo Goetz) un hombre solitario que vive en una lujosa casa. Este se da cuenta rápidamente el don y la habilidad de Martia del Carmen para armar rompecabezas insitandola a competir en el torneo para ir luego a la final en Alemania.
Smirnoff hace una película cercana a sus personajes, rigurosa en su puesta de cámara, y se mete con asuntos familiares, frustraciones, amores, hijos, con una solvencia y una seguridad que le permiten sortear con elegancia todos los riesgos grotescos o miserabilistas que podían acechar el relato.
Es una película recomendada y un buen comienzo para la realizadora. Y tal vez el rompezabezas sea reflexivamente mas profundo que un simple pasatiempo, que es la de armarnos y desarmarnos, destruirnos y restaurarnos. Al propio corazón y hasta la propia vida.

Calificación:
Muy Buena

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Carancho

Carancho (Estreno de cine)

Origen: Argentina
Director: Pablo Trapero
Reparto: Ricardo Darín, Martina Gusman, Darío Valenzuela, entre otros.
Genero: Drama / Suspenso
Año: 2010


Sinopsis:
Sosa (Ricardo Darín) es un abogado que ha perdido su licencia y que vive gracias a su participación dentro de una asociación ilícita que regentea personas que provocan accidentes automovilísticos para así estafar a las aseguradoras. Luján (Martina Gusmán) es médica de un hospital ubicado en algún lugar del Gran Buenos Aires. Sosa y Luján cruzarán sus destinos, vivirán una lujuriosa historia de amor. Mientras, se involucran en un mafioso caso policial e intentan huir del destino.

Critica:
Pablo Trapero, director de esta y muchos buenos largos como la maravilloso “Mundo grúa”, “El Bonaerense” o “Leonera”, cabe destacar que con "Carancho" cierra el circulo para terminar de consagrarse como excelente realizador argentino, y con orgullo.
La historia crea un paralelismo entre una realidad social sobre la corrupción y los negociados que ligan a abogados, policías, médicos y compañías de seguro (justicia, seguridad, salud pública y empresa privada) y un amor imposible con una joven medica que desconoce esta oscura realidad.
Es un verdadero placer ver a Darin que con “Carancho” se termine de consagrar como uno de los mejores actores de cine de la argentina y que da indicios de poder interpretar cualquier papel, que en este caso requería de una interpretación más corporal, mas unísona, algo diferente a lo que venia haciendo. Supo meterse en el llamado Universo Trapero mostrándose crudo y en pleno movimiento con fluidez y credibilidad. También a Martina Gusmán interpretando a Lujan, la medica, y a la que ya habíamos visto en un excelente trabajo como madre en “Leonera” y que no queda ninguna duda de su habilidad como actriz.
Trapero muestra una interesante maestría narrativa, no en esta nada más, sino en todas sus realizaciones pero en “Carancho” se nota que puso todo lo que tenia, léase habilidad, recursos, dinero y demás. Con excelente trabajo de cámara, mucho movimiento y planos desarticulados, secuencias de gran profundidad y una fotografía como ya nos tiene acostumbrado Julián Apezteguía (Crónica de una fuga, La sangre brota). El espectador se mete de lleno en la dura historia y queda atrapado hasta el final. Solo voy a decir que la secuencia final es deslumbrante, nada que envidiar al cine norteamericano (sin preconceptos por favor).
“Carancho” es una película audaz, difícil, arriesgada, extrema y sin perjuicios. Creo que estamos delante de una obra de excelencia y que nos anuncia un buen futuro en el cine Argentino, y eso esta mas que bien.

Calificación:
Muy Buena

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A Single Man

Un Hombre Solo (Estreno en cine)

Origen: EE.UU
Director: Tom Ford
Reparto: Colin Firth, Julianne Moore, Matthew Goode, Ginnifer Goodwin, entre otros.
Genero: Drama
Año: 2009


Sinopsis:
Los Ángeles en 1962, a punto de la crisis de los misiles cubanos. George Falconer (Colin Firth) es un profesor universitario británico homosexual de 52 años que lucha por encontrarle sentido a su vida tras la muerte de su compañero sentimental, Jim (Matthew Goode). George rememora el pasado y no consigue ver su futuro, especialmente en un día en el que una serie de sucesos y encuentros lo llevan en última instancia a decidir si la vida tiene sentido después de Jim. George recibe consuelo de su amiga más íntima, Charley (Julianne Moore), una belleza de 48 años que también lucha con sus propias dudas acerca del futuro. Un joven estudiante, Kenny (Nicholas Hoult), que está intentando aceptar su auténtica naturaleza, acecha a George porque ve en él a un espíritu afín.

Critica:
Tom Ford es uno de los mejores diseñadores de moda de los último tiempos, uno de los más influyentes hasta entonces. “Un hombre solo” es su primera película y hay que destacar que la dirigió, produjo y adapto el guión de la novela clásica de 1964 de Christopher Isherwood, que no es poca cosa.
La historia se centra en un hombre George Falconer (Colin Firth) profesor de literatura gay desdeñado ya de su vida, nostálgico en vistas a la depresión absoluta por la muerte de su pareja Jim en un accidente. Por lo que planea el fin de su vida de la peor manera posible, suicidándose. Pero se da cuenta de que no todo esta perdido y se permite algunas cosas que le hacen reflexionar sobre su vida. Y también una excelente Charley (Julianne Moore) de la cual George recibe consuelo tras la muerte de su pareja y con quien mantiene una amistad.
Bien, la película tiene un excelente estilo de abordaje, bien filmada, con planos por momentos fijos y primerísimos planos en gran parte de la película hacia los personajes, lo que le da un personalismo importante a las actuaciones y a la trama. Ford tiene un gran manejo de sus actores. Destaquemos a un excelente Colin Firth que prácticamente se lleva la película, y que no incomoda para nada en su holgada existencia que lleva a lo largo de la historia.
Logra sumergir al espectador en el dramatismo y crea atmósferas de pensamientos profundos ante un hombre abatido, pero que esta en busca de un cierto renacer interior y así resurgir.
La conclusión es que su director apuesta a un cine visualmente bello y manifiesta el miedo y opresión por sobre toda las cosas, es sensible y no cae en golpes bajos, emociona en gran medida y esto vale. Veremos con que sigue ya que promete un futuro muy bueno como realizador. Esperaremos con entusiasmo.

Calificacion:
Muy Buena

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The King of the Comedy

El Rey de la Comedia

Origen: EE.UU
Director: Martin Scorsese
Reparto: Jerry Lewis, Robert De Niro, Sandra Bernhard, Diahnne Abbott, entre otros
Genero: Comedia
Año: 1982


Sinopsis:
Amarga comedia que narra la historia de Rupert Pupkin, un cómico obsesionado con convertirse en el mejor. Un día Rupert conoce a su ídolo, Jerry Langford, y le suplica la oportunidad de aparecer en su show, pero éste se la niega. Sin embargo no cejará en su empeño, acechando a Jerry hasta que consiga lo que quiere.

Critica:
El rey de la comedia es una película que particularmente me gusto mucho, claro que para hacer esta crítica tengo que luchar con la pasión que le tengo a las películas de Scorsese por sobre todo. Bien, antes de meternos de lleno a la critica voy a hacer un paréntesis, las películas de Scorsese y fundamentalmente El Rey…, son de una compañía muy fiel por lo menos para mi, me hacen sentir como que estoy en un terreno conocido o mejor dicho en una situación muy cómoda, hacen que uno se sienta bien y nos olvidemos un poco de la realidad a veces tediosa y disfrutemos de un buen momento. ¿Será por el cine personal que hace Martin? Tal vez.
Ahora bien comencemos, la película se trata de un comediante obsesionado Rupert Pupkim (Robert De Niro) que sueña con convertirse en un ídolo, y tiene la oportunidad de pedirle ayuda a Jerry Langford, nada menos, para realizar su sueño y claro este se la niega o algo así. Por otro lado esta Masha (Sandra Bernhard) una fanática también obsesionada. Partiendo de esto comienza la aventura cómica y por momentos dramática.
Quiero hablar de las interpretaciones que realizan los actores entre otras cosas porque realmente se justifica. Robert De Niro uno de los mejores actores del mundo a trabajado con Scorsese en muchas ocasiones como en las conocidas Taxi Driver, Raging Bull, etc. y claro películas con personajes tan dramáticos y violentos muy diferentes a esta, sin embargo fue el mismo De Niro el que le acerco el guión a Scorsese y le dijo de hacerlo, tal vez queriendo salirse un poco de interpretaciones muy cargadas emocionalmente. En esta hace un papel fantástico, encantador y a la vez directo e impulsivo como también Bernhard (Masha), los dos buscan algo que los complete de alguna manera. Rupert no quiere ser como Jerry, el quiere destruirlo y sustituirlo, ser mejor. Y por otro lado Masha busca algo que la saque de su propia inseguridad e inaptitud, y Jerry esto que pasa en la película le paso de verdad (dicho por Scorsese), recordemos que Jerry fue uno de los mas grandes cómicos, actor, director de años atrás, por lo tanto no le costo realizar el papel tan real como se ve. Scorsese dice: “A los actores siempre les atribuyen mas cosas de las que reflejan en pantalla, porque representan un sueño. Te pierdes en esas personas.” Y realmente lo logran.
Toda la película tiene un nivel de hostilidad insospechado según expresa, cada escena tiene su gracia a partir de la dura realidad, y entretienen al espectador. Claro cuenta con la calidad con la que es filmada plano por plano con escenas de alto grado cinematográfico, como aperturas de planos precisos o ángulos bien resueltos y un guión bien abordado. La película en aquellos años fue un fracaso rotundo, tal vez por el fin anunciado del cine de autor que se veía en su final total o por la manera de hacer películas tan personales que tiene dicho director. Tal vez haya sido el último suspiro de una comedia de verdad, que al final juzgaran ustedes mismos.

"...prefiero ser rey por un día que un tonto toda una vida...." (Rupert Pupkim)

Calificacion:
Muy Buena

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In weiter Ferne, so nah!

Tan lejos, Tan cerca

Origen: Alemania

Director: Win Wenders

Reparto: Otto Sander, Bruno Ganz, Nastassja Kinski, Martin Olbert, Aline Krajewski

Genero: Drama

Año: 1993

Sinopsis:

Dos ángeles de la guarda vuelan sobre Berlín. Son invisibles y llenos de benevolencia, pero no pueden intervenir en la vida de las personas. Entonces Cassiel, el ángel de las lágrimas, se convierte en humano para saber cómo sienten y perciben el mundo las personas.

Critica:

Tenia muchas ganas de ver esta película desde hace ya un tiempo, he visto partes cuando era chico y la verdad que siempre me causo una intriga importante, claro desde ya ni siquiera sabia de que se trataba y mucho menos el director y demás. Leyendo un libro, que por su parte lo recomiendo enormemente (Lecciones de cine, Laurent Tirard) que es básicamente entrevistas a directores de todos los tiempos, y aquí por supuesto estaba Win Wenders el director de esta película, una persona interesante que sabe contar historias, y este es el caso, por eso me llevo mas aun a visionarla.
La historia no es demasiado compleja como parece en la película, son dos ángeles Cassiel y Raphaella (Otto Sander y Natassja Kinski) que observan a un Berlin renovado que ya ha dejado atrás el muro y la guerra fría. Estos ángeles, invisibles ante las persona, su tesoro mas preciado, observan intrigantes, reflexivos y hasta inocentes, el caos, los problemas y cuestiones de los seres humanos que cuesta entender.
Cassiel (el ángel de las lágrimas) desea con pertenecer en este mundo como humano y no como ángel para poder observar, oír, y sentir como nosotros. Claro que se le cumple este pedido y así comienza a experimentar todo esto desde otra perspectiva.
"Cada uno crea su propio mundo dentro de su ver y oír... y es prisionero dentro de él, y desde la propia celda ve la de los demás", esta cita es una de las tantas que cassiel reflexiona en una voz en una off presente en toda la película refiriéndose a su compañera Raphaella, las personas creen en lo que ven, nada mas, ese me parece que es el mensaje, el ser como somos partiendo de estos dos sentidos fundamentales y encerrarnos en eso creando nuestro propio mundo y ser así prisioneros de nosotros mismos.
La película despliega una alta calidad cinematográfica, que va desde la fotografía hasta la narración, con un ir y venir entre colores y el blanco y negro, personajes como el músico Lou Red y el actor Peter Falk (columbo, la serie), crean a un elenco y atmósfera muy interesantes por cierto. Imagenes cargada de lírica poética, apoyadas siempre en el intrigante ser humano y sus cuestiones.
La conclusión es que "Tan lejos, tan cerca" deja muchos mensajes y pensamientos que vale la pena ser al menos recordados, ante un atroz mundo y así reflexionar sobre el ser humano o mejor dicho sobre nosotros mismos.

“Si tu ojo está sano, tu cuerpo entero será luminoso. Pero si tu ojo está enfermo, tu cuerpo entero será tenebroso”. (Cassiel)

Clarificación:

Muy buena

Trailer: